All is merged by the triangular polygon, geometrical shape that is seen as a mutual element both on wearable forms and on digital graphics. The concept like that is of difficult comprehension, but in reality it is very simple.

These guys study, through the use of 2D and 3D graphics, alternative ways to construct garments. Pure experimentation, risky we could say, because this group of mysterious boys bases their own studies on the most basic garments in the world, t-shirts. “All our products are made in a new digital environment that allows us to reconstruct every piece of clothing from the core to any degree of complexity. With this new approach we establish a new dimension in which 2D, 3D and the space in between is reconsidered and experimented with.”

Hard to imagine, but the result is really stunning. Let’s take as an example the small series of jersey t-shirts called The Digital Portraits formed by three t-shirts in personalized 3D. At first sight it looks like a confused entanglement of edges and triangles but in reality it is a lot more. They were created ad hoc to the personality of the buyer. They’re unique. Three bodies were digitally scanned in 3D. From that file is created a twin that is “manipulated” based on the purchaser of the t-shirt. The 3D scan will be later on transformed into a 2D model using a function also utilized when making the paper pattern. The fabric and the inside interface, that defines the edges, are cut with laser. Using jersey as a fabric, the perceived complexity of the garment is reduced to a more accessible level.

The Digital Portrait t-shirts are a part of the “Non Basic” section of the brand. Talking about the more essential garments, the project 1/10 Edition is quite interesting, in which, starting from the basic model of a t-shirt, is generated, through 3D reconstruction, a series of infinite patterns. Each t-shirt is different than the other thanks to the stitchings that run free through the entire surface of the fabric. Each stitching – except for the ones on the shoulders and sides – can be changed without loosing the fitting of the garment.

The pictures talk for themselves. Three t-shirts, three sculptures. “Our ultimate mission is to lift the hurdle between possible and impossible and redefine the aesthetics of all things jersey”. When technology and fashion meet the results are always incredible.

http://the-t-shirt-issue.com/

There is simplicity and deep research of abstraction that accompanies this collection. The predominant colors are white, dark green and black: that’s it. The lines are straight and every piece is in harmony with the others. Geometric forms like circle and straight rectangle characterize a simple dress or a simple shirt; the game made by transparency, comes in a tidy way, enriching the cloth and mingling in it.

Balance is the rule. Like the green dress, simple till the bust and then, suddenly, changes with the unexpected skirt, long in the back and short in the front, behind is lightly flared while front is straight. Or like the white dress with a sort of hood that stops almost in the middle of the head, defining the shape of the face. Classic forms quite close to menswear for extreme simplicity lines, they are however far from a masculine common idea.

For past days, for presents and also for futures, these clothes seem to be from another planet. Here the web site www.jsleelondon.com

Dopo più di dieci anni di ricerca personale come jewels designer alla fine del 2007, ha aperto il suo primo negozio a Lima. Il suo lavoro è fortemente influenzato dall’architettura e dal design degli anni ’30 e ’50, così come dal lavoro di grandi architetti e designer quali Mies Van der Rohe, Marc Newson e Zaha Zahid.

La ricerca nei gioielli di Gonzalo si evidenzia nel mixare con equilibrio arte e moda e nell’attenzione particolare alle forme, al contrasto di luci e ombre e ai meteriali. Anelli, orecchini, collane e bracciali tutti rigorosamente ispirati a forme “design” minimali e geometriche, dove l’eccesso non è minimamente contemplato.

Le creazioni del designer sono piccoli modelli di “architettura del gioiello”, resi facilmente portabili da un forte senso dell’estetica e della leggerezza. In Europa è possibile acquistare i gioielli di Gonzalo,a Parigi presso 3B oppure da Une Autre Image.

www.gonzalopalma.com

Coming from different backgrounds, the three designers found an ideal style that brought them to develop a simple line of clothes, so far from the contemporary fashionisms. BÊTE NOIRE, in fact, is not characterized by  ”fashionable” pieces but by quality garments made with care to achieve a timeless and stylistic perfection.

Maximilien Brunon answers to our questions and explains: “BÊTE NOIRE was created to satisfy those who want to wear an item forever and maybe choose the same one in different fabrics and shades of colour”.
With the desire to set up a continuing line and to add classic styles in each new collection, the designers create an high quality, limited product, wearable but away from the mass productions, and present only one collection per year, as a capsule. To support their work, they collaborate with different companies as textile design, clothing and leather accessories consultants. This allows BÊTE NOIRE to grow up without the help of large investments.

The mens’ ad womens’ 2012 collection follows the philosophy of the brand. Each garment is made with care, thought in its traditional form but modelled with modern silhouettes and enriched in details. BÊTE NOIRE seeks the archetype and studies it in particulars, fabric and colour. The focus is on the creation and the development of tailored chino pants, uniform jackets and classic shirts with traditional detachable collar. The selected colours go from beige and brown, to red, blue and green. Skirts and pants are made with the prestigious English twill and waxed cotton, while shirts are made with austrian cotton; the leather used for the accessories is kept the most natural as possible, so get a unique vintage look over the time.

Traditional clothes are revisited with timeless taste, tailored for those who love and appreciate the hand-made manufacturing and not consider them just “wearable art”.
“We don’t  see fashion as art” – Maximilien adds – “you can find it in museums and it isn’t part of our creative process. Our clothes can just be a medium through which reflect it”. Following this idea, Brunon worked on an installation entitled FOSSIL, inspired by the fashion world. Through a process of mineralization, Brunon has tranformed a shirt and a pair of shoes into objects of porcelain,  to emphasize the complexity of manufacturing process and underline the fashion industry usual method of copying and suggesting always the same styles. Maximilien Brunon says: “Minerals will last forever, or at least much more than contemporary clothes. They could be found among the ruins, and will represent design pieces that belonged to another age”. Brunon concludes : “We produce classic garments with a contemporary twist that will help you to feel good with yourself”.

BÊTE NOIRE is the tailored comfortable elegance. Visit the official site www.bete-noire.com and find them in Berlin on 19th and 20th January, at the (CAPSULE) show.

Ma andiamo con ordine. Il Turner Prize è un riconoscimento di livello internazionale istituito nel 1984. Lo scopo, segnalare nello scenario creativo contemporaneo l’artista inglese under-fifty più talentuoso. Onore e gloria per un premio così prestigioso, oltre a 25.000 sterline come incentivo alla carriera.

Il 2011 vede riconosciuto un talento scozzese, a riprova dell’importanza di una città come Glasgow quale incubatore di novità creative. Martin Boyce, classe 1967, è noto per le sue installazioni e per una brillante partecipazione alla Biennale di Venezia nel 2009. Scultura, architettura, design e paesaggio urbano si fondono creando forti commistioni concettuali. Gli elementi utilizzati dall’artista vengono scomposti e riordinati in composizioni architettoniche perfettamente equilibrate. Le atmosfere scultoree create da Boyce sono cariche di riferimenti alla storia del design e accentuate da richiami ipertestuali. La sensazione è quella di una maniacale ricerca di un ordine universale dello spazio.

Boyce si aggiudica il premio grazie alla sua installazione dal titolo “Do Words Have Voice”, esposta alla personale di Zurigo alla Galerie Eva Presenhuber. La scultura ispira la visione di un parco in città, utilizzando un tavolo ruvido e graffiato di Jean Prouvè, alberi metallici e foglie geometriche sospese. La trasposizione poetica presente nelle opere di Boyce rende il giusto spazio alla libera interpretazione della creatività di questo talentuoso artista.

Il progetto nasce nel 2008 dopo la scoperta, durante un viaggio in Sud America, di una scarpa davvero comoda, leggera e che segue la forma del piede proprio come una benda, creata dal designer Joachim. L’idea di questa scarpa è di unire la moda e l’ecologia, senza tralasciare la comodità, tutto in unico prodotto: le Jojo appunto, in parte scarpe e in parte benda. Create interamente in cotone naturale, da aziende che rispettano le norme ambientali, sono disponibili in tre modelli a seconda del gusto personale, senza distinzioni tra uomo e donna: Basic, Plain e Pop.

Il vero think different del marchio nasce, però, con la spedizione del prodotto. Mat e Chris sostengono che la cosa migliore per un marchio emergente sia avere uno shop online, ma il problema dello shop online, o meglio delle spedizioni, è il costo elevato. Perché, allora, non trovare un’altra soluzione? Loro lo hanno fatto con i piccioni.

Inutilizzati dai tempi della Seconda Guerra Mondiale, i piccioni viaggiatori tornano in auge grazie al loro esperimento di utilizzarli per ridurre i costi di spedizione ed aiutare il pianeta. Un’idea certo stramba, ma che con il tempo si è trasformata in un’ottima trovata.

La cosa funziona così: si chiede al cliente una foto della città in cui vive, del quartiere, della casa, dei vicini e del cliente stesso. Si fa memorizzare il tutto ai piccioni, perché è dimostrato da alcune ricerche che i piccioni hanno una buona memoria e si orientano grazie ad essa; si prepara il packaging, si lega il tutto al piccione e la spedizione parte. In qualche giorno sarà tutto ricevuto a casa con zero spese, zero inquinamento e il pacco intatto. Altro che pensiero laterale, sono dei veri geni.

Se poi si pensa che la parte ecologica non finisce qui, viene davvero voglia di stringergli la mano. Jojo, infatti, tira fuori sempre il meglio e tra i tanti progetti che porta avanti, c’è anche quello di partner di Tree-Nation e The Water project, due iniziative no-profit che si occupano rispettivamente della lotta al cambiamento climatico e della costruzione di pozzi e sistemi di filtrazione delle acque piovane in Sierra Leone. Entrambe fanno parte del piano di azione delle Nazioni Unite all’interno del Progetto del Millenio, con obiettivi concreti fissati per il 2015. www.jojoproject.com

Per la prima designer, un progetto di laurea presso l’Accademia di Belle Arti di Sarajevo, che diventa una serie handlemade di oggetti unici, con quel quid che va oltre le intuizioni delle scarpe d’alta moda, la bianca maestosità della forma architettonica a portata di piede, che calzi il numero 36.

L’ispirazione che arriva dal confine tra Russia e Spagna, dall’opera di Naum Gabo e quella di Santiago Calatrava, sfocia così in una collezione a tutti gli effetti, composta da dieci elementi che seguono tre distinti approcci progettuali: Linear constructions, Architectural shoe e Wings/variations, poiché, come precisa la Petrovic: “Sono anzitutto oggetti d’arte e la loro funzione è secondaria”.

Bando dunque al comfort, e spazio alla geometria pura di linee, architetture ed ali, con particolare attenzione per tacchi e suole, veri e propri elementi portanti di tutta la scarpa, che ne determinano la forma finale. A completare il tutto, su www.teapetrovic.wordpress.com, la predilezione per i cavi di metallo in unaprospettiva di leggerezza, trasparenza ed al tempo stesso complessità.

Ed ecco quindi il nero, per la seconda designer, sempre da un’Accademia di Belle Arti, ma stavolta francese, in una collezione che si compone di una struttura organica dai connotati evidentemente feticisti, soprattutto per quel che riguarda l’abbinamento con accessori tribali. Questo processo di integrazione con il corpo, evidente su www.aoikotsuhiroi.com, si completa per Aoi attraverso lo studio del Kinbaku, pratica giapponese di rope bondage.

Mutuata in parte dall’affermazione del fotografo Nobuyoshi Araki: “Lego solamente il corpo di una donna perché non posso legare il suo cuore”, non consiste perciò in una sottomissione, ma al contrario è pura esaltazione artistica del soggetto, quasi alla pari di una composizione floreale. Così sete infeltrite o addirittura capelli umani intrecciati in passamanerie si accostano a tacchi di resistente corno lucidato di tutto punto e dettagli in pelle di bufalo, su una suola di legno laccato di ciliegio.

In conclusione, il bianco non prevale sul nero e viceversa, la scelta finale è davvero ardua: perché allora non posizionare nell’armadio un esemplare di ciascuna?

Questo è il mondo studiato da Poliform Varenna, realtà industriale italiana tra le più significative del settore dell’arredamento internazionale, che sceglie di imboccare una direzione differente, spingendosi oltre alla comunicazione d’impatto, senza luci al neon e colori fluo.

Si tratta di un vero e proprio trailer cinematografico, a cui potrebbe seguire un sold out da platea. Realizzato e diretto dal regista Leone Balduzzi, già premiato con Citroën al Grand Prix di Pubblicità Italia, lo spot muta forma e diventa film. Evidenti richiami a pellicole quali A single man, mostrano la cura nel dettaglio per raccontare una storia che emoziona. La frontiera del fashion film è già stata abbattuta, ora è tempo per l’arredamento di diventare protagonista di racconti in fotogrammi. My Life, come dice già il titolo, è una celebrate home story, dove si consuma una vita intensa fatta di verità e suggestioni in cui trovare rifugio. La casa come nido in cui crescere e confrontarsi, è qui perfettamente descritta.

L’ambiente che ci circonda influenza le nostre scelte, così come la casa che abitiamo rispecchia noi stessi. Poliform è testimone di una metamorfosi globale, che vede gli arredi come estensione del nostro corpo. Personalissimi, ricercati, atti a ricreare un universo domestico estremamente funzionale. Lo stile che arreda non deve restare in disparte, ma partecipare ai mutamenti di chi ne usufruisce, solo così riuscirà ad essere complice e spettatore in un equilibrio perfetto.

Ma facciamo un passo indietro. L’idea di fondare il magazine venne al giornalista canadese Tyler Brûlé, con la collaborazione del CEO di aheadmedia Alexander Geringer. Come in tutte le cose vincenti, o almeno così vuole la leggenda, il portone Wallpaper* si aprì dopo che Brûlé fu costretto a chiudere la porta di giornalista freelance. Inviato a Kabul dal tedesco Focus per seguire la guerra in Afghanistan, nel 1994 rimase ferito da un colpo di arma da fuoco che gli costò una lunga degenza in ospedale e la parziale perdita dell’uso del braccio sinistro. Proprio durante il riposo forzato si rese conto che molte delle riviste che lo interessavano non avevano mordente, mancavano di freschezza, erano un elenco di cose spesso già vecchie prima ancora di essere stampate. Da qui l’idea di smetterla di correre rischi come inviato di guerra e di farsi invece imprenditore editoriale, provando a mettere a frutto la sua passione per la carta stampata con un magazine che — nelle sue stesse parole — “gli ridesse voglia di vivere ogni momento” dopo lo scampato pericolo.
Detto, fatto. Nel settembre del 1996 Wallpaper* fa il suo debutto (all’epoca come bimestrale) nelle edicole di tutto il mondo, con Brûlé al timone come fondatore-direttore-editore. Con la base a Londra e i corrispondenti da tutti i paesi del mondo che contano, il respiro del magazine è da subito poco locale: la londinesità si sente appena, l’obiettivo è quello di servire un bacino di lettori il più ampio possibile, di fare insomma un magazine che sia realmente internazionale nel mare magnum delle pubblicazioni sedicenti tali. Il target individuato è quello dell’uomo-donna globalizzati, abituati a transitare di aeroporto in aeroporto (e di hotel in hotel), addetti ai lavori ma non troppo (le annate del magazine non stanno solo sugli scaffali degli studi di architetti e designer), curiosi di conoscere tutte le cose che li circondano (ecco lo slogan), dal tenore di vita medio-alto e, cosa che serve sempre quando devi piazzare degli spazi pubblicitari, ai quali piace spendere. Una globalizzazione positiva, quella incarnata da Wallpaper*: vi presentiamo tutto ciò che conta nel mondo, perché sappiamo che volete una visuale la più ampia possibile.
In molti, soprattutto tra i più critici, la considerano un’onda lunga degli anni ’80. Ma laddove l’apparire era fine a se stesso e veicolato dagli status symbol, qui la consapevolezza, la cognizione di causa e il gusto sono molto più importanti.
Il risultato è un successo enorme, che nel 2000 porta il fondatore-editore-direttore a vendere tutto, per la cifra record di un milione di sterline, alla IPC (divisione editoriale della Time Warner). Brûlé rimane in sella come direttore editoriale, ma di lì a poco si scontra con i nuovi proprietari e leva le tende, portandosi via una certa reputazione nel frattempo consolidatasi e una risoluzione del contratto con la IPC che prevede una clausola di non competizione per due anni e mezzo. Tempo che impiega per realizzarsi come creativo alla guida dell’agenzia Wink Media/Winkcreative (nata come spin-off dello stesso W*), prima di ripetere un mezzo miracolo editoriale con un altro colosso dell’informazione ultra-patinata: il mensile Monocle, fondato nel 2007 e descritto da Harry Forestell della CBS come un «incrocio tra Foreign Affairs e Vanity Fair».
Chiusa l’era Brûlé, tocca a Jeremy Langmead prendere la guida del magazine nel 2004 e  festeggiare il decennale nel 2006, giusto un attimo prima di essere chiamato per il rilancio di Esquire. Dal 2007 il direttore è Tony Chambers, giornalista autodefinitosi «visuale», già direttore creativo della testata e con un passato nel Sunday Times Magazine (come critico d’arte) e come direttore artistico dell’edizione inglese di GQ.

Wallpaper* nel frattempo consolida la sua posizione come punto di riferimento del design, della cultura e del lifestyle, continua a crescere in termini di vendite (la sua diffusione è attualmente attestata, secondo dati della ABC riportati da Mediaweek, in 108.250 copie, con una crescita annuale di circa il 3%) e dà il via ad una serie di iniziative collaterali come l’applicazione per iPhone, le guide turistiche (in collaborazione con la casa editrice Phaidon) e la nuova edizione per iPad. La raccolta pubblicitaria è ottima e in linea con i contenuti, nonostante un piccolo incidente di percorso nel 2005 quando, in seguito ad un articolo sul Sud Africa del giornalista sudafricano (ma di lingua inglese) Bronwyn Davies, la lingua degli Afrikaner era stata descritta come una delle «più cattive al mondo». La cosa causò l’arrabbiatura del sudafricano Johann Rupert, fondatore della svizzera Richemond, che rifiutò per un lungo periodo di inserire nel magazine pubblicità di marchi come Cartier, Mont Blanc e Dunhill. Ma questo strano embargo pubblicitario fa ormai parte del passato, tanto che l’edizione iPad del numero 150 contiene esclusivamente pubblicità della stessa Dunhill.
Il sito internet (creato solo nel 2004, stranamente in ritardo sui tempi che corrono) ha il ruolo di essere una vetrina di ciò che contiene la rivista cartacea, di mostrare contenuti esclusivi (gallerie di immagini e videoclip prodotti in esclusiva) ed è anche un ottimo mezzo per raccogliere ulteriore pubblicità. Anche l’asterisco nella testata, icona frutto di un’intelligente operazione per brandizzare il prodotto, nel frattempo si è evoluto, includendo tra le sue gambe la freccia di un mouse; un sicuro segno dei tempi, ma anche una rappresentazione della perfetta complementarietà tra il vecchio mezzo e le nuove tecnologie (nota a margine: il futuro preferito anche dallo scrivente).
Fino ad arrivare a giorni più recenti, quando l’esclusività del prodotto da un anno a questa parte ha aggiunto un altro tassello: quello del numero fatto a mano, la handmade issue. Lanciato per la prima volta nell’agosto del 2010 e giunto quest’anno alla seconda edizione, è un numero speciale che include al suo interno tutto ciò che designer, stilisti, architetti, artisti e produttori in genere creano appositamente (e in edizione ultralimitate, se non addirittura non commercializzate) per la rivista e per i suoi lettori. L’handmade issue rappresenta un po’ la sintesi della presentazione di questi prodotti, che anche quest’anno Wallpaper* ha organizzato a Milano, nello showroom di Brioni, durante il Salone del Mobile. Particolarità di questa edizione è la possibilità, per gli abbonati, di disegnare la propria copertina e di vedersi recapitare a casa una copia con la cover personalizzata. Un modo non solo per far testare al lettore la sua creatività, ma anche per fidelizzarlo ulteriormente e regalargli qualcosa di davvero unico. Poco importa che, sfogliando la galleria di immagini inviate sul sito, si intuisca subito la differenza tra chi ci prova e chi sa il fatto suo, tra chi ci ha messo due minuti pasticciando banalmente con il mouse e chi ha cercato, pur con i non esattamente entusiasmanti mezzi a disposizione, di studiare graficamente la cosa.
L’operazione della cover personalizzata si è ripetuta anche per il numero attualmente in edicola, quello celebrativo dei primi 15 anni (lo slogan, molto immodestamente, è: «Famous for 15 years»): in questo caso gli abbonati hanno avuto la possibilità di farsi stampare quella che, tra le 149 precedenti, era la loro copertina preferita.
Non solo: l’ampia readership ha anche potuto indicare, tramite Twitter (un mezzo molto sfruttato e tra le diavolerie web quella che Wallpaper* utilizza maggiormente), tre nomi tra i designer, architetti, fashionist in genere più influenti degli ultimi tre lustri. Nello scorrere i 150 finalisti non ci sono in verità grandi sorprese: da Jonathan Ive a Zaha Hadid, da Konstantin Grcic a David Beckham, da Tom Ford a Olafur Eliasson, le facce sono quelle che tutti qui a Enquire conosciamo bene. Ma è innegabile che siano gli uomini che, negli ambiti di Wallpaper*, hanno realmente rivoluzionato il nostro modo di vivere. Nessuna sorpresa nemmeno nello scoprire che, tra le cose meno apprezzate, ci sono i voli Ryanair: i maligni in questo caso aggiungerebbero anche l’epiteto “snob” nel descrivere la rivista e i suoi lettori. Certo, se è snob lamentarsi per la fatica di infilare tutto in quel piccolo trolley.

Qualità e attenzione si fondono e danno vita ad un’esplosione di design in cui il nero risulta il colore predominante. Caratteristica fondamentale della nuova collezione aw 2011 è il continuo gioco tra trasparenza e copertura che conferisce mistero e fascino a questi capi dalle linee abbastanza basiche.

Costume Dept. descrive una donna forte, fiera del suo corpo e non spaventata nel mostrarlo al mondo. Il nero mantiene la sua usuale eleganza, mentre un’essenza provocante cresce dalla fine della lunga gonna fino ad arrivare alla camicia e al “casto” dolcevita.

Le forme del corpo femminile vengono descritte con uno stile unico in cui vince un continuo contrasto tra il corto con il lungo, l’aderente con l’ampio e il nero con il bianco.

Uno dei pezzi fondamentali, sul quale i designer hanno effettuato una forte ed ampia ricerca sono i pantaloni. Una vasta scelta di leggings viene proposta dal marchio americano che gioca non il nero, il color carne e ovviamente con il tulle trasparente grazie al quale vengono realizzati motivi davvero interessanti. Perlopiù stretti e a vita alta, da una parte sono collegati ad altri capi grazie a vari rimandi stilistici mentre dall’altra raccontano storie diverse, come i metallic panel leggins che ricordano i pantaloni da equitazione.

Anche sugli abiti c’è una vasta scelta e si parte da quelli più da giorno, rigorosamente maxi sui toni del rosso, verde oliva, blu e marrone per giungere alle trasparenze più serali, alle sovrapposizioni e all’essenziale abitino nero con maniche corte trasparenti e una linea ampia.

Il brand offre diverse opportunità per vestire fiere ed eleganti, date un’occhiata al sito per ulteriori info www.costumedept.com

Cosa sono? Rispettivamente, una collana ed una sciarpa. Fin qui nulla di sconvolgente, considerando il fatto che, nonostante l’appropinquarsi della stagione fredda, la bigiotteria non viene certo chiusa nel cassetto. Figuriamoci poi la sciarpa, vezzo e “attrezzo” più che mai irrinunciabile. La loro particolarità è racchiusa in soli tre aggettivi: wearable, modular, reconfigurable.

Ma andiamo con ordine. Gli FE Wearables sono pezzi d’arte indossabili, creati con feltro e canvas di cotone o lana dal designer indipendente newyorkese Noah Waxman, sono un artista e designer che vive e lavora a New York City. Mi sono appena diplomato al Master della NYU’S in tecnologie interattive. Mi piace moltissimo la grana del legno, gli spazi rigidi e gli invisibili sensori elettronici

Un’idea vincente nata per caso, durante la preparazione di un progetto universitario di elettronica, cucendo dei magneti all’interno di un pezzo di stoffa di un vecchio tailleur, cui segue uno studio sulla tipologia dei tessuti e sul design specifico di alcuni modelli, finchè il concept si fa più chiaro.

Nascono così ufficialmente Trestle e Billow, la cui modularità e soprattutto riconfigurabilità continua delle forme geometriche è garantita da una serie di calamite interne ai tessuti, che permettono di architettare, nel vero senso della parola, ogni giorno un nuovo look.

Partito come progetto pilota qualche mese fa, sulle pagine del “Noah Blog” www.blog.noahwaxman.info, FE Wearables viene lanciato dal sito www.kickstarter.com, che lo fa conoscere agli utenti mediante video e fotografie e qualitativamente migliorato attraverso la collaborazione con un negozio di vestiti di Manhattan.

Noah Waxman ha così vinto la sua personale sfida, grazie ai voti ottenuti e soprattutto agli utenti finanziatori, che con l’acquisto di Trestle e Billow (per rispettivamente 65$ e 155$, nella versione base, ed un listino prezzi variabile in base alle personalizzazioni), hanno supportato una prima consistente parte di produzione, in vendita dal prossimo ottobre, su tanto di sito e-commerce appositamente predisposto www.fe-wearables.com.

Un esempio è la pratica “busta antifurto” per panini. Se dall’esterno sembra rendere il prelibato sandwich attaccato da muffa, in realtà ne previene il furto scoraggiando qualche collega d’ufficio con cattive intenzioni. Le casse altoparlanti, oggetto ormai divenuto essenziale per chi ama ascoltare musica direttamente dal lettore mp3, vengono portate all’estremo sia attraverso il nome “Speak-er” ma anche attraverso la forma, che riprende chiaramente la “nuvoletta” squadrata dei fumetti.

The. guarda anche alla moda ideando t-shirt dalla linea sobria e pulita, che escono dall’anonimato grazie all’attenzione dedicata a piccoli dettagli. Le par aviont-shirt sono orlate con i tipici colori della corrispondenza aerea e le waistline t-shirts, rivolte a coloro che conducono una vita sedentaria e pigra e che vogliono rimettersi in forma, permette di controllare periodicamente il proprio peso grazie al pratico metro da sarta stampato nella parte finale della maglietta.

Altrettanto interessante è anche la rivisitazione che The. apporta al classico papillon, ora non più un accessorio costituito dal semplice lembo di stoffa annodato intorno al collo, ma da veri e propri occhiali da sole, con tanto di montatura e lenti, intercambiabili a seconda delle occasioni e della personalità di chi li indossa.
Le creazioni realizzate dal brand The. hanno un costo volutamente contenuto e sono quindi alla portata di tutti. Infatti, la maggior parte dei costi di produzione degli oggetti sono frutto di auto-finanziamenti.

È importante sottolineare come una parte dei guadagni percepiti dalla vendita dei prodotti venga ceduta ad organizzazioni umanitarie e per l’ambiente che costituiscono, per Sherwood e Mihoko, la miglior gratificazione possibile e una fonte inesauribile di nuove idee.
Per tutte le informazioni, o anche solo per dare un’occhiata alle proposte del marchio visitare www.thinkofthe.com.

Il progetto, curato dai designers Anne Hilken e Christian Kurt attira rapidamente l’attenzione dei creativi, conquistandoli già nella stagione ss2007 e dando il via all’ormai abituale partecipazione alle FashionWeek di Berlino, Parigi e Tokyo.

Le grafiche sono realizzate manualmente, i colori naturalistici, i materiali ecologici, la manifattura locale e l’unicità di ogni pezzo rendono ANNTIAN un prodotto complesso, intenso e di qualità, ricco di dettagli ed estro, che trova la sua massima espressione nel gioco di geometrie asimmetriche.

Nella collezione uomo ANNTIAN ss2011 si accostano righe pastello a fantasie etniche color nero, lime e rosso, stampate su tessuti organici nei toni naturali del beige, kakhi, marrone e indaco. I tagli complessi e le diverse fantasie mixate tra loro creano strutture stilistiche disimpegnatamente importanti, i blazer a manica corta, con revers a taglio vivo e abbottonature casuali. I pantaloni morbidi e sportivi dal taglio irregolare si accostano a quelli classici, caratterizzati da textures estemporanee. I cardigan in maglia sono ampi, imperfetti e sfumati nei colori.

Non mancano gli accessori. I foulard in morbida seta sono stampati in digitale con illustrazioni geometriche che ricordano la sintesi creativa africana. Le borse in cotone stampato e con applicazioni in finto oro sono simili a sacche e zaini anni ’90. A mano o sulle spalle, si deformano creando nuove forme.

ANNTIAN realizza anche scarpe in vera pelle e sceglie semplici flats unisex alte alla caviglia per l’estate 2011. Due le versioni, pelle bianca o scamosciata con applicazioni di tessuto a colori o pelle lavorata a fori triangolari in bianco, nero e camoscio naturale.

Il duo berlinese ridefinisce l’outfit e con i suoi preziosi dettagli diventa, prima sartorialità contemporanea, e poi streetwear affine al minimalismo ricercato che ha reso il design scandinavo e made in Japan un nuovo modo di concepire l’essenza moderna dello stile.

I suoi capi potranno non incontrare molti consensi in campo commerciale ma è indubbio l’alto tasso di avanguardia presente nelle sue opere. Sì, le chiamiamo opere. Perché si va oltre “l’abbigliamento”. S’indaga, si sperimenta per comunicare. Gli spunti sono i più diversi. Dalle fiabe, al mondo acquatico, dal barocco reso minimale ai mondi androgini e high-tech di un film fantascientifico del 1982.

Ogni collezione realizzata utilizza gli spunti concettuali come base per fondere materiali, lavorarli, decontestualizzarli e modificarli. Alba interviene sulla struttura interna del tessuto. Lo vediamo nella collezione chiamata DIGITALIZED in cui il tessuto è caratterizzato da un pattern cubico a basso rilievo. Le linee minimali e i colori candidi danno risalto a questa lavorazione che contribuisce a creare un’immagine androgina e super tecnologica. Il neoprene diviene argilla nelle sue mani per raccontare un mondo subacqueo fatto di mutazioni e di meccanismi di difesa, contaminato e rovinato dall’industrializzazione.

SYNTHETIC OCEANS, questo il nome della collezione, crea strutture tridimensionali e taglia il neoprene con il laser trasformando la superficie liscia tipica di questo materiale in un pattern fitto come squame.
Accosta e fonde pelliccia vera e finta come se unisse due nemici all’interno della stessa storia, come avviene nelle fiabe. Utilizza in simbiosi latex ed organza in esagerate forme tridimensionali totalmente bianche, come immensi colli a gorgiera.Una scultrice del tessuto. Forme, volumi e materiali diventano altro nelle sue mani. Una designer che unisce cultura tecnica ed estetica per mostrarci cos’altro si può fare con la moda.

http://albaprat.com/

La donna, creatura super complicata e contradditoria,  per esprimersi ha bisogno di un marchio che rappressenta i suoi innumerevoli mondi. United Nude è il brand adatto allo scopo. Fondato dallo architetto Rem D Koolhaas e Galahad Clark, artigiano di calzature con una grande tradizione familiare alle spalle.  Il concetto base del marchio è concepire la scarpa come vera forma d’arte, dove design e architettura s’incontrano con l’obiettivo di creare e re-interpretare forme concettuali e archetipi del mondo classico.

Per la stagione ss 2011, il marchio inglese ha ideato una ricchissima linea di scarpe dallo stile contemporaneo e accattivante. Un mix and match di street art e arte classica con rimandi ai graffiti, al mondo digitale e alle sculture elleniche. Ogni modello proposto ha diverse varianti cromatiche e in diverse altezze. Si parte dal tacco alto per finire al rasoterra, ideale per soddisfare i gusti e le esigenze di tutte. Lea linea Möbius è tra le più classiche e lineari, caratterizzata da un design semplice ma ricercato. Le Eamz sono hanno un tacco fatto a gancio che crea un effetto ottico molto curioso e un’immagine eccentrica e futuristica.

Loop è fatta da sandali che fasciano il piede, dove anche in questo caso troviamo un insolito modo di concepire il tacco. Ruby Beep Toe e Rock Ballet sono invece linee fatte solo ed esclusivamente da ballerine, anche qui troviamo tanti bei colori vivaci e uno stile minimale.

Block è composta da diverse linee di caratterizzate da un tacco che sembra slittare autonomamente dal resto della scarpa. Stealth è costituita da varie linee con zeppe vertiginose e vivaci che fasciano il piede.

Le linee Cup giocano tutto sui contrasti tonali, dove ogni modello viene proposto in due o più colori in forte contrasto crando disegni geometrici definiti. Cosmo e Frame sono scarpe sandalo dal design scultoreo con tacco vertiginoso, dove incroci e intrecci lineari definiscono lo stile di questi modelli.

Fold è una linea di stivaletti bassi che richiamano molto gli anni ’80 nel design. Elastic Sandals è fatta di sandali rasoterra e altri con tacco a fasciature elasticizzate. Elastic Peep è la versione elasticizzata di scarpe più classiche nel design ma sempre con una cura cromatica molto definita.

Graffiti è una linea di scarpe con tacco ispirata proprio all’omonima forma d’arte e allo street style, mentre Lo Res è fatta da modelli con cinturino e tacco che sembrano essere usciti da un videogioco del passato.

Mono racchiude linee di zeppe e ballerine dal design essenziale con una proposta di colori sgargianti e fluo, mentre Coral è fatta di ballerine con particolari aperture ai lati che svelano parte del piede. Infine abbiamo Label Shoes, una linea di scarpe con tacco decorata con insolite scritte e applicazioni. United Nude si interessa anche del mondo maschile aggiungendo una nuova linea chiamata Hollow, una  combinazione  di  eleganza e  ultra modernità reda  grazie all’ uso della fibra di carbonio nella struttura della calzatura.

Come avete notato la lista è lunghissima e i modelli sono davvero tanti ma il lavoro dei due designer non finisce qui. Recentemente il duo di United Nude ha collaborato con un’artista del fashion system, Iris Van Herpen, realizzando per la stilista le calzature dell’ultima collezione estiva 2011. In passato hanno invece unito le forze con Antoine Peters e K-SWISS. Architettura e calzatura un binomio sempre eccellente.

Da lì il passo è breve; la designer si convince a creare una linea di abiti e nasce Babbu, brand fresco e contemporaneo che riscuote grandi successi anche in paesi come Inghilterra, Giappone, Francia, notoriamente pieni di talenti emergenti.
Per la collezione primavera estate 2011, Babbu presenta una collezione particolarmente originale, soprattutto nel concept.
Il nome della collezione, Modern Mermaids, è stato scelto dalla designer per legare la sua collezione ad un concetto in particolare, quello della donna sirena dei tempi moderni, che si ritrova a soffrire e combattere, a causa dei disastri e delle incurie ambientali che l’essere umano provoca.

È un concetto interessante, etereo, ma profondamente concreto.
La moda è intrinsecamente un mezzo di comunicazione non verbale anche tra i più potenti, e viene spesso utilizzata come media.
L’idea di mandare un messaggio specifico tramite una collezione è interessante e lodevole, soprattutto per la capacità di veicolare tale messaggio in semplicità e in totale armonia con le creazioni in sé.
Gli abiti della collezione infatti, in perfetta sintonia con il concept, presentano decori argentei come squame e disegni che rimandano all’immagine della sirena.
Le linee degli abiti sono piuttosto classiche e vagamente retrò, l’utilizzo della gonna a semiruota e di fiocchi da legare sulla schiena portano immediatamente ad un’immagine di donna bambina, di una moda romantica e dal sapore di leggerezza.

Gli abitini a linea dritta con le decorazioni a squama sul décolleté sono il pezzo più interessante della collezione. Linee drittissime, tessuto leggero e taglio a trapezio, il contrasto tra il nero del tessuto e il lunare argento dei decori conferisce a questo abito il fascino tipico delle sirene ammaliatrici, che come lampi di luce notturna accecano e seducono.

I materiali utilizzati da Babbu sono coerenti con la volontà di artigianalità del brand; cotone 100 %, cotone misto a lino, taffetà, jersey ed ecopelle, così come le linee delle collezioni sono coerenti con la volontà della designer di una moda disgiunta dalle tendenze.
Per il lookbook completo della collezione e per dare un’occhiata anche alle collezioni precedenti di Babbu, andate sul sito www.babbu.it

In questo straordinario scenario risplende di luce propria lo stile imbattibile di Octavio Pizarro. Il designer è nato in  Cile,  dove ha studiato arti applicate ottenendo una laurea in fashion design e produzione.
Nel 1996 ha iniziato la sua carriera nella moda come assistente nello studio creativo di Jean Louis Scherrer, e solo un anno dopo è diventato direttore creativo di Jacques Fath dove, per oltre 5 anni, ha progettato prêt-à-porter nella casa di moda parigina. Il 2005  e’ stato l’ anno in cui il giovane designer ha visto il lancio della propria collezione. Un banco di prova in cui le sue radici sudamericane si sono mescolate al lusso francese.

Le sue collezioni sono composte principalmente da sciarpe, stole, ponchos e maglieria di raffinato alpaca o lana merino. L’alpaca è un animale che vive negli altopiani delle Ande, in Sud America, la sua lana è liscia e di un peso estremamente leggero. Il manto dell’Alpaca può essere lavorato solo seguendo le tradizioni dei grandi artigiani cileni.
Alpaca, quindi, sete, garze, cuoio, cotone, piume e pelliccia si mescolano in una perfetta alchimia con tecniche come uncinetto e macramè. Indumenti-accessori che ricoprono e possono essere indossati  con abiti da sera o con abbigliamento da giorno, con la stessa facilità. La modernità delle linee e dei colori: dal forte nero al marrone, beige, bianco e rosso creano un sofisticato mix.

Capi che ci riportano alla mente le donne affascinanti e misteriose del caldo sud-america www.octaviopizarro.com

La giovane designer è tendenzialmente ispirata da realtà scientifiche che si diverte a decontestualizzare rendendole una sorta di metafora delle sue personali esperienze. La collezione di cui si parla, è stata ispirata dal processo di elettroforesi, studiato quando era alle scuole superiori. Drew ammette di essere stata colpita dal gel di agarosio, descrivendolo in maniera umoristica: “Il processo del DNA e le tecnologie in crescita per manipolarlo, mi hanno fatta riflettere sul modo in cui la società evolverà nel tempo e questo pensiero ha portato alla memoria il libro di Aldous Huxley “Brave New World”. È interessante il fatto che non è impossibile, dopo tutto, pensare alla fine del mondo come qualcosa di così sterile e ingegnerizzato”.

Questo tipo d’ispirazione che può essere considerata strana, è evidente nelle linee e soprattutto nei materiali utilizzati: “Ho utilizzato del silicone per rivestire la maglieria alterando così i colori rendendoli più saturi. Ho utilizzato delle lievi differenze nella saturazione per creare un’illuminazione più profonda o, quanto meno, un’illusione di essa. Per quanto riguarda il “cubo gilet”, ho modellato del silicone liscio in quadrati i quali sono stati poi posti in un punto della maglia liscio, questo ha creato una serie di lievi differenze di colore. Ho anche utilizzato dei toni della stessa gamma cromatica con particolare attenzione al corallo e al nudo, una scelta questa che esalta l’intensità dei colori più saturati”.

Guardando questi indumenti si può avere la sensazione di essere sott’acqua, la novità è indubbia. Non è da trascurare l’inconfutabile spirito futuristico dell’opera di questa promessa. La collezione di Drew si rifà però anche al passato. Elementi dell’estetica di un maestro della moda come Rudi Gernerich, che già all’epoca (parliamo degli anni ’50 e ’60 ndr) si contraddistingueva per un approccio marcatamente sperimentale, si trovano a fondersi con processi chimici, silicone e gel.

Esempio perfetto del proverbio impara l’arte e mettila da parte www.drewrwilliams.com