Gone are the garage days when you went there to practice with your cover band? If you are at a friends crib and he has a guitar in his living room, of corse you will hold it and you will try to make a couple of chords, just to hear how it sounds. There is a timing for everything, you can look young all you want, but everything at the right time, in the right place.

Makia was born for those that lived their passions up to consume them, up to when the time gave them no more room to take them further like it was at the beginning. All this without leaving the purity of a sensation, without getting dirt on that moment of passion that will last the span of a lifetime.

Makia sees the day of light in Finland, thanks to the vision of Joni Malmi, ex Finnish top level pro snowboarder. Joni realized that years passed, but despite this he wanted to represent his background being coherent with himself and its age. That’s why Makia was born: to seize an opportunity.

Items that reinvent casual classics, cuts and combinations funny without being too much extravagant, functional for the needs of a mature target that knows what it wants but unfortunately didn’t have anybody proposing it before. Or fortunately. For Makia fortune.

After they created a buzz relevant to a European extent and after they put the right adjustments on staff and productions, Makia was therefore ready for the next step. Launched into a climb to success that seemed like it was announced, this brand of clothing and sneakers recently opened in California its own showroom and obtained second place of Transworld Business “Top Action Sports Stories of 2011″.

Their motto “Old but gold” then seems to make sense, especially if paired with names like Peter Line, John Cardiel, Chris Dufficy, Marc Morisset, Joni Makinen, Bryce Kanights, Steve Olson, Russell Winfield, Jeff Brushie, Scotty Wittlake, Jim Rippey and some more.

What about you? Are you ready for this gold rush or is it too early?

www.makiaclothing.com

Non vai più in garage a provare con la tua cover band? Se però sei a casa di un amico e lui ha una chitarra in salotto, sicuramente la imbraccerai e proverai a fare due accordi, giusto per sentire come suona. C’è un timing per tutto, potete essere giovanili finché volete, ma ogni cosa a tempo e luogo.

Makia nasce per coloro che hanno vissuto le loro passioni fino a consumarle, fino a quando il tempo non ha dato loro più luogo di portarle avanti come agli inizi. Tutto questo senza mai abbandonare la purezza di una sensazione, senza mai sporcare l’attimo di passione che durerà una vita.

Makia nasce in Finlandia, grazie alla visione di Joni Malmi, ex pro snowboarder finlandese di altissimo livello. Joni ha realizzato che gli anni passavano e che, malgrado questo, voleva rappresentare il suo background rimanendo coerente con se stesso e la propria età. Ecco perché Makia ha visto la luce del giorno: per cogliere un’opportunità.

Pezzi che reinventano dei classici casual, tagli ed accostamenti divertenti senza essere stravaganti, funzionali alle esigenze di un pubblico maturo che sa cosa vuole, ma che purtroppo non ha avuto nessuno che glielo proponesse prima. Purtroppo o per fortuna. Per la fortuna di Makia.

Dopo aver creato un buzz rilevante a livello europeo e dopo aver perfezionato staff e produzione, Makia era quindi pronto per il passo successivo. Lanciato verso una scalata al successo che sembra annunciata, infatti, questo brand di abbigliamento e scarpe ha recentemente aperto in California la propria sede statunitense ed ha conseguito il secondo posto dell’award di TransWorld Business “Top Action Sports Stories of 2011″.

Il loro motto “Old but gold”, quindi, pare avere un senso, soprattutto se affiancato a nomi quali quelli di Peter Line, John Cardiel, Chris Dufficy, Marc Morisset, Joni Makinen, Bryce Kanights, Steve Olson, Russell Winfield, Jeff Brushie, Scotty Wittlake, Jim Rippey ed altri ancora.

E voi? Vi sentite pronti per questa corsa all’oro o è ancora presto?!

www.makiaclothing.com

Risultato? “Mixed up reviews”, o per dirla in italiano, recensioni (e quindi, pareri) contrastanti. Si sa, le aspettative – spesso – non aiutano a compensare l’attesa, e così accade che questo live dei Black Keys, se pur ineccepibile da un punto di vista tecnico, abbia giocato come unica carta quella della formalità.
Sia chiaro, sin dalle prime note, i sostenitori più fedeli saltavano cantando a squarciagola ogni parola della discografia del gruppo americano, ma la scaletta non aiutava, soprattutto per quelli che, accorsi con la curiosità di chi ha letto le recensioni entusiastiche d’oltreoceano, si sarebbero aspettati un pathos diverso col pubblico.
Si parte quasi in ordine cronologico rispetto alla produzione discografica del duo, con pezzi appartenenti ai precedenti album, salvo qualche eccezione (Run Right Back, Dead And Gone e qualche altra “novità” che si confonde con i vecchi brani), per poi continuare con la formula che vuole i nuovi pezzi buttati qua e là nella scaletta, e quindi offuscati dal materiale più conosciuto.
L’esplosione vera e propria si è avuta con Lonely Boy, singolo di lancio di quest’ultimo album e pezzo dall’indiscutibile appeal radiofonico. Il coro di apprezzamento diventa qui unanime, con la folla che finalmente palesa il proprio consenso fisico, agitandosi con passione.

Piccola nota.
A far da spalla ai Black Keys, quasi in totale anonimato, c’erano i Portugal. The Man, con i quali abbiamo avuto il piacere di scambiare quattro chiacchiere, e ai quali è andato il nostro apprezzamento per aver aperto un concerto bello ma non totalmente entusiasmante, con i brani del loro nuovo album, In The Mountain In The Cloud, che vi consigliamo assolutamente di ascoltare.
Foto di Francesco Prandoni.

Attratto fin da giovane dai viaggi nelle grandi metropoli come New York e Hong Kong ne ruba le loro prospettive rivisitandole con il suo occhio da grafico, ricreando nei suoi lavori un’atmosfera alquanto panoramica e senza confini. Colori che si scontrano tra loro, viali che non trovano mai una fine, grattacieli e palazzi che vogliono quasi uscire dal quadro, perdendosi nel cielo. Castan definisce il suo lavoro come un gioco di ricordi tra vecchie fotografie scattate durante la sua vita. Tentare di riproporre al suo pubblico i suo viaggi, i suoi squarci di vita, invitandolo ogni volta a ripercorrere un nuovo viaggio dentro colori e luci dalle sfumature infinite. L’utilizzo di colori forti e spatola riescono a catturare tutto il caos che troviamo nelle grandi città, come in America. Una nube di confusione e bellezza senza noia.

Viaggiare nelle città di Daniel Castan è sempre un piacere, immedesimarsi tra i vicoli americani e perchè no perdersi a bordo di taxi senza meta, nei colori asfaltati delle costruzione ed aspettare una nuova pennellata per ritornare a vivere la quotidianità di tutti i giorni.

Il suo sito www.castan-daniel.odexpo.com

Ti puoi presentare?
Sono nata, insieme a mia sorella il 23 giugno del 1988 ad Austin, Texas.
L’anno scorso mi sono laureata in psicologia. Non so ancora cosa voglio fare nella mia vita ma tento di vivere con consapevolezza. La fotografia mi permette di catturare i momenti che mi ispirano di più. Ho iniziato a fotografare meno di quattro anni fa. La maggior parte delle mie fotografie rappresentano il modo in cui vivo.
Che tipo di macchina fotografica usi?
Uso diverse 35mm. Per la maggior parte dei miei lavori ho usato una Yashica T4, da poco ho comprato una Contax T3 che sto usando da tre mesi, ma ieri mattina si è rotta. Era abbastanza costosa! Vedrò cosa comprare prossimamente.

Analogico o digitale?
Analogico.
Il digitale non è terribile, ma a meno che tu non possegga una digitale molto costosa, non regge il paragone con la pellicola.
Soprattutto credo che le sensazioni che ti danno le fotografie in pellicola siano migliori. Oltre all’aspetto estetico c’è qualcosa di molto più soddisfacente e reale nel poter tenere in mano una fotografia rispetto ad un’immagine fatta di tanti pixel.

Come descriveresti il tuo stile?
Continuo a cercare di capire qual è il mio stile. Non ne seguo mai uno in particolare, scatto quando sento che è il momento giusto.
Dalle reazioni degli altri sto iniziando a realizzare come vengono interpretate le mie fotografie.
Spesso sento dire che i miei scatti hanno una certa aria, atmosfera, talvolta un po’ magica per il modo in cui catturo la luce.

Cosa ti ispira?
La vita, le persone, le emozioni, la nostalgia, la luce, i colori e la delicatezza.
Il mondo nei tuoi scatti è?
Bellissimo. Pieno di cose da apprezzare.
C’è un soggetto (una persona o altro) che speri di fotografare un giorno?
Non sono sicura di una persona in particolare, non ci ho mai pensato.
Sono una fan di Bon Iver, negli ultimi anni sono stata estremamente ispirata dalla musica. Sarebbe un sogno essere vicina a Justin Vernon per poterlo ritrarre nei suoi momenti più veri.

Ti ispiri a qualche fotografo in particolare?
No, anche se conosco alcuni fotografi famosi che ammiro molto. Non seguo e non cerco di emulare nessuno, se lo facessi il mio lavoro perderebbe di naturalezza.
Un desiderio?
Vivere con un fervore senza fine.
Ci puoi suggerire il nome di un fotografo di talento che hai scoperto?
Non credo di aver scoperto nessuno. Da Flickr ne ho visti moltissimi che valgono e sceglierne uno non avrebbe senso.
Mi piace e ispira sempre Debora Mittelstaedt.

Il suo sito www.katherinesquier.com

Qualità e attenzione si fondono e danno vita ad un’esplosione di design in cui il nero risulta il colore predominante. Caratteristica fondamentale della nuova collezione aw 2011 è il continuo gioco tra trasparenza e copertura che conferisce mistero e fascino a questi capi dalle linee abbastanza basiche.

Costume Dept. descrive una donna forte, fiera del suo corpo e non spaventata nel mostrarlo al mondo. Il nero mantiene la sua usuale eleganza, mentre un’essenza provocante cresce dalla fine della lunga gonna fino ad arrivare alla camicia e al “casto” dolcevita.

Le forme del corpo femminile vengono descritte con uno stile unico in cui vince un continuo contrasto tra il corto con il lungo, l’aderente con l’ampio e il nero con il bianco.

Uno dei pezzi fondamentali, sul quale i designer hanno effettuato una forte ed ampia ricerca sono i pantaloni. Una vasta scelta di leggings viene proposta dal marchio americano che gioca non il nero, il color carne e ovviamente con il tulle trasparente grazie al quale vengono realizzati motivi davvero interessanti. Perlopiù stretti e a vita alta, da una parte sono collegati ad altri capi grazie a vari rimandi stilistici mentre dall’altra raccontano storie diverse, come i metallic panel leggins che ricordano i pantaloni da equitazione.

Anche sugli abiti c’è una vasta scelta e si parte da quelli più da giorno, rigorosamente maxi sui toni del rosso, verde oliva, blu e marrone per giungere alle trasparenze più serali, alle sovrapposizioni e all’essenziale abitino nero con maniche corte trasparenti e una linea ampia.

Il brand offre diverse opportunità per vestire fiere ed eleganti, date un’occhiata al sito per ulteriori info www.costumedept.com

Una valvola di sfogo che non risente molto dell’influenza delle professioni delle due americane: Kristin è Action sports Design Director presso Nike, mentre Valerie è Design Director per una ditta di Skateboard. BleachBlack è l’unione delle due sezioni in cui Kristin e Valerie caricano rispettivamente i loro posts formando così un doppio punto di vista su feste, accessori, abbigliamento, stili e arte.

Abbiamo fatto due chiacchiere con una di loro, Valerie che ci racconta brevemente cos’è BleachBlack.

Età?
76.

Lavoro?
Design Director per Element Skaterboard/Co-Editor BleachBlack.com

Da dove vieni?
Vengo da una piccola cittadina in Orange County, CA. Abbiamo splendide spiagge e il miglior cibo messicano!

La scelta del tema del vostro blog è stata immediata – avete iniziato il blog specificatamente per parlare di moda – o è venuta dopo?
Sostanzialmente volevamo condividere quello che ci ispira, moda, gioielleria, musica, arte, cosmetica; senza parametri, pura condivisione di ciò che amiamo!

Quanto frequentemente aggiornate il vostro blog?
Cerchiamo di aggiornare i contenuti ogni 5/6 giorni! È un lavoraccio!

Il vostro blog piace?
Non ne ho idea.

Qual è il vostro target?
Chiunque abbia un gusto spettacolare!

Come e dove trovate il materiale per i vostri post?
Ovunque: arte, musica, amici… siti web.

I vostri posts rispecchiano i vostri gusti personali o sono il risultato di una scelta fatta seguendo i criteri di originalità e freschezza di quello che vedete quotidianamente?
Io posto solamente quello che mi piace, è un’interpretazione delle forze e delle influenze che sono attorno a me.

Come il blog influenza la vostra vita?
È tutto compreso.
Sono un’assidua ricercatrice e un’analista di tendenze. Non esco mai senza la mia fidata Canon G12 per catturare tutti i look o le idee che incontro. Seguo una valanga di blog e di periodici (la maggior parte sono di interior design che trovo veramente accattivanti). Non sono una che sta seduta sul divano a guardare la TV, non ho nemmeno un lettore DVD. Mi piace molto di più fare qualcosa di costruttivo, facendo o creando o cercando ispirazione.

Tu e Kristin lavorate entrambe nel mondo streetwear. Tu – come hai detto prima – sei design director per la Element Skateboards mentre Kristin è design director presso Nike. Nel blog non parlate molto di streetwear, come mai?
Il blog è un’estensione di quello che personalmente ci interessa e spesso è anche un’estensione delle nostre giornate passate lavorando oppure con i nostri amici, gli eventi, i viaggi. A volte invece sono due cose completamente separate. Dipende tutto da cosa ci attrae quel giorno. Il nostro blog ha certamente un’estetica da maschiaccio ed è il marchio del nostro lavoro all’interno dell’industria degli action sports.

Quanto tempo occupa la gestione del blog?
Molto più tempo di quanto ci si può aspettare. Lavoriamo sodo per sviluppare e scrivere contenuti originali.

Avete un blog per passione o sperate che dal blog nasca qualcosa di più?
Siamo aperte a tutto e a nulla!

Cosa pensate del fenomeno del blog? I blog possono influenzare la moda e il gusto delle persone?
Si decisamente!

Pensi che ci siano delle differenze tra i blog italiani e quelli stranieri?
Assolutamente! I blogger europei hanno una prospettiva tutta loro.

Progetti futuri?
Non se ne può parlare è ancora tutto in cantiere.

Nel suo laboratorio taglia incide e modella ribaltando il classico concetto del gioiello esclusivamente prezioso. Plastique* produce anelli minimal, collane, bracciali, ciondoli leggeri e divertenti, moderni, bianchi o colorati, rigorosamente di plastica, unici e adatti a chiunque voglia farsi notare senza eccedere.

Estremamente originali, rappresentano i simboli delle grandi città del mondo: la Torre Eifell di Parigi, le piramidi egiziane e il Tower Bridge di Londra. Indossando i suoi gioielli la designer ha suscitato la cuorisità di tante persone e, spinta dalle tante richieste, ha aperto la sua pagina su Etsy.com, la grande comunità virtuale per acquisto e vendita di oggetti in tutto il mondo.

Tutto ció ha mosso l’interesse non solo di qualche gruppo di persone o blogger, ma persino di famose e rinomate riviste di moda o specializzate in design del calibro di Elle Belgio, Better Living Trough Design, HOW Magazine, Boing Boing.

Per Jen non é finita qui, infatti da poco TimeOut NY ha voluto collaborare con il suo brand, per creare un’esclusiva collezione in edizione limitata: un anello da indossare su tre dita che rappresenta il ponte di Brooklyn. Insomma, con Plastique* indossare e avere il mondo tra le mani non é mai stato cosí semplice.

Per info e acquisti visitate il sito www.plastiqueshop.com

Lei è Lisa Chow, artista americana dall’immaginazione sconfinata, creatrice di terre straniere in cui difficilmente non ci si trova a proprio agio.

Lisa Chow vive a Houston, in Texas, ed è riuscita a fare dell’arte il suo lavoro. Molte sue opere hanno già trovato un posticino nelle case di collezionisti in tutto il mondo, sono state pubblicate su varie riviste e scelte per alcuni progetti musicali. E nella sua città già quindici esibizioni le hanno offerto la possibilità di farsi conoscere. Tutte negli ultimi tre anni.

Autodidatta, ha fatto degli errori e delle infinite prove la sua scuola. Finché ha trovato la sua ispirazione: nelle strade affollate, nelle città, nelle favole, nel fascino del passato. Anche se ammette che la vera ispirazione è una scintilla, un’immagine fugace che sfreccia nella sua mente lasciando solo dei ciuffi che alla fine riesce ad afferrare. Un mondo psichedelico che esiste solo nei suoi sogni.

Con la sua sana dose di creatività cerca quindi di trasportare i suoi spettatori in mondi lontani, strani, stranieri, in cui ci si possa sentire sempre a casa.

Il suo tratto è inconfondibile: quasi uno schizzo, ma sempre ricco di dettagli affascinanti e sorprendenti. Colori delicati, tratti acquerellati, soggetti ricorrenti: conigli, mongolfiere, grammofoni, cannoni, caramelle, case, case e ancora case. Nel senso di home, non solo house. Rifugi.

Dunque, Lisa Chow è da scoprire: ti porta in posti stranieri e surreali; ma ti senti sempre a casa, nel tuo piccolo ma accogliente appartamento (che, poi, è quello che vuole).

Fatevi un giro nel suo, di appartamento. È il 3305! www.apt3305.com

Il mercato occupa parte della 44th street partendo dall’incrocio con la 10th Avenue fino alla 9th Avenue, come ogni bazar all’aperto che si rispetti si possono trovare delle occasioni. Sono l’esempio questo paio di Dr Marteens edizione speciale completamente nuove provviste di scatola e vendute ad un prezzo largamente inferiore rispetto ai negozi. Curiosando attentamente tra gli stand si trovano anelli, bracciali, spille, orecchini e gemelli conservati perfettamente magari mischiati con semplici accessori di plastica. Il consiglio è quello di non farsi ingannare dall’apparenza ma di tenere lo sguardo attento, investigativo e selettivo ad ogni bancarella.

Un insieme confusionario di oggetti che si distingue principalmente per l’atmosfera tipicamente americana che si respira, con venditori simpatici e stravaganti e altrettanti visitatori spesso agghindati sopra le righe.

Per chi sta progettando un viaggio, magari il prossimo anno proprio a New York, questa è una tappa da segnarsi per trovare ciò che solo qui viene venduto. Fuori dai circuiti del vintage per un viaggio nei bauli di generosi sconosciuti.

Da Los Angeles Christopher Michlig sbarca a Milano presso la galleria 1000eventi fino al 22 luglio con la sua personale Punctuality, un’indagine attenta e dettagliata su come la comunicazione assorbe tutto lo spazio urbano, come se diventasse una sorte di terrorismo linguistico alla Carl Andre immerso nel suo minimalismo. All’interno della mostra potete capire attentamente il percorso che ha intrapreso Michling, un’analisi lunga e diretta che porta a scomporre le parole, recuperando simboli e significati, trasformando gli interrogativi in una nuova architettura che sfuma nei colori fluorescenti del rosa del giallo e del verde pop per poi tornare di nuovo al classico bianco e nero.

Come se fosse una guerra di segni liberi e parole scomposte e rimescolati tra istallazioni, serigrafie e progetti scultorei a tiratura unica. Se mettiamo a confronti i nuovi lavori dell’artista con i passati possiamo immediatamente paragonarlo al pittore statunitense Twombly, l’atto di decomporre le parole per poi riproporle in schizzi che prendono quasi vita e poi di nuovo reinterpretarli attraverso una nuova chiave artistica. Questa tecnica del non-linguaggio molto diffusa nel sud della California sia per pubblicizzare locali sia per le affissioni pubblicitarie low-cost è molto cara all’artista ma anche al suo pubblico sempre pronto a nuove interpretazioni

Maggiori info www.christophermichlig.com

La donna, creatura super complicata e contradditoria,  per esprimersi ha bisogno di un marchio che rappressenta i suoi innumerevoli mondi. United Nude è il brand adatto allo scopo. Fondato dallo architetto Rem D Koolhaas e Galahad Clark, artigiano di calzature con una grande tradizione familiare alle spalle.  Il concetto base del marchio è concepire la scarpa come vera forma d’arte, dove design e architettura s’incontrano con l’obiettivo di creare e re-interpretare forme concettuali e archetipi del mondo classico.

Per la stagione ss 2011, il marchio inglese ha ideato una ricchissima linea di scarpe dallo stile contemporaneo e accattivante. Un mix and match di street art e arte classica con rimandi ai graffiti, al mondo digitale e alle sculture elleniche. Ogni modello proposto ha diverse varianti cromatiche e in diverse altezze. Si parte dal tacco alto per finire al rasoterra, ideale per soddisfare i gusti e le esigenze di tutte. Lea linea Möbius è tra le più classiche e lineari, caratterizzata da un design semplice ma ricercato. Le Eamz sono hanno un tacco fatto a gancio che crea un effetto ottico molto curioso e un’immagine eccentrica e futuristica.

Loop è fatta da sandali che fasciano il piede, dove anche in questo caso troviamo un insolito modo di concepire il tacco. Ruby Beep Toe e Rock Ballet sono invece linee fatte solo ed esclusivamente da ballerine, anche qui troviamo tanti bei colori vivaci e uno stile minimale.

Block è composta da diverse linee di caratterizzate da un tacco che sembra slittare autonomamente dal resto della scarpa. Stealth è costituita da varie linee con zeppe vertiginose e vivaci che fasciano il piede.

Le linee Cup giocano tutto sui contrasti tonali, dove ogni modello viene proposto in due o più colori in forte contrasto crando disegni geometrici definiti. Cosmo e Frame sono scarpe sandalo dal design scultoreo con tacco vertiginoso, dove incroci e intrecci lineari definiscono lo stile di questi modelli.

Fold è una linea di stivaletti bassi che richiamano molto gli anni ’80 nel design. Elastic Sandals è fatta di sandali rasoterra e altri con tacco a fasciature elasticizzate. Elastic Peep è la versione elasticizzata di scarpe più classiche nel design ma sempre con una cura cromatica molto definita.

Graffiti è una linea di scarpe con tacco ispirata proprio all’omonima forma d’arte e allo street style, mentre Lo Res è fatta da modelli con cinturino e tacco che sembrano essere usciti da un videogioco del passato.

Mono racchiude linee di zeppe e ballerine dal design essenziale con una proposta di colori sgargianti e fluo, mentre Coral è fatta di ballerine con particolari aperture ai lati che svelano parte del piede. Infine abbiamo Label Shoes, una linea di scarpe con tacco decorata con insolite scritte e applicazioni. United Nude si interessa anche del mondo maschile aggiungendo una nuova linea chiamata Hollow, una  combinazione  di  eleganza e  ultra modernità reda  grazie all’ uso della fibra di carbonio nella struttura della calzatura.

Come avete notato la lista è lunghissima e i modelli sono davvero tanti ma il lavoro dei due designer non finisce qui. Recentemente il duo di United Nude ha collaborato con un’artista del fashion system, Iris Van Herpen, realizzando per la stilista le calzature dell’ultima collezione estiva 2011. In passato hanno invece unito le forze con Antoine Peters e K-SWISS. Architettura e calzatura un binomio sempre eccellente.

Il carattere dominante della sua estetica, sui cui focalizza ogni suo progetto, è lo stile minimal unito all’uso di tessuti tecnici e materiali nati per usi totalmente differenti, come ad esempio il tessuto per i paracadute e la coperta di fibre solari. Futurismo e tecnologia sono i temi principali che fin dalla prima sfilata, nel 2007, ricorrono nelle sue collezioni.

Ovviamente, sono tratti che non mancano nella collezione S/S 2011, dove il ragazzo “ervelliano” è cresciuto, ma non ha abbandonato la sua indole adolescenziale. Presentata a New York lo scorso settembre, la collezione mixa egregiamente i tre diversi luoghi nel mondo che più influenzano Ervell, il quale parte da un look preppy newyorkese per poi unirlo alla linea minimalista svedese e alla losangelina non-chalanche dei libri di Bret Easton Ellis, quando racconta della vita nella west coast americana.

Camicie abbottonate, camicie a righe, pullover, cinture in crine di cavallo intrecciato e giacche a vento dalle linee semplici richiamano il suo continuo dialogo con lo stile scandinavo ma, oltre ai toni del verde, marrone e beige, fa capolino anche qualche tocco di rosa, che ricorda tanto i colori delle tendenze post-moderniste californiane degli anni ’80. Il risultato è un look dall’aria poco curata, proprio come quella di un adolescente, ma il taglio casual ugualmente sartoriale, vi farà sembrare al contempo un adulto da un milione di dollari.

Tutto questo è stato poi tradotto dalle idee di M Blash e Tina Tyrell in uno short movie dall’atmosfera surreale, celebrativo della collezione.

Tina, fotografa newyorkese che vanta fantastiche collaborazioni tra cui L’Uomo Vogue, è l’autrice dei fotogrammi che compongono il video. M Blash in seguito li ha uniti, aggiungendo alcune immagini prese in prestito dal mondo virtuale e corredando il tutto con un sovraccarico audio che ricorda i suoni psichedelici.

Quello che alla fine vedrete sarà un corto dalla forte carica emozionale, che vi rapirà per un minuto e venti secondi, facendovi adorare letteralmente la creatività dei geni che l’hanno concepito e la collezione stessa di Patrik.

Non vi rimane quindi che andare sul web e cliccare sul video per farvi trasportare in un mondo fatto di immagini dal suono graffiante e psichedelico che tanto rimandano allo stile unico, innovativo e futuristico di Patrik Ervell. Uno che il connubio moda e uomini sa trattarlo molto bene.

Il primo lavoro, Ghosts, è accreditato al Peter Evans Quintet e segna anche il debutto dell’etichetta More Is More, che prende il nome dal primo lavoro per tromba solista di Peter Evans, pubblicato nel 2006 per la PSI di Evan Parker. L’intento, si legge nelle note di copertina, è quello di presentare il risultato dell’interesse nel dialogo con il passato e il futuro del suono. Obiettivo centrato, visto che nel corso dell’ora di durata ritroviamo tutti gli elementi temporali descritti da Evans. Il presente, frutto del suo lavoro compositivo e delle sue esperienze nell’ambito del free jazz e di formazioni dedite maggiormente all’improvvisazione (si veda per esempio la sua partecipazione al terzetto composto da Evan Parker, Barry Guy e Paul Lytton, culminato con la pubblicazione di “Scenes in the House of Music” su Cleen Feed). Il passato, con l’eco degli standard che furono: in Ghosts troviamo un’incredibile interpretazione di “Stardust” di Hoagy Carmichael ma anche il riferimento a “Christmas Song” di Mel Tormé nella prima traccia “One to Ninety Two” – ma Peter Evans ammette che avrebbe potuto indire un concorso tra gli ascoltatori per individuare le altre celebri citazioni, totalmente riviste e ricomposte, sparse qua e là per il lavoro. E infine il futuro, rappresentato dalla proiezione di fantasmi sonori (da cui il titolo del disco) prodotti dal quinto componente del gruppo, Sam Pluta del Wet Ink Ensemble di New York, alle prese con una strumentazione davvero insolita per il mondo del jazz: il live processing. Ed è proprio questa pratica di rielaborazione in tempo reale dei suoni prodotti dagli altri musicisti a creare le schegge sonore impazzite che si vanno a incagliare tra le robuste struture ritmiche o tra i fraseggi della tromba. In questo sta l’elemento nuovo, ed essenziale ai fini del risultato, del progetto: espandere gli evidenti limiti di strumentazione del jazz mediante tecniche di produzione sonora mutuate da altri territori musicali, senza per questo creare uno strano ibrido (troppo spesso il jazz cosiddetto “moderno” si è cacciato in questo vicolo cieco, snaturandosi completamente) ma lasciando al tutto un’impronta che lo identifica subito come musica coraggiosa e che si rinnova pur rivendicandosi per quello che è.  Lo stesso Peter Evans, sempre nelle note di copertina, spiega di aver voluto “esplorare la possibilità di questo strumento inteso come un componente del gruppo e non come qualcosa di altro, di extra”.

Il secondo album che vede coinvolto il trombettista americano è Coimbra Concert (Cleen Feed), doppio disco dal vivo del progetto Mostly Other People Do The Killing e lavoro che, già nell’aspetto visivo, si promette di dissacrare il mondo del jazz tutto. Fin dalla copertina, che si mostra come una parodia/tributo dal celebre “Koln Concert” di Keith Jarrett, ad oggi nel genere uno dei dischi più riconoscibili e venduti di sempre. Se però il disco di Jarrett è stato assimilato al jazz più a livello discografico che strettamente musicale (si trattava di una lunga improvvisazione per piano solista), in questo “Coimbra Concert” i Mostly Other People Do The Killing presentano una formazione tipicamente free-jazz: Kevin Shea alla batteria, Jon Irabagon al sax tenore, Peter Evans alla tromba e Moppa Elliott al contrabbasso. E proprio il contrabbassista firma le composizioni usate dai MOPDTK come base per il loro pastiche musicale ironico e dissacrante: dalla sfuriata bebop che parte dopo qualche minuto di “Drainlick”, prima traccia del disco, alle suggestioni dixieland e swing di “Burning Well”, fino a quelli che sembrano esercizi d’improvvisazione in “Blue Ball” e sul finire di “Round Bottom, Square Top”.

La forza del disco sta nella convivenza delle sfuriate free e dei tempi iper complessi, lontani anni luce dalle figure elastiche ma fondamentalmente regolari del jazz classico, con i temi fischiettabili e le citazioni improbabili (sul finire di “Pen Argyl” si sente il tema di basso/voce di “Aknowledgement” di John Coltrane, da “A Love Supreme”). Insieme ad una forte dose di ironia che, pur aleggiando per tutta la durata dei due cd, non sembra affatto sminuire il lavoro ma anzi lo svecchia e gli toglie quella patina di musica impegnata che è tra i maggiori sospettati per la stagnazione del jazz.

Osare, spingere i confini, mischiare il meglio del vecchio con le più intelligenti coordinate del nuovo. Non sarà l’unica strada per scuotere il jazz dall’interno ma è una di quelle che sta dando i risultati migliori. Come questi due dischi dimostrano, per rinnovarle questo genere musicale non c’è bisogno di trasformarlo in ciò che non è (dall’acid jazz via via fino agli annacquamenti da aperitivo della lounge music più o meno swingata?): basta rivoltarlo dall’interno, prenderlo in giro ed introdurre elementi nuovi ma musicalmente sostenibili. Con intelligenza.

Che mondo osservi attraverso la tua macchina fotografica?
Amo osservare le persone e la loro espressività.
Cosa ti distingue dagli altri fotografi?
Ci sono molti fotografi che fanno più o meno quello che faccio io. Non credo di aver sviluppato abbastanza una voce che mi distingua dagli altri, e onestamente mi piace l’ idea di essere capace di fare diversi tipi di fotografia.

Analogico o digitale?
Entrambi. Amo le pellicole, ma ci sono  alcune cose che preferisco nel digitale e ne ho bisogno. Per me è  l’immagine finale che conta, non il modo in cui è stata fatta.
Cosa ti ispira?
Mi ispira la gente e la natura.

Un fotografo che stimi particolarmente?
Julia Galdo e Cody Cloud (JUCO è il loro team). Loro lavorano duro più di ogni altra persona che conosco.
La tua prossima sfida?
La mia prossima sfida è riuscire a guadagnare attraverso la fotografia. Una cosa è fare foto che la gente apprezza e un’ altra è essere pagati per farlo.

Potete dare un’occhiata al portfolio di Aaron www.feaverishphotography.com

Se dovessi descrivere la tua fotografia con solo tre parole, quali sceglieresti?
Giovinezza, femminilità e amore.
Qual è la tua prima memoria legata alla fotografia?
Direi che probabilmente riguarda l’aver ricevuto la mia prima macchina fotografica a 12 anni. Non sapevo di amare la fotografia, fino a che non mi sono resa conto di non poter fare a meno di scattare foto con quella macchina. Ovunque andassi, lei era con me.

Tamara, sei giovane e talentuosa, quando hai iniziato a scattare fotografie? Ricordi quale è stata la tua prima macchina fotografica?
Ho iniziato a fotografare a dodici anni, appena ho avuto una macchina fotografica. Era un Sony «point and shoot» digitale, credo avesse 3 megapixel, old school! E nonostante questo, devo dire che non mi ha mai deluso.

Nei tuoi lavori emerge sempre un senso di sottile sensualità, ritrai una giovinezza fresca e disinvolta. Per usare una coppia di parole, «youth and lust». Come vedi il mondo attraverso l’obiettivo? Che caratteristiche ha il mondo che cerchi di ritrarre?
È difficile riuscire a esprimere pienamente il mio mondo, il modo in cui funziona, cosa succede. Se ci provassi, inizierei a raccontare con ogni probabilità una storia infinita! Sono felice che i miei lavori riescano a evocare sensazioni e emozioni, senza che debbano necessariamente avere una storia da raccontare.

A cosa stai lavorando al momento? E quali sono i progetti per il futuro?
Questo mese sarò impegnata con lo shooting per Sugarhigh+Lovestoned. Per il futuro so solo che voglio continuare ad avere progetti, ma al momento non so quali saranno, diciamo che adesso seguo solo la corrente e quel che verrà!
Parliamo delle tue ispirazioni: grandi fotografi, artisti e film che ti hanno influenzato. E tra i fotografi contemporanei chi stai seguendo?
In realtà, qualsiasi cosa mi ispira! Comunque, direi che devo menzionare Lina Scheynius, Nan Goldin, Juergen Teller e Ryan Mcginley, che sono alcuni tra i miei fotografi preferiti. Per quanto riguarda i film che mi hanno ispirato, potrei iniziare a fare una lista, ma temo che sarebbe davvero troppo lunga.

Se Tamara Lichtenstein fosse un film, quale sarebbe?
Credo che sarei Eternal Sunshine of a Spotless Mind, il mio film preferito in assoluto. Credo di averlo visto più di trenta volte!

Ringraziamo Tamara per la sua disponibilità e vi invitiamo a seguirla su www.tamaralichtenstein.com

A volte, invece, come dice lui stesso, ricorda un sacco di cose. Lo Zio Sam inizia quindi un viaggio carico di senso di colpa, in cui è impossibile distinguere l’allucinazione dalla realtà, attraverso i fatti più sanguinosi accaduti negli Stati Uniti: la Guerra d’Indipendenza, l’omicidio Kennedy, lo sterminio degli indiani, gli omicidi a sfondo razziale, l’attacco della polizia contro gli operai della Ford a Dearborn, Michigan, nel 1932, in cui morirono quattro lavoratori.
Ma lo Zio Sam vede benissimo anche il presente, vede quello che l’America è diventata: vede la libera impresa messa davanti a tutto, anche alla sicurezza dell’ambiente e delle persone, vede gli abusi in carcere, vede le persone uccise e lasciate morire per strada, vede le manifestazioni contro i diritti degli omosessuali, vede politici che mentono ai propri elettori, politici interessati solo al proprio profitto e a nient’altro. Vede la vera America, che non rispecchia per niente gli ideali a cui dice d’ispirarsi.

E, alla fine, la vera America la incontra davvero: veste i panni eleganti e puliti di un altro Zio Sam. Uno Zio Sam che, invece di essere ridotto a girovagare per le strade con gli abiti a brandelli, fuma rotolini di banconote da 50 dollari e siede su un trono fatto di televisioni accese: è violento, arrogante, votato al consumismo. Inizia una lotta con lo Zio Sam originale e, apparentemente, la perde.
Il dubbio però rimane: chi ha vinto davvero? E siamo sicuri che tutto quello che è successo non sia semplicemente il delirio di un vecchio, convinto di essere lo Zio Sam solo perché indossa i suoi abiti lisi? La soluzione rimane in sospeso, perché forse una risposta definitiva non c’è.

Se la storia narrata fin’ora vi ha incuriositi, potete procurarvi il volume Uncle Sam (Vertigo) scritto da Steve Darnall con la collaborazione di Alex Ross. Se la storia, invece, vi avesse lasciato indifferenti, o non vi fosse proprio piaciuta, potrebbe essere il caso di comprare il volume anche solo per i disegni dello stesso Ross: realistici, intensi ed espressivi. In una parola: belli.

(Uncle Sam è pubblicato in Italia dalla Planeta DeAgostini, 120 pagine, 15,95 €).

Un album definito come un gioiello di miniature pop in salsa cameristica, una delizia uditiva in cui l’artista esplica il suo sapere attraverso nove canzoni raccolte in 43 minuti. La sua è un’esperienza totale che muove eteree combinazioni elettroacustiche e saggi armonici che rimandano tanto alla musica classica quanto alla wave più soffusa.

A questo punto la nostra curiosità può dirsi stuzzicata a dovere, non ci resta che scoprire questo nuovo album, aspettando il 28 Maggio giorno in cui Julianna si esibirà a Pisa, o il 30 a Marina di Ravenna come opening act di Toro Y Moi, o ancora il 31 a Roma.

Per maggiori informazioni www.grindinghalt.it

Negli ultimi anni la figura del cattivo, del villain, nei comics ha subito un’evoluzione. Da semplice nemico da sconfiggere nel corso di ogni nuovo episodio, il villain è diventato un personaggio con una sua personalità, una sua profondità, una sua indipendenza dal buono, fino a diventare il protagonista di intere serie.
Lex Luthor: man of steel include tutto questo e va pure oltre: racconta la figura di Superman dal punto di vista di Luthor, mostrandoci le motivazioni che spingono quest’ultimo a voler eliminare il supereroe, mostrandoci i grigi, senza dover necessariamente ribaltare i ruoli.

Superman continua a fare quello che ha sempre fatto: salvare vite, salvare la terra. Lex uguale: si situa in una regione opaca, dove oscilla fra la bontà delle proprie intenzioni e il male che in realtà fa per ottenere ciò che vuole e per favorire i propri affari. Ma se prima potevamo solo intuirlo, adesso sappiamo esattamente cosa lo muove.
Dice Luthor: «Quegli occhi rossi, sono sicuro mi guardano attraverso, come se non fossi altro che un fastidio. Ma quando io vedo te? Vedo qualcosa che nessun uomo potrà mai essere. Vedo la fine. La fine del nostro potenziale. La fine delle nostre conquiste. La fine dei nostri sogni. Sei il mio incubo. Ma quando ti guardo, quando guardo nell’abisso, non ho paura. Fidati, non ne ho. Perché qualsiasi cosa tu abbia io ho molto di più. Ho la speranza».

Lui ha la speranza, ha Hope. Hope è il nome dell’androide, dotata di superpoteri, costruita dalle industrie di Lex per sostituirsi a Superman nell’immaginario collettivo degli abitanti di Metropolis. Un vero e proprio scontro fra le potenzialità dell’uomo e della scienza e i poteri del superuomo.
Ma non è solo la storia, scritta da Brian Azzarello, già autore di “100 Bullets”, a rendere speciale Lex Luthor: man of steel. Le illustrazioni di Lee Bermejo, infatti, fanno la loro parte. Nonostante ci siano molti bravi disegnatori di comics, difficilmente si ha l’impressione di trovarsi davanti ad un quadro, invece che a una tavola di un fumetto. Ci riesce Alex Ross, ci riesce Tim Sale e ci riesce, appunto, Lee Bermejo, autore di alcune delle più belle tavole della storia recente dei comics. Grazie al suo tratto realistico e crudo il racconto diventa corposo, palpabile, vivido, quasi tridimensionale.
Sicuramente un piacere anche per gli occhi.

(Lex Luthor: man of steel è pubblicato in Italia da Planeta DeAgostini con il titolo Luthor. Libro cartonato, 144 pagine, 14,95 €).

Entrare in questo locale, significa rivivere le tappe che hanno segnato la nascita di uno dei generi musicali indipendenti di maggior seguito. Dall’amara esperienza vissuta da Lach, nella ricerca di un posto in cui potersi esibire, alla sua intuizione di opporsi al folk, di contrastarlo, ecco perché anti-folk, rispondendo con la musica, una musica libera da ogni stereotipo. In effetti, quando si parla di anti-folk ci si riferisce a qualcosa di indefinito, il suo paradigma è lo stesso Sidewalk Cafe, un luogo aperto a tutti e a tutto.

In linea con questa filosofia, gli interni del Sidewalk Cafe esprimono bene i suoni grezzi del pioniere dell’anti-folk e dei suoi successori, enfatizzando quell’aria quasi caricaturale che contraddistingue le liriche di questi artisti. Se nei loro testi è facile riconoscere una effervescente vena parodistica, il locale vi accoglierà con l’altrettanto bizzarra scena delle sue pareti stracolme di strumenti musicali appesi e relegati ad un ruolo ornamentale che li spoglia dalla loro utilità intrinseca.

Tra i tanti artisti che hanno avuto l’onore di esibirsi in questo spazio, c’è anche un italiano, Davide Combusti aka The Niro, un artista che ha conquistato Chris Hufford, manager dei Radiohead e aperto concerti per nomi importanti, tra i quali Ami Winehouse, Kings of Convenience, Badly Drawn Boy e la connazionale Carmen Consoli. Si tratta di una tappa importante della sua carriera, come afferma lo stesso The Niro nella sua biografia, citando Regina Spektor e Adam Green come alcuni degli artisti che lo hanno preceduto.

L’importanza del Sidewalk Cafe non è attribuita soltanto dal peso che ha nella storia della musica, e in particolar modo nella storia dell’anti-folk e della sua emancipazione dagli altri generi. Le recensioni parlano chiaro. Pur essendo una colonna portante tra i locali con una forte impronta live, si tratta di un luogo accogliente, intimo e dai costi accessibili. Il tutto, appunto,  senza pretese, lontano da mode e leggerezze del momento. Se siete nei paraggi, fateci un salto:  vi sentirete anti-, per una volta.

Per maggiori informazioni: www.sidewalkmusic.net

Photos by Sumeet Singh for ontheinside.info