A 17 anni esplode il fenomeno SAMO (Same Old Shit), tag con il quale il giovane artista firma le sue opere sui muri di Manhattan. Basquiat lancia messaggi avvalendosi di questo pseudonimo, grida in faccia alla gente “SAMO as an end to playing art” e diventa il pupillo di quell’Andy Warhol ormai già sulla cresta dell’onda, che gli apre le porte del suo circ(uit)o creativo e lo scaraventa in pasto ai media. I suoi dipinti vengono valutati 900 milioni di dollari, il suo nome resta impresso nei libri di storia dell’arte contemporanea ed a Parigi, al Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, si sta conludendo una retrospettiva, accompagnato dall’uscita di “Basquiat – The Radiant Child”, il primo documentario a lui dedicato, voluto e realizzato da quella che fu la sua ex compagna, Tamara Davis.

[I start a picture and I finish it.
I don't think about art while I work.
I try to think about life]
J.M.Basquiat

Link al sito: www.mam.paris.fr

I suoi collage, realizzati in una media di trenta ore ciascuno e senza l’ausilio di elaborazioni al computer, sono qualcosa di assolutamente eccezionale.
L’artista di Glasgow usa semplicemente carta, colla e forbici.
Molte immagini dello stesso soggetto, recuperate tra riviste e internet, ritagliate e duplicate a seconda della necessità e il gioco è fatto.
Personaggi che assumono le fattezze tipiche delle caricature, espressioni a volte grottesche che lasciano trasparire qualcosa a tratti inquietante, a tratti fiabesco.

Il giusto tipo di colla, un taglierino e una creatività che supera la normale concezione delle cose, completa il quadro.
Qual è dunque la differenza tra un artigiano, o un bottegaio d’altri tempi e un artista contemporaneo come Lola Dupre?
Non esiste la vera arte, esiste le creatività, l’espressione del proprio personale modo di intenderla e la passione che ognuno esercita nel volerla comunicare al mondo.
Il resto non conta.

Il sito personale dell’artista www.loladupre.com

Riassume la Pop Art più immediata, diretta, astratta, concentrando il grande caos della comunicazione moderna. In una parola: Kaws.

Nella sua vita precedente era solito bombardare New York di graffiti dal sapore Old School, sostituire i manifesti pubblicitari installati nelle pensiline degli autobus con decal che non lasciavano indifferenti.
Quale veicolo migliore della pubblicità per imporre il proprio stile. Cavalcare il mostro dell’Advertising, volgendolo a proprio favore.

Il resto è storia.

Il passaggio obbligatorio dalle strade alle gallerie, lo sappiamo bene, è facile per chi conosce il verbo.
Connessioni dirette con esponenti dal nome altisonante come Mr.Pharrell, Mr. Jacobs, Mr.West, Mr.Nigo hanno inevitabilmente fatto da cassa di risonanza per questo giovanotto del New Jersey.

L’evoluzione del suo stile ha acquisito sempre più consistenza, come i colori delle tele: pieni, corposi e dannatamente brillanti. Schiaffi in quadricromia dalle tinte vivaci, acide, pungenti come i poligoni che costruiscono i particolari delle sue composizioni. Acrilici che prendono forma, si accatastano in geometrie astratte fluttuanti. Profondità Pop.

Sponge Bob probabilmente è il personaggio che sopravvive da più tempo nell’immaginario di Kaws.
La sua evoluzione è stata fortissima, sebbene abbia mantenuto gli stessi tratti somatici nel corso della storia.
Dai primissimi dipinti per Pharrel Williams alle ultime tele protagoniste nella mostra Pay the Debt to Nature attualmente in corso alla Galleria Perrotin di Parigi, si può notare la rivisitazione del cartoon attraverso il pennello dell’artista.

Il Companion rimane però il risultato più riuscito. È stato ritratto in ogni veste: in legno, ad altezza umana, con parti anatomiche fluo, in acciaio cromato, fino alla versione da cinque metri presentata all’ingresso dell’ultima personale di Hong Kong.

Perché Kaws è la causa e l’effetto di un cerchio comunicativo completo www.kawsone.com

Oppure mostrano un sovrapporsi di particolari ed oggetti, che spesso si trovano uniti senza un vero e proprio legame logico (o senza che questo legame sia visibile).

Una delle caratteristiche più interessanti del suo stile è l’uso del colore, quasi sempre volutamente piatto o leggermente sfumato, che negli sfondi serve come quinta (a volte molto invadente), e nei soggetti ha una funzione espressiva, che ne accentua le espressioni e le caratteristiche interiori. Anche il tratto ha una sua funzione: è nervoso, ripetuto e marcato, e spesso cambia colore da una figura all’altra nella stessa opera.

La somma di queste componenti da alle sue opere un’atmosfera straniata e malaticcia, davvero molto interessante, che però purtroppo a volte risulta inutilmente pesante, fino quasi a distogliere l’attenzione dalla sua capacità narrativa. In ogni caso i suoi lavori meritano di essere osservati, con tutti i limiti, ma anche con le molte qualità.

Il suo sito www.johantheeuwes.net

Anzi, molti dei suoi giocattoli, vivono raccolte in spazi limitati che fanno da cornice all’opera stessa, costringendo l’attenzione di chi le guarda.
Questa sensazione di raccoglimento, dovuta anche alle dimensioni delle opere stesse (mai più grandi di 120 cm), fa sì che l’osservatore debba concentrarsi sui mondi creati dalla Dittmar, o su piccole porzioni di esso, o addirittura su ciò che c’è dentro ai suoi personaggi.

Il suo sito www.corporatepig.com
Il suo Flickr www.flickr.com/photos/mermak

Ciao Gosia! E’ un piacere per noi di Enquire poter chiacchierare con te.
Ci piacciono moltissimo le tue opere. La prima domanda che vorremmo farti è: come hai iniziato?

Ciao, ciao!
Beh, ho cominciato a dipingere quando ero molto piccola (forse avevo due o tre anni). Io e mio fratello maggiore abbiamo sempre avuto un sacco di matite colorate, colori a tempera in tubetto e cose simili. Avevamo anche un blocco da disegno speciale, che ci aveva fatto nostro padre. Ero una bambina molto romantica e sognavo di diventare un’artista.
Quando sono cresciuta ho frequentato una scuola secondaria d’arte a Wroclaw.
E adesso studio Storia dell’Arte, all’Università di Wroclaw, e dipingo e disegno ancora e ancora.

Tu realizzi illustrazioni, video, e sappiamo che ti diverti moltissimo come fotografa. Come descriveresti il tuo lavoro?

Sono una persona iperattiva, e la mia immaginazione è molto vivace.
Quando non posso lavorare sono disperata. L’arte è sempre stata un salvagente per me. E continuo a cercare i mezzi migliori per esprimermi (i migliori per me e per le mie emozioni). Per esempio a volte le immagini ferme sono insufficienti, ed è per questo che realizzo anche video.
Agisco d’impulso: “Uno, due, tre: via!” ed improvvisamente qualcosa di buffo, o di triste, o di drammatico viene alla luce.
Amo l’illustrazione. Sono cresciuta in mezzo a bellissimi libri per bambini, illustrati dai più grandi illustratori polacchi, come Jan Marcin Szancer, Kazimierz Mikulski, Janusz Stanny, Bohdan Butenko, Olga Siemaszko.
Le illustrazioni che realizzo ora sono per gli adulti, ma ho in mente di realizzare anche qualcosa per bambini. Magari presto…

Il tuo stile è molto eclettico, ed è un cockatil di diverse forme artistiche. Quali sono gli ingredienti?

Formalmente, dato che la mia tecnica è molto spesso casuale, amo sperimentare. Miscelo disegno tradizionale, pittura e collage, tecniche digitali, fotografia.
Sono una persona fragile, ed il mio stile è come me, mutevole e cangiante.
Mi piacciono i piccoli giochi con l’arte, gli indovinelli, i giochi di parole.

Eppure sei diplomata in gioielleria, una disciplina che lascia poco spazio all’improvvisazione. Questo ha influenzato il tuo lavoro?

Probabilmente sì. E’ un lavoro molto complesso. E per realizzarlo devi essere paziente e precisa. Quando realizzo le mie illustrazioni, ad esempio la serie Blow Up, io alleno la mia pazienza.
Centinaia di linee, di punti, ma è davvero rilassante.
Ed io ho una tendenza all’ horror vacui ed al decorativismo.

La Polonia ha una lunga tradizione artistica, non solo nelle arti figurative tradizionali, ma anche nell’illustrazione pubblicitaria, nell’animazione, nella realizzazione di film artistici. In qualche modo questo ha avuto peso sul tuo lavoro?

Certamente! Soprattutto la scuola polacca di illustratori ed animatori. Abbiamo un sacco di geni!
Per esempio nell’animazione: Jan Lenica, Piotr Dumala, Zbigniew Rybczynski, Julian Jozef Antonisz.
Amo molto anche il cinema polacco d’epoca: Polanski, Has, Kieslowski. Ma in generale sono un’amante del cinema, ed i miei registi preferiti sono Fellini, Bergman, Forman, Bunuel, Linch, Greenaway. Oltre, ovviamente, ai maestri dell’animazione come gli americani Quay Brothers ed il ceco Jan Svankmajer.

Hai un sacco di modelli interessanti. Ma torniamo a parlare di ciò che realizzi tu.
Nelle tue opere sembrerebbe esserci una forte componente simbolica, anche se stemperata da una forte dose di ironia e di sarcasmo. E’ così? Dono davvero elementi importanti del tuo lavoro?

I miei lavori sono me stessa, i miei ricordi, le mie paure, le mie piccole psicosi. Io sono un’osservatrice, solo una spettatrice. Eppure nei miei lavori non voglio essere maligna o ferire nessuno attraverso essi.
Spesso mi prendo gioco di me stessa. Rido di me, del mio mondo, delle mie storie private e nascoste.
A volte non riesco a sentire la connessione, la relazione che c’è tra me e la realtà. Ed io devo descrivere ciò, spiegando la realtà nel mio linguaggio personale e privato.

E questo ci porta ad un’altra considerazione sui tuoi lavori, dove è spesso presente una connessione con la condizione femminile e con la sessualità. Ti andrebbe di spiegarci la ragione di ciò?
Beh… nel più profondo del mio cuore sono come un maschiaccio. Sul serio! La ragione è questa.
Le relazioni tra uomo e donna per me sono strane. Ma non mi va di stupire le persone con ciò che penso.
Le donne sono creature strane. Ok, sono una misogina.

Ora qualche domanda a proposito del tuo metodo di lavoro. Quali sono le tue principali fonti di ispirazione?

Sono una voyeur. Cerco l’ispirazione ovunque. In me stessa, nei miei sogni, nella mia famiglia, negli amici, nelle conversazioni con la gente.
Sai, la gente è buffa. Il mondo è molto buffo. Io penso che noi, la gente, l’intero mondo, siamo solo il sogno di un cane. Per esempio di un Pinsher Nano.
Ed io lo disegno!

Parlando sempre del tuo metodo di lavoro… qual è il processo tra una tua semplice idea creativa e la sua realizzazione?
Hmm… conosci questo schema? IDEA, OCCHIO, MANO! Ognuno di questi passaggi è importante. Ed ognuno di essi mi da piacere.

Si, ma potresti dirci qualcosa di più su come avviene la fase di progettazione dei tuoi lavori? E raccontarci quali strumenti usi?
Innanzitutto faccio degli schizzi, ma non sempre. E poi mi tuffo nel lavoro!
A volte uso tecniche digitali, ad esempio lavorando in vettoriale. A volte dipingo con la mia vecchia tavoletta grafica.
Ma i miei mezzi preferiti sono le matite colorate, i pennarelli, i markers, gli acquerelli, i colori ad olio.
E sperimento, sperimento, sperimento!

Quali sono i tuoi progetti per il futuro?
Domanda difficile! Sogno di avere una piccola casa i campagna, ed un Pincher Nano. E sogno di avere un marito e dei figli.
Non so, io voglio dipingere e disegnare per sempre. Per il resto della vita.
In questo momento la mia vita è caotica. Sto cercando un buon lavoro come grafica o illustratrice, ma non è semplice.
Magari dovrei mandare tutto al diavolo ed andarmene ad Honolulu.

Grazie per aver voluto rispondere alle nostre domande. In bocca al lupo per il futuro. Prima di salutarci vorremmo chiederti se hai un consiglio per gli altri creativi.
Grazie a voi.
Bene… un consiglio? Signori e signore. Fate sempre la cosa giusta!

Il sito di Gosia: www.gosiaherba.pl
Il suo Blog: www.gosiaherba.blogspot.com
I suoi video su Vimeo: www.vimeo.com/user4038851

Come molti creativi contemporanei una sua caratteristica è l’eclettismo negli stili, nelle forme e nei linguaggi usati, che mischia foto e collages ad elaborazioni fatte usando la pen tablet.

Le idee che realizza sono spesso fresche e divertenti, e spesso sagaci, come il poster I ♥ LA o la Evolution of the Muff Tote Bag.

Altri suoi lavori sono caratterizzati da una semplice dolcezza (vedi i posters e le cards, stampate a mano su carta riciclata).
Ci piace molto perchè (come molti degli artisti che Enquire vi ha presentato di recente) non ha bisogno di rendere esplicito l’uso che fa dei mezzi tecnologici per essere moderno. Anzi, la sua grandezza è quella di non forzare nulla.

Come giustamente ha detto Stefan Sagmeister (dello studio grafico Sagmeister di New York), la grandezza di Ashkahn è quella di creare cose che gli piacciono, e che per questo piacciono anche agli altri.

Visitate con attenzione il suo sito www.ashkahn.com
Oltre ai suoi lavori troverete delle pagine con le sue fonti di ispirazione, nonché una dove svela un grande segreto…

L’artista ammette che questi capolavori, nascono dalla necessità di sperimentare e relazionare il bidimensionale con il tridimensionale.
Il foglio di carta piatto, vuoto si trasforma in qualcosa di vivo e pieno di significati. Tutto questo avviene con una naturalezza tale, che l’artista parla di magia, il foglio che nelle sue mani si anima, prende forma e si trasforma in qualcosa di sempre nuovo.

Queste sono solo alcune delle opere realizzate da Peter Callesen, ma ovviamente ce ne sono molte altre. Il suo sito personale www.petercallesen.com

Per conoscere meglio Francesco www.myspace.com/dandydamasco

Quello che sorprende è come queste figure siano dipinte e decorate. Sopra le figure dai colori piatti piatto, Livengood aggiunge migliaia di puntini che ricordano l’arte dei nativi americani, in particolare wampum e sewan fatti con frammenti di conchiglie colorate.

Queste macchioline di colore sembrerebbero essere tutte (ognuna) volute e necessarie per placare l’ansia di chiudere gli spazi vuoti, eppure fanno venire in mente anche il surrealismo automatico; ed in effetti un rimando più o meno voluto all’opera di Pollock (che pure era stato influenzato dall’arte degli “Indiani d’America”) la si può vedere nelle macchie di colore presenti in quest’ultima opera.

Il suo profilo su behance.

È il caso di Josh Cochran, che semplifica il contorno delle figure, utilizza colori piatti, lascia bianche alcune parti, usa delle texture per coprirne altre, abbozza e semplifica gli elementi architettonici, e distorce le prospettive, ma che non copia mai.

Il risultato è davvero avanti, così avanti che con le sue illustrazioni apparentemente vintage, Josh Cochran è stato chiamato ad illustrare la metro della modernissima Dubai.

Il sito di Josh www.joshcochran.net

Il sito personale dell’artista www.simonschubert.de

Non sappiamo quanto di vero ci sia in queste notizie. Conosciamo però i suoi lavori www.eljefedesign.com

Un eccellente grafico ed un illustratore, spiritoso e pieno di talento; i suoi lavori sono organici ed armonici, senza essere noiosi, banali (o peggio copiati) o rigidi. Lo si vede nei lavori editoriali dall’impaginazione impeccabile e moderna, così come nelle illustrazioni.

In conclusione, forse non sarà un “genio” secondo i luoghi comuni sull’arte, eppure se si osservano con attenzione i suoi lavori c’è sempre qualcosa da imparare.
Sito Web: www.nebojsacvetkovic.com
Profilo Behance: www.behance.net/ncvetkovic

Le sue illustrazioni e fotografie, pulite e colorate, sono una descrizione completa di attimi di vita, come lei stessa dice.
Rayani si ispira agli stati d’animo della gente che ogni giorno le passa davanti agli occhi, cercando di trasferire poi questo mix di sentimenti umani nella sua arte, in un mondo parallelo, quasi magico.

Solo da poco tempo riesce a definirsi una fotografa, un’ artista (uno dei suo obiettivi è avere maggior fiducia in se stessa).
Potete seguire la sua arte tramite Flickr oppure il suo blog.

La svolta arriva solo dopo qualche anno, lavorando per uno studio di decorazioni d’interni a Desenzano del Garda (suo paese natale) imparando e sperimentando sul campo le tecniche di decorazione, spesso troppo distanti da quelle acquisite sui banchi di scuola.

Affascinato dai lavori realizzati da vari illustratori internazionali per decorare le stanze a tema di un albergo a Copenaghen, decide dopo tre anni di collaborazioni di trasferirsi definitivamente a Verona. Questa volta in maniera indipendente cerca di perseguire un tipo di decorazione moderna che stravolga la concezione classica unendo l’illustrazione alla pittura su muro.

Ancora oggi Luca continua a perseguire il suo progetto, ed è sempre alla ricerca di collaborazione o perchè no anche di un partner. Se volete quindi conoscere più a fondo il suo mondo potete consultare il suo sito www.maiospace.com

Il suo sito personale www.mikestimpson.com

Composizioni che sono piene di creazioni e citazioni tipografiche, queste davvero eccezionali da un punto di vista tecnico, che sarebbero però kitsh (o magari anche banali) se realizzate usando per esempio Photoshop.
Quello che viene fuori da questa contrapposizione rende interessante lo stile di Sumkin, che senza vistosi effetti speciali risulta originale ed anche piacevole, senza essere scontato.

Una bella intervista a Fiodor Sumkin su designtaxi.com
Invece il suo portfolio: www.opera78.com

Il sito personale dell’artista www.daubal.com