Haikure è il brand che ci aiuterà in questo obiettivo. Nato recentemente in casa CS Jeans, la sua missione è rispettare il pianeta e le persone, attraverso la promozione di uno stile dove moda e sostenibilità coesistono. Il nome del marchio deriva dalla fusione di due parole che, assemblate, contengono in sé il concept stilistico: haiku, come il componimento poetico dai toni semplici che si ispira alle suggestioni che arrivano dalla natura e dalle sue stagioni, e future, perché l’obiettivo è quello di guardare al futuro sviluppando un presente in grado di portare forti cambiamenti.

La sostenibilità del marchio e la sua natura eco-friendly sono rintracciabili nella scelta del tessuto e in tutto il processo produttivo, nonché nel packaging in polipropilene, riciclato e riutilizzabile, dove si fondono i due principi alla base del brand: trasparenza e design innovativo, che fanno da filo conduttore. Elemento d’avanguardia è anche l’utilizzo del QRcode, che aiuta il cliente nella verifica dell’ecosostenibilità sviluppata dal brand. Grazie all’etichetta posta all’interno del capo e, appunto, realizzata con il QRcode, è possibile infatti accedere a tutte le informazioni sulla produzione del capo identificando tutti i passaggi della filiera produttiva, sia attraverso l’utilizzo di un dispositivo mobile, sia del web.

Filati italiani e nipponici, materiali riciclati, tessuti bio e lavaggi eco sono gli elementi che compongono la collezione per la SS2012, dalle camicie in cotone organico a quadretti, ai jeans e ai giubbini in denim con lavaggi ecosostenibili, senza dimenticare i diversi pantaloni modello chino in cotone dalle varie tonalità pastello. Una collezione uomo e donna che per il lancio di questo brand catturerà il cuore di tutti i fashionisti, facendo felice il nostro pianeta.

Se volete maggiori informazioni al riguardo e sapere dove potete trovare il brand, basta dare una sbirciatina al loro sito: www.haikure.it

Aiutateci a mantenere il nostro proposito!

The English writer and philosopher, who passed away in 1830, was right.

Henry David Thoreau suggested to regard all the deeds in which new dresses were necessary.

And in fact today, February 20th 2012, the strenuous enterprise to accomplish would be nothing less than death.

To be an absolute protagonist at the opening event of the London Fashion Week at the Design agency Sheridan&Co, we would need to participate from hereafter, after an entire life as a fashion victim.

Dead Man’s Patterns – Memento Mori is the exposition showed until March 3rd 2012 at Sheridan&Co, 10A Blandford Street, London, W1U 4AZ.

Hormazd Narielwalla is an artist who creates collages.

Uses sartorial models as raw material for his work.

Dresses, simple dresses.

A dress is an artificial fabric that has the power of masquerating the essence of a life time, of moulding and shaping it depending of the occasion, the moment, the life that passes.

Custom-made dresses, custom made for the man.

The sartorial creations have wisely kept the body of a man or of a woman, clinging to their bodies at every moment of their existence, absorbing second after second the vital lymph, soaking of emotions, of feelings.

Of memory.

The sartorial waste used by Hormazd Narielwalla are those of the styles created custom-made for the Savil Row clients.

But already dead, dismissed of a life of appearance attentive to details, to the constant research of perfection. Dust we are and dust we’ll become again.

Or maybe, today: Dresses we have been, dresses we’ll remain.

Each dress has been cut, folded and pinched giving shape to a tridimensional human skull.

Just like a taylor’s fossil, found after long arqueological diggings by anthropoligists searching the meaning of Death in the modern Life.

In glass shrines, like modern relics, the skulls expose themselves accompanied by bidimensional collages that show the image in negative.

A fabric soaked with Life that testmonies an earthly existance.

Today raised to immortal Art in a last, devastating and intriguing fashion show.

More information on www.narielwalla.com

Observing her Autumn Winter 2012 collection, you immediatly notice the importance she gives to design, from the sculptures to the arquitectural constructions well matched to the functionality of the footwear she produces. The shoes are in fact real sculptures, from the vertiginous wooden heels and rich in details, like the leather strings that decorate it.

Her approach towards the creation of the pieces is very particular: the leather is immerged into the water and thanks to the shapes of the wood, they gain life. The final result? An unique pair of shoes and apparently stiff, that are born in a total natural way.

The lines are basic and Chloe never forgets the importance of the quality of the materials that seems to be the key element of her creations. The challenge of the designer is to develop new unique creation methods of the silhouette that allows her to make her profession more artistic, and thus avoiding the standard methods. She has also one hope: to be always more involved in the design of the fashion segment and earn more knowledged and expertise to become an independent and successful designer.

Chloe has already reached a few goals wining a prize as the best student and designer of the year 2010 and she has been selected to participate on the presentation of the British Fashion Council Digital.

Ciao Pavlove, come ti sei avvicinato all’arte?

Non credo di essermi mai avvicinato realmente all’Arte in senso lato. Mi avvicino alle cose che mi interessano, che poi sia un quadro di Picasso o un piatto di carbonara questo è un altro paio di maniche.

Parlaci del progetto fotografico Inneres Auge e raccontaci come è nato.

L’idea di Inneres Auge nasce nel 2009 a Berlino, città dove ho vissuto stabilmente per quasi due anni. La fotografia e l’arte passavano quotidianamente davanti ai miei occhi. Osservavo molto e producevo poco.  Una marea di input quotidiani che raccoglievo nella mia testa. Inneres Auge nasce poi concretamente alla fine di questo periodo una volta tornato a Milano. È stato una necessità. Volevo raccontare una storia e trovare un filo conduttore.

Come mai hai scelto di ritrarre artisti con gli occhi chiusi?

La verità è che l’idea di “chiudere gli occhi” agli artisti è nata per caso quando uno di loro dopo aver inizialmente accettato di farsi ritrarre aveva cambiato idea per timidezza, gli chiesi allora di provare a chiudere gli occhi. Il suo volto, teso e nervoso, cambiò completamente espressione. Bingo.  Eliminare gli occhi significa inoltre costringere chi guarda le foto a soffermarsi su altri dettagli, quelli dell’ambiente circostante ad esempio.

È stato difficile metterti in contatto con loro?

Il lavoro è nato in maniera naturale, all’epoca collaboravo con O’, un bellissimo spazio che promuove l’arte contemporanea a Milano. Ero in contatto con artisti sempre nuovi. Sono stati loro le mie prime cavie. Altri invece mi hanno snobbato pentendosene dopo, quando era troppo tardi. Non torno indietro, è un processo a direzione univoca.

Come hanno reagito stilisti, fotografi, attori, musicisti, designer di fronte alla tua richiesta?

Ci sono state le reazioni più disparate. Ma rimane di base un bellissimo atto di fiducia nei miei confronti. Molti di loro non conoscevano la mia reale identità.

Cosa vuoi comunicare attraverso questo progetto?

Inneres Auge è tante cose. È un gioco, un esercizio di stile, una ricerca sociologica, la foto è solo l’ultimo step di un lungo percorso, alcune  sono state scattate svariati mesi dopo i primi contatti con l’artista. Mi piaceva l’idea di fermare dei momenti. Degli attimi dalla durata infinita.

Ci hai accennato l’uscita di una curiosa applicazione scaricabile dall’Apple Store, di cosa si tratta?

Inneres Auge in collaborazione con un duo torinese chiamato Stream Hand Studio è diventata un Application scaricabile per smartphone. Ci piaceva pensare il progetto come un lavoro fruibile  anche su altre piattaforme comunicative. L’application permetterà a chi la scarica gratuitamente di conoscere a fondo gli artisti fotografati con informazioni più approfondite.

Altre foto di Inneres Auge sul sito personale di Pavlove www.pavlove.net

Per vivere da protagonisti assoluti l’evento di apertura della London Fashion Week presso l’agenzia di design Sheridan&Co, bisognerebbe partecipare dall’Aldilà, dopo una intera vita vissuta da fashion victim.

Dead Man’s Patterns – Memento Mori è l’esposizione in corso fino al 3 Marzo 2012 presso Sheridan&Co, 10A Blandford Street, London, W1U 4AZ.

Hormazd Narielwalla è un artista che crea collages.

Utilizza come materia prima per le sue opere modelli di sartoria.

Abiti, semplicissimi abiti.

Un vestito è un tessuto artificiale che ha il potere di mascherare l’essenza di una vita, di plasmarla, di modellarla a seconda dell’occasione, del momento, della Vita che scorre.

Vestiti su misura, a misura d’uomo.

Le creazioni sartoriali hanno custodito sapientemente il corpo di un uomo o di una donna, aderendo al loro corpo in ogni momento dell’esistenza, assorbendone secondo dopo secondo la linfa vitale, impregnandosi delle emozioni, dei sentimenti.

Della Memoria.

Gli scarti sartoriali utilizzati da Hormazd Narielwalla sono quelli di modelli creati su misura per clienti di Savil Row.

Ma ormai defunti, congedati da una vita di apparenza attenta al dettaglio, alla costante ricerca della perfezione.

Polvere siamo e polvere ritorneremo.

O forse, oggi: Abiti siamo stati e abiti rimarremo.

Ogni vestito è stato tagliato, piegato  e pinzato dando forma ad un teschio umano tridimensionale.

Proprio come un fossile di sartoria,  ritrovato dopo lunghi scavi archeologici di antropologi alla ricerca del significato della Morte nella Vita moderna.

In teche di vetro, come moderne reliquie, i teschi fan mostra di sé accompagnati da collage bidimensionali che ne mostrano l’immagine in negativo.

Un tessuto impregnato di Vita che testimonia un’esistenza terrena.

Oggi innalzata ad Arte immortale in un’ultima, sconvolgente ed inquietante sfilata di moda.

Maggiori informazioni www.narielwalla.com

Dal 2003 ci state regalando alcuni tra i migliori episodi di pop melodico italiano di ispirazione britannica. Le vostre ambientazioni sonore British sono cosa voluta? Quali sono le band che vi hanno influenzato maggiormente? Se dovessimo descrivervi a qualcuno che ancora non vi conosce, probabilmente azzarderemmo a definirvi “una versione Coldplay dei Radiohead”, immagine sicuramente riduttiva ma certamente efficace.

NICOLA: Strano, ho sempre pensato che “la versione Coldplay dei Radiohead” fossero i Coldplay. O al limite gli Snow Patrol. Scherzi a parte, in verità ci sentiamo molto legati alla musica inglese e a volte usiamo quelle sonorità per limitare le influenze pesantemente americane di alcuni di noi (sicuramente il sottoscritto). Penso soprattutto a dischi come Odessey and Oracle degli Zombies o Village Green Preservation Society dei Kinks, dischi splendidi e rappresentativi della psichedelia anni ‘60, senza dimenticare Elvis Costello per le strutture ritmiche, oppure i migliori episodi del northern soul, altro esempio emblematico di come America e Inghilterra possano andare d’accordo. Un’altra idea che ci piace molto è quella del concept, non solo tematico, ma anche “sonoro” presente in buona parte dei dischi inglesi dell’epoca, anche noi speriamo di essere riusciti a comunicare qualcosa del genere.

Quali sono le band della scena indie italiana che i News for Lulu prediligono? Ci sono collaborazioni in vista?

EMANUELE: Siamo molto incuriositi dalla scena indie italiana, anche perché grazie ad internet abbiamo la possibilità di tenerci facilmente in contatto con gli artisti che gravitano intorno ai nostri stessi ambienti, condividono gli stessi palchi e che soprattutto hanno gusti simili ai nostri. Abbiamo apprezzato all’unanimità il disco di Colapesce e io mi aspetto molto dal nuovo lavoro dei Drink To Me. Recentemente siamo tutti rimasti colpiti dai Japanese Gum, con i quali abbiamo suonato due sabati fa al Milk Club di Genova, davvero bravi, non escludiamo che in futuro possa scattare una collaborazione con loro, anche perché sono diventati nostri amici.

Come nasce un progetto come quello dei News For Lulu? Nel senso, proprio perché i vostri brani sono installati su una grande struttura melodica, a volte può essere difficile inserirsi in un contesto musicale come quello attuale in Italia, dove il pubblico più “commerciale” segue i Negramaro, a mio parere lontani anni luce da voi nel modo di lavorare sulle armonie. Oppure la gente è preparata più di quello che gli addetti ai lavori pensano, ad accogliere un sound elegante come il vostro?

UMBERTO: Negramaro & Co. rappresentano una specie di lutto per chiunque abbia una sincera passione per la musica, almeno qui in Italia. Ascoltare una loro canzone significa confrontarsi con la dura realtà dei fatti: per vendere qui da noi basta la riproposizione di vecchi brani del liscio, mascherati con sonorità pseudo-rock e arrangiamenti che ammiccano all’elettronica in modo approssimativo. Questo senza voler togliere nulla al liscio, che resta una parte della nostra cultura. Prendete Arriverà dei Modà: togliete le chitarre e le voci caricate all’inverosimile, metteteci una fisarmonica e vi ritroverete davanti al valzer con cui si sono innamorati i vostri nonni al ballo di paese. Tuttavia, non sono pessimista. Le persone iniziano a non accontentarsi più di ciò che viene loro propinato. Anche fra gli stessi “addetti ai lavori” (per quanto scrivere di musica non dia più da mangiare a nessuno) sta avvenendo un ricambio generazionale. Non la metterei dal punto di vista della “preparazione”, io spero che per apprezzare la nostra musica non sia necessario essere degli intenditori, forse basta solo essere un po’ curiosi.

Ci sono dei generi musicali che vi proponete di esplorare in futuro? Ultimamente ci avete stupiti introducendo nella vostra anima puramente pop un elemento elettronico di tutto rispetto.

MATTEO: Se guardiamo il nostro percorso affrontato fino ad ora, non è da escludere un nuovo cambio di rotta nella nostra musica. Di certo la componente melodica rimarrà ben radicata all’interno del nostro approccio ai nuovi brani, perché in fin dei conti siamo un gruppo pop e ci piace definirci così. Il fattore “sorpresa”, però, è forse il lato più bello dei News For Lulu: ci piace parecchio “deviare” un pezzo dalla struttura classica trasportandolo in un’atmosfera totalmente diversa, è anche il modo migliore per sfogare i nostri ascolti, tanto vari quanto importanti per il nostro percorso musicale. Lo stesso They Know (album uscito lo scorso settembre, ndr) ha segnato un passo in avanti rispetto al precedente album, grazie all’inserimento di una sezione di fiati negli arrangiamenti, mossa che probabilmente si sarebbero aspettati in pochi. In alcuni casi, i fiati ci hanno dato l’opportunità di concludere pezzi su cui eravamo indecisi e addirittura hanno risollevato le sorti di brani destinati ad essere esclusi dal disco. Il risultato ci ha soddisfatto parecchio e ci auguriamo di poter ripetere questa esperienza in futuro.

Quando ascolto una canzone dei News For Lulu trovo che il testo e la musica siano perfettamente integrati. Come nasce un vostro brano? Qual è il modo migliore per far sì che chi lavora alle parole sia sempre in sintonia con chi in quel momento si sta dedicando maggiormente alla parte strumentale?

UMBERTO: Non abbiamo una regola predefinita. Per They Know, ad esempio, ho scritto tutti i testi nello stesso periodo, quando la parte strumentale dei pezzi era già praticamente ultimata. Mi piaceva l’idea di amalgamare le diverse sonorità del disco con testi molto legati fra loro, non tanto dalla stessa tematica, ma dalle stesse sensazioni. Musica e testi non sono mai due compartimenti stagni e partecipare ad entrambi ti permette di non perdere mai il contatto. In genere, comunque, preferisco prima scrivere le linee melodiche (magari con parole senza senso) e dedicarmi al testo in seguito, quando la canzone ha un’atmosfera così definita da comunicarti, ispirarti o ricordarti qualcosa che puoi descrivere.

Spesso si riconosce un attaccamento regionale alle band e ad alcuni cantanti che provengono da alcune zone d’Italia. In una cittadina come Pavia, la scena musicale è viva, sostiene i suoi artisti? Il vostro luogo di origine è stato importante per lo sviluppo del vostro lavoro?

ANDREA: Difficile dirlo. Pavia è una città molto bella e vivibile, questo sicuramente favorisce l’incontro fra persone. D’altra parte, non si può certo dire che sia un luogo di fermento culturale. Anzi, nella tipica mentalità pavese c’è una sorta di pigrizia congenita oltre ad una “voglia di accontentarsi” a cui forse anche noi siamo soggetti, certe volte. Detto questo, le città di provincia, proprio per questi motivi, favoriscono l’aggregazione e la voglia di emergere. Non sappiamo se si può parlare di scena, di certo abbiamo diversi “gruppi amici” (Ultraviolet Makes Me Sick, Emily Plays, Green Like July) che sono mossi da passioni e ambizioni simili alle nostre.

Concluderei con una domanda sul vostro presente. Siete in tour in giro per l’Italia, come vivete le esibizioni dal vivo?

MATTEO: Siamo molto felici di poter suonare dal vivo! L’idea del live ci stimola sempre, soprattutto perché, oltre a divertirci molto, possiamo trasmettere questa sensazione alla gente. Alla base di tutto c’è sempre un grosso lavoro di preparazione, anche per riarrangiare i pezzi che proponiamo dal vivo. Ad esempio, non abbiamo sempre l’opportunità di portare la sezione fiati al nostro fianco, ma invece di considerare ciò come una mancanza, sfruttiamo l’occasione per cambiare gli arrangiamenti, a volte anche in modo radicale. Quello che cerchiamo nei live è instaurare il feeling migliore con il pubblico e meritarci la nostra ora di riflettori.

Osservando la sua final collection, si nota immediatamente l’importanza data al design, alle sculture e alle costruzioni architettoniche che si sposano bene con la funzionalità delle calzature che progetta. Le scarpe sono infatti vere e proprie opere in pelle e legno. Tacchi vertiginosi, ricchezza di dettagli e grande essenzialità.

Il suo approccio riguardo la creazione dei pezzi è molto particolare, la pelle viene immersa nell’acqua e grazie alle forme di legno, prendono vita. Il risultato finale? Una scarpa unica e apparentemente rigida, che nasce in modo totalmente naturale.

Le linee sono basiche e Chloe non dimentica mai l’importanza della qualità dei materiali che sembra essere l’elemento fondamentale delle sue creazioni.
La sfida della designer è quella di sviluppare nuovi metodi unici di creazione delle sagome che le permettono di rendere più artistico il suo mestiere, evitando in questo modo i metodi standard. Ha anche una speranza: quella di essere coinvolta sempre più nella progettazione del settore moda e acquisire conoscenze e competenze per poter diventare una designer indipendente e di successo.

Chloe ha raggiunto già dei traguardi vincendo il premio come migliore studentessa e designer dell’anno 2010 ed è stata selezionata per far parte alla presentazione del British Fashion Council Digital.

Capacità e bravura sono indubbie, Barbara lavora in un primo momento presso Roberto Cavalli, ove si tratterrà per circa due anni. E’ proprio qui che dimostra la propria abilità occupandosi essenzialmente del womenswear. Sonia Rykiel, Lanvin, Chloe, sono solo alcuni dei marchi con i quali si è confrontata questa giovanissima designer, uscendone sempre vincente. Dal 2011 ha deciso di fondare il proprio ominimo brand.

Per la sua prima stagione, quella invernale 2011, Barbara si fa portavoce di un minimalismo nuovo, dalle linee sobrie e calcolate, tagli precisi e sovrapposizioni di stoffe e colori. Giocando anche con le trasparenze. L’inverno di Barbara ci mostra una donna dalla sensualità velata e mai ostentata. I colori concorrono a tale effetto oscillando dal nero al grigio antracite, il porpora, il prugna e il color kaki, tutti accomunati da un’opacità brillante e ricercata.

Guardando poi alla stagione che verrà, l’estate 2012, ci si trova di fronte a lunghi abiti da moderna vestale, con drappeggi e plissé e ancora, una rielaborazione del consueto tailleur fino ad arrivare al capo che si è tanto riaffermato negli ultimi anni, la tuta monopezzo. Il taglio anche in questo caso si rivela essenziale e netto, impreziosito però da zip a vista che in alcuni modelli (s)copre il corpo della modella. L’effetto di semplicità voluto dalla designer viene massimizzato, se si pensa, ad esempio, che alcuni capi sono realizzati da un unico pezzo di stoffa, cui viene avvolto il corpo dell’indossatrice. Sono invece minimizzati i dettagli.

A farla da padrone è ancora una volta la ricercatezza dei materiali e ancor di più dei colori. La palette infatti parte da varie tonalità di rosa e nude, sfumandosi in grigi glaciali e nero pece. Ad essi si aggiungono anche giallo e tabacco.

Date un’occhiata al lookbook di Barbara, al sito www.barbaracasasola.com. Vedere per credere.

Tu e la fotografia, a quando il primo approccio?
L’incontro con la fotografia, in certo modo, è arrivato relativamente tardi. Sono sempre stata legata al mondo visivo, dal punto di vista dell’illustrazione, ma ad un certo punto non mi è più bastato, in quel periodo avevo esaurito la cartuccia della creatività così la fotografia è venuta da se.

Un ricordo fotografico.

Sicuramente quando ho ripreso in mano la vecchia Zenit, fu in occasione di un viaggio a Madrid. Ancora oggi quando guardo quelle foto ho un ricordo vivido e nostalgico.

Come ti relazioni con ciò che sta davanti alla tua macchina fotografica? Ma soprattutto, cosa ci osservi attraverso?

Cerco quanto più la luna m’ispira di trovare un senso alla scena, darle una ragione per cui dovrebbe esistere tra le mie immagini; solo dopo quest’operazione mentale trovo il modo più semplice per rappresentare quest’idea o concept, che dir si voglia.

A prescindere o meno dalla presenza della macchina, un buon occhio dovrebbe essere sempre curioso verso ciò che lo circonda: osservo tutto, in ogni momento, ho una costante fame visiva. Per indole tendo molto a soffermarmi sui dettagli, qualcosa che, in qualche modo, rompe uno schema.

Da dove trai ispirazione?

L’ispirazione è labile. Ad essere franca la maggior parte delle volte è musicale, per cui, quasi inconsciamente, tendo a rappresentare le sensazioni che una melodia o un album mi trasmette. Altra larga fetta della torta va sicuramente al cinema, di cui sono una discreta appassionata. Mi piace vedere l’angoscia, la claustrofobia, lo smarrimento e il dramma.

Analogico o digitale? L’attrezzatura che ti permette di concretizzare i tuoi progetti?

Una domanda difficile. A pelle preferisco la pellicola, ho una maggiore confidenza,però con in questa il mio perfezionismo latente si acuisce notevolmente rispetto al digitale in cui il margine di errore è più morbido, poi dipende dalle lune.

Nella mia borsa c’è (quasi) sempre l’amata Zenit 122 per quanto riguarda il piccolo formato, per il medio uso spesso una Zeiss Nettar e di recente ho acquistato una Kiev 60. Purtroppo il digitale non rende il confronto, ma del mezzo non mi è mai importato un granché, tant’è vero che uso una bridge Fuji.

Un fotografo che ammiri.

Sono molto interessata alla scena visiva italiana, la lista sarebbe lunga e finirei per dimenticarmi qualcuno. Taglio la testa al toro e dico l’inglese Ellen Rogers e su tutti Donata Wenders.

Un luogo, un libro e una canzone.

Il Quebec, “Rant” di Palahniuk e “Jewel” dei Cranes

Vi lasciamo con il suo Flickr.

Altewai.Saome si è riconfermato come uno dei nomi di punta della Mercedes Benz Stockholm Fashion Week, con una selezione di capi che viaggiano con equilibrio tra innovazione e stabilità. Una collezione che si contraddistingue per un utilizzo di patchwork di tessuti e linee che riescono a non esulare dal loro compito di ready-to-wear nonostante gli alti livelli di sperimentalismo.

Boomerang, forte della sua caratteristica intrinseca di sportività e dinamismo nordico scende in passerella con una collezione che mescola elementi casual a tratti estremamente preppy, con una sploverata di charme da campagna inglese. Si distanzia con decisione la linea di Busnel che mostra un concept ladylike piuttosto inedito per il fashion design svedese. Le cortissime giacche a doppiopetto sono intrise di una femminilità decisamente retrò, che ricorda un po’ le donne in carriera dei film anni ’90.

Cheap Monday è un marchio che non necessità grandi introduzioni. Raggiunta la fama mondiale principalmente con la diffusione dei loro jeans, aderentissimi e che hanno messo in un angolo il trend della vita bassa hanno poi scavalcato i limiti del denim per affermarsi anno dopo anno nella sfera del ready-to-wear. Quest’anno la collezione Cheap Monday gira attorno ad un’estremizzazione del concetto di casual, fatta di look da ragazzaccio composti da strati di stoffe sregolate. Ai classici skinny sostituiscono jeans oversize da strizzare in vita con cinture sottili.

Altro pilastro della moda svedese, Dagmar continua ad affermare il proprio amore per i giochi di stampe e pattern, dove linee architettoniche si mescolano a tessuti e colori realizzando creazioni che riescono a seguire le linee del corpo femminile senza diventare invadenti. La maturità del design di Filippa K si evince immediatamente guardando la sua collezione AI 2012/2013. Una grandissima vicinanza concettuale con le necessità pratiche e stilistiche della donne svedesi, che necessitano di capi caldissimi e al contempo femminili senza inutili frivolezze.

Hernandéz Cornet sceglie di utilizzare i princìpi dell’abbigliamento sportivo per snaturarli e rinnovarli. Linee essenziali, tagli dritti e tessuti tecnici che cambiano destinazione d’uso e scendono nei look urbani da tutti i giorni. Incredibile l’evoluzione che si registra nella collezione di Maria Nordström. La stilista dà prova di un’emozionante abilità sartoriale e creativa in una serie di creazioni sceniche che fanno riferimento ad un dualismo oscuro ispirato al balletto Il Lago dei Cigni e più precisamente al film del 2010 di Darren Aronofsky. Bianco, nero e generosi inserti di piume sono i protagonisti di vere opere d’arte in stoffa.

Con Mayla ci si immerge in un’atmosfera Charleston, dove abitini in seta e copricapi retrò accompagnati a morbidi tailleur rimandano all’epoca delle rivoluzioni della moda dove Coco Chanel e la sua liberazione femminile viaggiavano fianco a fianco con la costruzione di una femminilità sensualissima e consapevole.

Per Minimarket in scena bizzarri accostamenti di tessuti che restano nei limiti di una palette decisamente autunnale. Le trasparenze vengono smaliziate da ricami floreali infantili e da cascate di calde stoffe.

Totalmente fuori dagli schemi del design scandinavo troviamo Odd Molly che fa sfilare bamboline vezzose che sorridono vestite di colori sgargianti, fantasie allegre e si rendono femminili in aderenze e lunghezze da moderne pin-up. Essenziale ed elegantissima la collezione di Stylein dove una sapienza sartoriale evidente emerge dal design di capi essenziali e molto versatili. Colori che sfumano nelle pieghe di tessuti cascanti e che sottolineano silhouettes morbidissime.

The Local Firm gioca tutto su lunghezze mini. Sovrapposizioni di tessuti metallici e lana, trasparenze e coperture estreme. I tagli cortissimi vengono equilibrati da caldi avvolgimenti, i colori brillanti come l’arancio e l’oro sono mitigati dal nero intenso e dalla neutralità dei grigi. La leggerezza delle bluse e dei mini e maxi abiti in seta di Tiger of Sweden è accompagnata da caldissimi cappotti in pelo o dalla linea sartoriale. Sfumature e spruzzi di ombreggiature si alternano a colori tipicamente autunnali, il ruggine su tutti.

Per V Ave Shoes Repair tutto resta nella dialettica tra bianco e nero. I non colori vengono arricchiti da inserti architettonici che creano interessanti movimenti e impreziosiscono l’essenzialità delle linee. Con Whyred si ritorna nel pieno della tipicità svedese. Una collezione che riutilizza i topos della moda maschile per conferirgli una femminilità dinamica e senza eccessi.

Tentando di tirare le somme di una Settimana della Moda così eterogenea e in costante evoluzione l’attenzione si pone come sempre verso la freschezza e la creatività degli stilisti scandinavi. L’abilità nel dare vita a collezioni di ready-to-wear strettamente connesse a necessità e modus vivendi legate al territorio di appartenenza è ciò che fa del design scandinavo un interessantissimo esempio di applicazione del genio creativo che riesce  a valicare i confini di appartenenza per diffondersi a macchia d’olio, particolarmente da un punto di vista concettuale e d’ispirazione.

Domanda di rito: come nascono i FASK?

FASK: I Fask nascono dall’incrocio di varie band locali, alcuni di noi suonavano insieme in diversi progetti. Un giorno ci siamo riuniti in sala prove e abbiamo visto che ci trovavamo bene a suonare insieme, per cui abbiamo deciso di creare un progetto comune e fare i rocker. L’idea del nome prende ispirazione da un reality show di un famoso cartone americano, I Griffin: Fast Animals and Slow Kids per l’appunto, in cui si vedono degli animali molto veloci che inseguono dei bambini molto lenti. A guardarli ci faceva ridere e tuttora ci fa ridere. Dal modo in cui è nato il nome della band puoi capire che il nostro progetto si basa sul divertimento ed il cazzeggio puro.

Il vostro primo album, Cavalli, è prodotto da Andrea Appino (Zen Circus) e registrato da Giulio Ragno Favero (Teatro degli Orrori, One Dimensional Man). Come è nata questa collaborazione?

AIMONE: Diciamo da una botta di culo.

In che senso?

AIMONE: No, no. In senso metaforico! Intendo colpo di fortuna. Abbiamo fatto il nostro secondo concerto aprendo gli Zen Circus, quando ancora cantavo metà in inglese e metà in italiano e loro erano abbastanza incuriositi dalla nostra musica. Successivamente abbiamo vinto l’edizione 2010 dell’Italia Wave e durante quel concorso suonavamo prima di Alessandro Fiori che era accompagnato dagli Zen Circus. Loro ci hanno rivisto suonare e ci hanno proposto di collaborare per noi, sia per la produzione artistica sia per quella discografica. Hanno trovato del talento musicale ancora un po’ acerbo, ma con delle grandi potenzialità da tirare fuori. La partecipazione di Favero è avvenuta successivamente, sempre tramite Appino. Entrambi hanno contribuito con la loro esperienza e competenza alla nostra crescita artistica.

Come mai avete scelto di cantare in italiano mettendo da parte l’inglese?

AIMONE: Mi sono reso conto che mi veniva meglio cantare le canzoni in italiano, anche per la padronanza della lingua. Nei miei precedenti progetti io suonavo solo gli strumenti. Solamente con i Fask ho iniziato a cantare, per cui il passaggio dall’inglese all’italiano è stato quasi fisiologico. Man mano che ho iniziato a cantare riuscivo a capire fin dove riuscivo a spingere la voce e verso quali lidi approdare e dove orientarmi. Devo capire ancora tante cose sulle tecniche del canto.

Sono colpita positivamente dall’uso che fai della tua voce. Il modo in cui riesci a modularla a seconda dei brani, l’uso delle pause e l’impostazione teatrale del timbro vocale.

AIMONE: Grazie, ma ti assicuro che a livello fisico e tecnico ho tanto da imparare, non a caso qualche volta mi capita di arrivare alla fine di un concerto senza voce.

Perché avete scelto come titolo dell’album, Cavalli?

ALESSANDRO: Le canzoni non hanno alcun filo conduttore tra di loro, per cui abbiamo pensato di scegliere un titolo che non c’entrasse nulla. Ad Alessio è venuta in mente la parola cavalli. E’ stata una scelta priva di senso e logica, inizialmente abbiamo pensato ad una serie di parole che non ci convincevano fino in fondo. Inizialmente la copertina del disco doveva essere l’immagine di un cavallo che cadeva all’indietro con un fantino sopra. Si tratta di un famoso cavallo da corsa inglese degli anni ’70, che aveva fatto questa caduta assurda durante la sua ultima corsa. Il fotografo che l’ha ritratto però ci ha  chiesto per la sua foto 500 sterline e per noi era troppo costoso.

Come nascono le musiche e i testi dell’album?

FASK: Quasi sempre nasce prima la musica e dopo i testi. Abbiamo stabilito una sorta di regola:una base musicale deve piacere e convincere tutti, altrimenti viene eliminata. Per quanto riguarda i testi invece, prima proviamo delle linee vocali inventando parole a caso e poi in fase di arrangiamento nasce il testo vero e proprio. Aimone ed Alessio lavorano sui testi.

Ho ascoltato l’intero album e trovo i vostri pezzi interessanti e particolari. Mi divertono, mi fanno riflettere e rimandano emotivamente a situazioni mentali che condivido. In Guerra (tra l’altro l’incipit con il pianoforte è davvero bello)  con la frase “Ma ti giuro che io è la cosa più distante da me” cosa volete comunicare?

ALESSIO E AIMONE: Innanzitutto teniamo a precisare che tutti i testi del disco si basano sulle nostre esperienze personali, parliamo di cose che ci circondano. Tema portante in Guerra è il conflitto interiore, in quella frase in particolare intendiamo semplicemente dire che quello che facciamo in realtà è molto più distante dalla natura che siamo.

Cosa pensate della partecipazione ai concorsi, delle collaborazioni artistiche con musicisti affermati, dei social network e della comunicazione in generale?

FASK: Non tutti i concorsi sono validi, soprattutto quelli in cui è prevista una votazione on line, perché spesso accade che i voti vengano “manipolati”. Questo però non è il caso di Italia Wave, perché è presente una giuria seria e competente che vota in maniera imparziale le band. Certamente le collaborazioni sono utili e ti aiutano ad aprirti alcune porte. Le recensioni, l’ufficio stampa trovano i canali giusti e danno maggiore visibilità, ma tutto questo senza un talento musicale dietro non basta.

In quale contesto potrebbe essere usata la vostra musica?

FASK: Dipende da ciascuna canzone. Guerra in un mattatoio. Lei al 190 della Vodafone. Organi al supermercato. Nervi in un centro massaggi. Cioccolatino per la Perugina.

Siete molto giovani anagraficamente parlando:cosa vi piacerebbe fare da grandi a parte le rockstar?

AIMONE: Sono iscritto alla facoltà di Biotecnologie, per cui potrei provare a trasformare un uomo in lupo o in una mosca, ma non si può fare per questioni bioetiche.

ALESSIO: Io studio all’Università degli Stranieri e per me un lavoro vale  l’altro perché in fondo l’unica cosa a cui bramo è suonare.

ALESSANDRO: Io studio Ingegneria per cui mi piacerebbe fare l’ingegnere magari sempre in ambito musicale.

JACOPO: Il fonico di studio.

Se ciascuno di voi dovesse paragonarsi ad un animale per similitudini fisiche o caratteriali, quale sarebbe?

JACOPO: Un’alce perché tempo fa portavo un taglio di capelli simile alle corna dell’alce.

ALESSANDRO: Mi chiamano Orso per via del fatto che sono chiuso ed introverso.

ALESSIO: Sarei un petauro, un marsupiale, perché è un animale ghiotto come me.

AIMONE: Una iena perché ride sempre in maniera cattiva degli altri (così dice il resto della band).

Piccola nota. Al termine dell’intervista, la nostra Anice e Alessio hanno iniziato a scrivere un possibile testo musicale, non proprio sdolcinato, e la foto appena sopra, con la quale vi lasciamo, ne è la testimonianza: www.myspace.com/fastanimalsandslowkids

Il cinema e la moda del 2012 hanno scelto come luogo dell’anima i ruggenti anni Venti. L’epoca delle flappers, del proibizionismo, delle feste sfrenate, ma anche della mobilità, dell’indipendenza, dei mutamenti economici, della produzione di massa, delle nuove fabbriche, dell voto alle donne. Sono gli anni in cui inizia l’ossessione per bellezza e magrezza, ma anche quelli di donne intraprendenti, Edna ST.Vincent Millay, la tennista Suzanne Lenglen o ancora la pilota Amelia Earhart. Non a caso i ’20s sono anche il periodo in cui vengono ambientati i films di maggiore successo degli ultimi mesi, Midnight in Paris di Woody Allen ed il pluricandidato agli oscar The Artist. L’era del jazz sicuramente potrebbe rivaleggiare, forse, con la Belle Epoque. Non è un caso se il personaggio di Marion Cottilard in Midnight in Paris scelga di barattare con essa i ’20s. L’opera di Michel Hazanavicius, invece, con Jean Dujardin e Bérénice Bejo, è un omaggio alla sofisticata leggerezza del cinema muto.

Negli anni ’20 Hollywood è ai suoi albori. La cinepresa si apre ad un mondo nuovo, stanco di sacrifici e morte e desideroso di libertà e divertimento. Protagonista delle pellicole è un tipo di donna forte,vitale: la flapper. Il termine, che originariamente indica il rumore dello sbattere di ali degli uccellini al loro primo volo, è legato al fruscio dei vestiti delle ragazze che ballano il charleston. Sono giovani donne emancipate, che, con il loro comportamento disinibito ed irriverente sfidano le convezioni sociali. Sono soggetto di alcuni degli scatti più interessanti di fotografi indimenticabili, dai reportage sulla vita di Brassaï, alle distorsioni di Kertesz, dall’eleganza formale di Edward Steichen e Man Ray fino ad arrivare a Dosneau.

Le flappers si vestono con abiti corti, pratici, ma glamour: perline di vetro, frange di seta, scollature. Il punto vita si sposta all’altezza dei fianchi, il seno viene schiacciato, i capelli cortissimi, la magrezza, si vuole richiamare l’idea di pubertà, di eterna giovinezza, cosa che rimane di grande attualità ancora oggi.

Quintessenza della  flapper è sullo schermo Clara Bow: carina, sfacciata, smaliziata, impudente, spesso poco vestita e dotata di uno splendido talento per la vita. Clara nasce a Brooklyn da una famiglia disfunzionale, la madre soffre di schizofrenia, il padre, quasi sempre ubriaco, abusa sessualmente della figlia. La piccola si rifugia nella finzione del cinema. Ha sedici anni quando, dopo aver vinto un concorso per volti nuovi indetto dal giornale Motion Picture Classic, la Paramount la nota e mette sotto contratto.
Lo studio prende quel maschiaccio della periferia di New York e trasforma la sua immagine in una flapper. I capelli si accorciano ed acconciano con bobs o finger waves, lo stesso fanno i vestiti, lasciando vedere le gambe e le calze in rayon color carne. La figura si orna di perle e frange , sul viso compaiono black kohl, blush e rossetto rosso, ai piedi le immancabili le Mary Jane. «Avevo creato una Clara Bow – dice la stessa attrice – in parte essendo me stessa,in parte rispecchiando il desiderio e l’immaginazione del pubblico». Non ha l’aspetto tipico degli anni ’20, non è congelata nella pubertà di Mary Pickford, né possiede l’esotismo di Theda Bara, né l’intoccabile glamour di Gloria Swanson. Quella della Bow è una franca sensualità, è magnetismo, vitalità, vibrante bellezza. Poco prima dei 18 anni lascia la grande mela per Hollywood. Una notte mentre sta dormendo e la madre cerca di tagliarle la gola con un coltello da macellaio, « Ti ucciderò. Sarà meglio» le dice. Di lì in poi inizierà a soffrire d’insonnia.

La sua carriera inizia ad ingranare, il suo agente Max Alton la definisce una macchina emotiva, è energia, è viva, degna di un quadro di Tamara De Lempicka. È una delle prime donne ad interpretare ruoli forti, ragazze lavoratrici, che addomesticano gli uomini. Nella commedia “It”, tratta da un racconto di Elinor Glyn, impersona Betty Lou Spencer, commessa di un grande magazzino, la Bow, si innamora del suo capo. È questo ruolo che la consacrerà diva. L’“it” del titolo può essere inteso come sinonimo del sex appeal, ma è anche altro, è la qualità che distingue dagli altri, é fiducia in se stessi e disinteresse del giudizio altrui. Le ragazze la imitano, i ragazzi la amano, gli anziani la vedono come un segno dell’apocalisse: tutte condizioni per essere una star. È influente a tal punto che l’eroina dei fumetti Betty Boop verrà disegnata ricalcando le sue fattezze.

Milioni di fans, indossano quello che lei indossa, fanno il broncio alla sua stessa maniera, ballano come lei, si truccano a suo modo. Sulla sua popolarità dice: «Non credo di essere molto diversa da qualsiasi altra ragazza, eccetto per il fatto che lavoro di più ed ho sofferto di più. E ho i capelli rossi». Ma qualcosa in più lo ha, un quid che la rende anche l’attrice preferita di Al Capone. Sono infatti i locali dove si beve alcool di contrabbando e si balla fino all’alba quelli che Clara frequenta e che sono tornati ad incantare il pubblico oggi nello stupendo serial “Boardwalk Empire” dove proibizionismo, gangsters e belle donne la fanno da padroni. Già nel ventennio il cinema diventa un veicolo per fare degli spettatori dei consumatori e La Bow è una macchina da propaganda, è una trend setter ante litteram, spianando la strada a tutte le future it girl, da Audrey Hepburn ad Alexa Chung. Lancia i sailor pants, le gonne a pieghe, i capelli alla garçonne. Il pubblico la segue al cinema e nelle vicende sui fan magazines, legge dei suoi amori con John Wayne, Bela Lugosi, Gary Cooper e Victor Fleming. Negli anni in cui Freud inneggia all’abbattimento delle proprie inibizioni, è proprio il vociferato desiderio sessuale che la rende credibile nelle parti scandalose e la marchia sullo schermo come la ragazza sexy, tanto da venir definita la Madonna dell’era del jazz. Ha quello che William Wyler chiamerà “l’impatto carne”.

Clara è flapper al cinema, ma, a dispetto dei pettegolezzi, non nella vita. È troppo oscura, malinconica, inquieta al limite dell’isteria. Spente le luci della ribalta è sola, come in un quadro di Hopper. La sua gioia più grande è il lavoro. Le pellicole che gira si susseguono e la tecnologia cinematografica fa passi in avanti. Arriva il sonoro. È il 1929 ed un nuovo ostacolo compare sulla strada della scarmigliata star: il microfono. La Paramount le concede solo due settimane di prove. Clara è spaventata dal nuovo mezzo, la sua voce le sembra troppo stridula, l’accento di Brooklyn troppo marcato. “The Wild Party” segna il suo debutto con il sonoro, “Salve a tutti“ è la sua prima battuta. Poi arriva la depressione economica e la gioia consumistica che aveva incarnato sembra ora inopportuna. La Paramount prende la palla al balzo e le rescinde il contratto. Fa alcuni films con la Fox, ma la sua carriera è finita. A 23 anni Clara Bow è la prima star in America, nel’31, a 28 anni si ritira, dopo aver sposato l’ex stella-cowboy Rex Bell, in un groviglio di scandali.

La sua vita prosegue tra insonnia, ipocondria, tentativi di suicidio, fino a che nel ’49 le viene diagnosticata la schizofrenia. A chi la intervista, anni dopo il suo ritiro dalle scene, confida: «Noi avevamo personalità. Facevamo ciò che ci piaceva. Facevamo le ore piccole. Vestivamo nella maniera che volevamo. Ero solita andare giù per Sunset Boulevard nella mia Kissel decapottabile, con alcuni Chow a pelo rosso che facevano pendant con i miei capelli. Oggi,sono assennati e attenti alla salute. Ma noi ci divertivamo molto di più». Muore davanti alla tv mentre guarda un film con Gary Cooper diretto da Fleming, quando si dice segno del destino.

La sua ascesa e caduta è collegata da un filo con quella di Marilyn Monroe, a tal punto che la bionda attrice renderà omaggio alla star del muto travestendosi da Clara in un celebre scatto di Avedon. Entrambe famosissime, iconiche, imitate, chiacchierate, unite da un famelico bisogno d’amore. Entrambe con madri instabili, una psiche fragile ed una vita colma di solitudine.

La flapper torna attuale oggi. Dall’eleganza senza tempo di Emporio Armani ai toni pastello di Ralph Lauren, dalle riprese geometriche, in bianco, nero ed oro di Gucci. Marchesa, Marni e Etro catturano lo spirito charleston con modelli sfavillanti di frange, mentre Alberta Ferretti e Marc Jacobs fanno sfoggio di cloche in un revival romantico e sofisticato.

Il glamour delle flappers diventa una necessità per le donne. Clara Bow resta emblema, a volte dimenticato, di un silenzio eloquente. Resta simbolo di un’epoca irripetibile fatta di Freud, femminismo, produzione di massa, jazz, proibizionismo in cui, dopo le privazioni della guerra, trionfò l’Art Decò, la moda libera ed innovativa di Chanel e Patou, la letteratura di Fitzgerald e Henry Miller, ma soprattutto una donna libera e forte di cui tutte siamo figlie.

Cupa ed inquietante, questi alcuni aggettivi usati per descrivere la tua arte. Daniele Cascone invece com’è?
Credo (e spero) meno cupo e inquietante di come talvolta la gente che non mi conosce mi immagina. E, al tempo stesso, chi mi sta vicino, sa che il mio stile è strettamente legato alla mia personalità. Ma non mi va di recitare la parte dell’artista maledetto o del depresso tormentato, poiché non lo sono. Mi definisco un pessimista cronico e disilluso, ma che ride più spesso del migliore degli ottimisti e che vuole ottenere quanto più possibile dalla vita. D’altra parte, come Pirandello insegna, siamo uno, nessuno e centomila e la mia arte esprime solo un lato, peraltro intimo, di me.

Il pittore lo immaginiamo con tavolozza e colori, lo scultore con martello e scalpello. I tuoi abituali strumenti di lavoro invece quali sono?
Reflex, faretti, fondali e, soprattutto, tante cianfrusaglie che assemblo e modifico in continuazione, quindi anche chiodi, martello e tenaglia fanno parte dei miei strumenti di lavoro preferiti. Poi, naturalmente, un computer con il quale do un senso a tutte queste strane “attività da cantiere” che si alternano nel mio studio.

L’apporto della digital art può essere una scintilla d’innovazione o è, al contrario, il colpo di grazia per definire obsoleta quella che più comunemente viene definita arte classica?
Non credo che sia una tecnica a far diventare superata una proposta artistica, bensì le idee che quest’ultima riesce a veicolare. Il digitale non è altro che una tecnica e come tale bisogna analizzare cosa viene presentato da coloro che la utilizzano. Ho visto artisti digitali proporre concetti superati da secoli e puristi della pittura portare innovazione e freschezza.
Sicuramente il digitale fornisce numerose possibilità espressive e, di conseguenza, ci sono state parecchie rivoluzioni in campo artistico ma, superato l’entusiasmo iniziale, l’unico aspetto determinante è quello che da sempre ha spinto l’arte: gli uomini e le loro idee.

Quanto conta un buono scatto di partenza e quanto invece il lavoro di postproduzione/costruzione?
Ho avuto diverse fasi nella mia evoluzione artistica e se in passato la fotografia contava poco, a volte nulla, adesso è prioritario che lo scatto di partenza sia adatto all’elaborazione che andrò a fare. A volte realizzo più di cento scatti per ottenere una singola foto, di conseguenza l’elaborazione, pur se fondamentale, richiede meno impegno e ha minore peso all’interno del processo creativo.
Ma più della buona foto, ha importanza l’allestimento della scena: se gli oggetti che dispongo si adattano bene e riescono a dare la potenza visiva che mi prefiggo, allora mi trovo già a un buon 80% del mio lavoro.

La tua arte: un modo per estraniarsi dalla realtà, o un modo per raccontarla?
Rispondo con una frase che è  un controsenso: è un modo di percepire una realtà che non esiste da nessuna parte, a volte neanche dentro di me.

Dove o come trovi  l’ispirazione, è difficile reinventarsi continuamente?
Reinventarsi è la cosa più difficile in assoluto: un processo lungo che spesso porta con sé dei fallimenti. È la cosa che trovo  più fastidiosa, dove la voglia di esplorare e realizzare fa a pugni con la mente, tenendomi sempre nervoso, inquieto, insoddisfatto, anche dopo aver raggiunto un successo. È la testardaggine e il sapere che non posso farne a meno, a tenermi sempre in carreggiata.
L’ispirazione invece è qualcosa di più confortante, più facile da ottenere. Spesso la trovo in canali diversi da quello della fotografia, come il cinema e la letteratura, e non mi precludo nessun genere. Anzi, è propedeutico  interessarsi di cose lontane dal mio punto di vista.

Un artista italiano che ti piace particolarmente e che ci consigli di tener d’occhio?
Ce ne sono sicuramente tanti, ma adesso mi viene in mente Roberto Kusterle.

Un libro, un film e una canzone.

Di recente ho letto “Q” di Luther Blissett (oggi conosciuti come collettivo Wu Ming), e mi ha appassionato come non mi accadeva da tempo. Ieri ho rivisto dopo tanti anni “Uccellacci e uccellini” di Pier Paolo Pasolini. Adesso sto ascoltando un CD dei Paradise Lost ed è appena terminato il pezzo intitolato “Forever Failure”.

Qualcosa che vorresti dire, ma che non ti è stato chiesto?
No, non sono pazzo!
È arrivato il momento di salutarci. Esprimi un desiderio.
Partire nuovamente per qualche meta lontana.

Ringraziando Daniele, vi lasciamo visitare il suo sito www.danielecascone.com

Also very interesting the photo shooting, done by Bertrand Le Pluard, for the presentation of the collection: the location is a factory, a group of model-workers dressed Jacquemus become the alternative protagonists of a real and everyday story.

For once is not the glamour image of fashion to catch your eye, but the realistic and human approach that conciliates the “beautiful” to the normality.

The Spring Summer 2012, entitled Le Chenil, (the kennel in French) will be also inspired in the hardworking women’s world, in this case the top model Caroline de Maigret will impersonate the owner of a doghouse, a quite lonely one.

Hi Simon, can you tell us something about yourself?
I’m 22, i come from the south of france, the 2012 spring summer  it’s my 4th collection. I like Marie Laforet, isabelle ajdani and Valeria Golino , I love Valeria in ” Respiro”.

When and how did JACQUEMUS start?
I started jacquemus more than a year ago with my first collection “l’hiver froid”. It was time for me to do something concrete. Not to wait around, and do something by my own. I’m a self made designer.

Which are the major inspirations for creating your collections?
First of all my mother and the south of France “La provence” are always in my mind. But actually i can be inspired by everything, like a job, a woman, or just seing an old video of french pop music on youtube

How would you describe your style? Who or what influenced it?
I always start with a story and not with the clothes. I like to create a story, and make the costumes after. Never the opposite.
I like uniforms, i’m kinda obsessed with this idea, aesthtically I think it brings something strong. I like the idea “all or nothing”, the idea you can love it so much or hate it. I feel i am taking more risks in doing a collection of repetitions.

How do immagine the woman who dress JACQUEMUS?
With uniform i guess, a simple woman. It’s not a fashion exercice, just really simple dresses. Something timeless.

Which materials do you prefer using for your clothings?
Simple fabrics like wool, coton, linen. Somethin raw.

Future projects for you and your brand?
A new collection, a new story to tell, meet new people, and try to do my best for my brand.

Can you suggest a place in Paris that one should not miss?
My neighbourg the 18 arrondissement, I hang around in this area. I don’t necessarily go outside my confort zone. Maybe “Les puces de st Ouen” the flea markets in north paris, which are not very far. If I could spend some money on furnishing my flat, I’ll definitely splurge there. I’m not into the design part of it, but there are many different styles, you can find cool stuff, old pearls, ancient  granny-style dresses, it is very inspirational. And I like the atmosphere, the mix of people.

A brand that takes inspiration from very unusual situations focusing, overall, on the world of working women. A lone voice.

I loro testi, infatti, raccontano di crisi, politica e amore disilluso, usando un linguaggio cinico, pungente e satirico.

La musica de Lo Stato Sociale si può definire, citando il loro primo Ep, come “Welfare pop” contaminato da suoni acrilici.

Questa è solo una breve introduzione al mondo de Lo Stato Sociale, c’è chi preferisce recensirli, noi vogliamo raccontarvi il nuovo album e il loro punto di vista, in un dialogo tra la nostra collaboratrice Anice e i vari elementi dell’attuale formazione.

Come e quando ha inizio l’avventura de Lo Stato Sociale?

LODO: Nascono ufficialmente nel 2010 con l’uscita del primo Ep, Welfare Pop. Inizialmente eravamo in tre: io, Bebo e Alberto, che oggi non è presente perché è influenzato. Siamo amici da molto tempo, ci siamo conosciuti facendo una trasmissione radiofonica per radio Città Fujiko qui a Bologna. Quest’estate sono subentrati Francesco e Carota.

FRANCESCO: Ero subentrato per sostituire momentaneamente Bebo e alla fine hanno deciso di “adottarmi”.

LODO: Si, l’abbiamo voluto con noi per il suo ottimismo e l’allegria. All’inizio abbiamo cominciato a suonare con stile “paraculo”: eravamo partiti con l’idea di fare una cosa super trash, poi invece abbiamo iniziato a fare tante date in giro per l’Italia e abbiamo deciso di iniziare a fare musica seriamente. Probabilmente il pubblico che ci segue da sempre non è in grado di cogliere questa differenza.

BEBO: La differenza tra lo Stato Sociale degli esordi e quello attuale si può cogliere nella scaletta dei pezzi che proponiamo durante i concerti. Le canzoni del primo Ep non vengono più suonate o non sono state suonate affatto: ciò che non viene suonato durante i nostri concerti è quello che ci appartiene meno. Non siamo una di quelle band che vogliono suonare a tutti i costi l’intero repertorio. Cerchiamo di essere “il qui ed ora” di noi stessi.

Ho avuto l’impressione, ascoltando l’album, che in alcuni pezzi oltre alla denuncia e alla ribellione dello status quo, ci sia una certa canzonatura (ovviamente in maniera totalmente bonaria) del nostro Paese, mi sbaglio?

BEBO: Le canzoni sono molto diverse tra loro per le tematiche e le modalità in cui nascono. I testi sono scritti da me, Lodo e Alberto. In generale siamo tutti parecchio scoglionati e buttiamo fuori questo stato d’animo in un contenitore ludico. Questa è la formula che ci lega di più nel fare musica.

LODO: Noi scriviamo con onestà quello che percepiamo. Non c’è la visione che domani il mondo sarà un luogo bellissimo, noi percepiamo lo stato di insofferenza delle persone. Per avere l’idea di un mondo diverso, bisogna prima guardare onestamente la realtà, bisogna sviscerare tutto e prendersi per il culo fino ad arrivare ad una convinzione di verità in cui riconoscersi.

BEBO: Ho potuto notare dalle recensioni  e critiche che ci hanno attribuito che si sono aperte due fazioni: c’è chi ci definisce dei “poser” , dei falsi perché viviamo nell’oro e ce la spassiamo, per cui non viviamo assolutamente ciò che scriviamo nelle nostre canzoni. Altri invece ci definiscono troppo cinici, che non offriamo verità alternative. Io mi pongo al centro di queste fazioni : il nostro repertorio è costituito da alcuni brani che sono edulcorati e da altri che invece sono molto duri e crudi.

Come mai il titolo dell’album, Turisti della democrazia?

BEBO: È un riferimento ad una frase di Berlusconi che ha pronunciato in Europarlamento. Lodo ha colto al volo questa uscita semantica  per ispirarsi al titolo dell’album.

I vostri live hanno una forte caratteristica di performance teatrale. Mi chiedo se le follie che vengono fuori sul palco sono delle improvvisazioni oppure è tutto preparato e studiato.

LODO: Sono improvvisazioni, ovviamente quando fai 150 date in un anno e mezzo acquisisci anche un repertorio di improvvisazioni, è inevitabile. In genere niente è studiato o calcolato, infatti tutti i nostri concerti sono sempre diversi tra loro. Creiamo momenti di imbarazzo e scompiglio. Ci sono dei pezzi che durano  5 minuti, ma durante l’esecuzione ci fermiamo mettendo in atto delle scene che ne prolungano la durata.

BEBO: Abbiamo la fortuna di avere come frontman Lodo, che è un accademico del teatro per cui è bravo a coinvolgerci e a gestire la scena.

Ad ogni modo il vostro ruolo di affiancamento non è da sottovalutare. Non è semplice rispondere spontaneamente e con immediatezza, creando lo stesso coinvolgimento.

LODO: Sono d’accordo. Per poter stare sulla scena bisogna possedere due qualità : l’istintività e la capacità di abbandono e controllo. Loro sono bravi e istintivi.

CAROTA: Mi ricordo che durante il primo live non capivo assolutamente cosa stesse accadendo. Mi sono domandato, “Ma che cazzo sta succedendo?”.

FRANCESCO: Anche a me è successa la stessa cosa. Durante il primo live c’erano le spie che funzionavano ad intermittenza, così avevo smesso di suonare. Poi guardandomi intorno ho visto che tutti suonavano come capitava e così ho iniziato a fare lo stesso.

BEBO: Noi come attitudine ci sentiamo una band punk. Se potessi, suonerei in mezzo alla gente. Ci piace sentirci parte del pubblico. Tutti noi abbiamo subito influenze della scena punk e hard core sia straniera che italiana.

Rispetto al vostro primo Ep ad oggi, c’è una continuità nel vostro progetto oppure un cambiamento di rotta?

BEBO: C’è stato sicuramente un cambiamento di rotta, partendo innanzitutto dalla formazione della band piuttosto che dal punto di vista funzionale del suono. Nel secondo Ep, L’amore ai tempi dell’Ikea, ad esempio, c’è una forte presenza di fiati ed archi, che non sono presenti nell’ultimo album. Chiaramente è un percorso, nel senso che abbiamo ripreso alcune canzoni già editate e le abbiamo arrangiate nuovamente. Tutto questo ci lega al passato , mentre i nuovi pezzi hanno un suono differente. Tutto il nostro progetto resta comunque riconoscibile. È una continuità nell’allontanarsi dalle cose che abbiamo fatto in precedenza.

Sono frequenti nelle recensioni i paragoni tra voi ed I Cani per la musica, le tematiche trattate e le modalità in cui entrambi avete esordito.

BEBO: Certamente ci inseriamo in un contesto musicale affine. Entrambi leggiamo la contemporaneità di ciò che viviamo. Dal punto di vista dell’estetica sonora ci sono delle similitudini, ma i Cani sono vincolati da un synthpop classico. Con questo non intendo dire che loro sono migliori di noi o viceversa. Il processo produttivo delle nostre canzoni vive del fatto che siamo cinque elementi che contribuiscono tutti al progetto musicale. Dietro il lavoro de I Cani c’è un unico autore.

LODO: C’è sicuramente un’analogia musicale: siamo entrambi un fenomeno esploso attraverso il web. Noi siamo stati iper-cliccati senza che alcun critico parlasse di noi. I Cani hanno attorno a sé una costruzione mediatica portata avanti in maniera intelligente. Noi invece ci siamo fatti conoscere attraverso tantissimi live in  giro per l’Italia. Riconosciamo un valore profondo ai concerti, sia quelli piccoli nel bar sotto casa che quelli a cui partecipano 300 persone che conoscono a memoria le tue canzoni. Il valore e la responsabilità di questo processo li sentiamo tantissimo.

Traggo spunto da Welfare pop e vi chiedo di farmi un breve elenco di regole per il benessere dell’individuo.

LODO: Dare il giusto valore alle cose. Beh, detto così sembra una risposta data a Famiglia Cristiana. Intendo dire che ogni tanto, senza dover degenerare nell’anarchia dove tutti si ammazzano ( cosa che non mi dispiacerebbe), bisognerebbe ricordarsi che il denaro non esiste, non è importante. Sarebbe bello poter suonare gratis  e non dover far pagare i nostri cd, poter essere finanziati dallo Stato. Magari scaricare gli Ep dal 740, questo sarebbe il nostro mondo ideale.

BEBO: Per un periodo il nostro slogan è stato “musica della mutua”, perché è musica che facciamo per chiunque.

FRANCESCO: Non prendersi mai troppo sul serio.

CAROTA: Essere empatici: guardare il mondo attraverso lo sguardo degli altri.

BEBO: Una sana e robusta colazione tutte le mattine.

LODO: Fare merda in tutte le accezioni possibili.

Ringraziamo Lo Stato Sociale per la disponibilità e intanto vi invitiamo a gustarvi Turisti della Democrazia direttamente al link www.garrinchadischi.bandcamp.com
Che altro aggiungere, se non buon ascolto?

Le recenti mostre Elogio del dubbio e Il mondo vi appartiene, a cura di Caroline Bourgeois, sono due esposizioni complementari che propongono diverse generazioni di artisti – alcuni celebri, altri meno noti al grande pubblico – rappresentanti l’arte di oggi, per molti ancora di difficile accettazione proprio per i suoi aspetti (troppo?) speculari sulle angosce della realtà contemporanea. Essi si presentano talvolta in forme tormentate e antigraziose, delle quali queste due mostre propongono svariati esempi, accompagnati da opere più vicine alla sublimazione, alla riflessione e all’ironia. Oltrepassando la soglia di ingresso degli spazi espositivi di Punta della Dogana, Elogio del dubbio si manifesta con un dé-jà-vu proveniente da Mapping the Studio: il cavallo sospeso, dalla testa incassata nel muro, di Maurizio Cattelan (Untitled, 2007), artista che insieme a David Hammons e al suo Untitled (2000) – un’installazione dal sapore funebre a metà tra un canestro da basket e un lampadario – contribuisce a potenziare la sensazione di straniamento portata dalle sculture minimaliste di Donald Judd, presenti in sala.
Queste prime impressioni sono efficaci per prepararci all’incontro con una delle opere più intense dell’esposizione: il grande allestimento di Edward Kienholz, Roxys (1943-62), la ricostruzione di una casa di tolleranza di Las Vegas dove tutto è rimasto fermo al 1943, dentro la quale le vittime di abusi e di violenza, un tempo donne e ora rese maschere grottesche, ci osservano come in un set cinematografico da film dell’orrore.

L’eccezionalità di quest’opera risiede nella sua capacità di perturbare lo spettatore in modo sottile e silenzioso, in continuità e al tempo stesso in contrasto con le sculture in resina poliuretanica esposte nella sala successiva da Paul McCarthy, le quali affrontano simili tematiche, quali la mercificazione del corpo femminile e la violenza legata alle manie di potenza e di conquista di una società ritratta, in chiave più diretta e incisiva (in linea con i media contemporanei), come fallocentrica e coprofaga (Pirate Heads, 2009).

Le corde emotive dello spettatore vengono stimolate in diverse direzioni. Notevoli le opere di Chen Zhen, artista cinese ammalatosi di leucemia a soli 25 anni e scomparso nel 2000, che con l’opera della stessa data Crystal Landscape of Inner Body riproduce in cristallo, disposti su un lettino, undici organi del corpo umano. L’artista newyorchese Roni Horn ci inganna, invitandoci a non fidarci delle apparenze con i suoi pozzi realizzati interamente in vetro, ma che sembrano ricoperti d’acqua (Well and Truly, 2009-10). Un monito che persiste nelle opere di Jeff Koons, composte da salvagenti per bambini, che hanno una connotazione convenzionalmente positiva e salvifica e che ostentano una consistenza apparentemente morbida e innocua, ma che in realtà sono realizzate in metallo smaltato. Lo stesso materiale ritorna nelle reti e nelle catene che sorreggono queste cinque opere, provenienti dalla serie Popeye (2002). Le oscillazioni dell’ironia proseguono con gli omaggi a Duchamp e a Felix-Gonzalez Torrez di Sturtevant, per sfumarsi nelle riflessioni dell’artista italo-francese Tatiana Trouvé, sospese tra presenza e assenza, indagando il rapporto tra l’inevitabilità della perdita e le attività umane di preservazione con un linguaggio che omaggia l’architettura, ricoprendo la più concreta delle arti di un’aura desolante (Intranquillity, Appunti per una costruzione, 2011).

Il mondo vi appartiene, ospitata nella sede di Palazzo Grassi, si apre invece con un’opera monumentale dell’artista portoghese Joana Vasconcelos, una struttura informe che si espande con i suoi tentacoli lungo le scale e al centro della sala d’ingresso del palazzo, composta da tessuti di diversi colori e fogge, provenienti da varie parti del mondo e impreziositi da orpelli di varia natura. Un’opera biomorfa, che ricorda nella sua forma i batteri e i microgranismi, notevolmente ingigantiti (e non a caso, l’opera si chiama Contamination ed è in costante crescita): un’esplosione di colore quale primo imprinting della mostra, rafforzata da un Baloon Dog (1994-2006) color magenta e in metallo specchiante di Jeff Koons.

L’esplosione “virale” di colore si declina in glamour con le due salette cinematografiche pensate dall’artista Francesco Vezzoli, che dal MAXXI di Roma al Museion di Bolzano spopola, con le sue opere cariche di ironia, prendendo in oggetto il terribile potere persuasivo dei mass-media. In Marlene Redux: a true hollywood story! (2006) propone nientemeno che la messa in scena della sua morte, in prima persona, riecheggiando i reality show e i documentari di importazione americana. Le tinte accese di queste prime opere si arricchiscono in breve tempo di connotazioni inquietanti con l’opera Life is Beautiful (2009) dell’artista iraniano Farhad Moshiri, realizzata con diversi coltelli dai manici colorati, posti uno accanto all’altro e con le lame conficcate nel muro che compongono, in uno stile marcatamente corsivo, il titolo dell’opera. Di grande interesse il giovane artista francese Loris Gréaud, che con Gunpowder Forest Bubble (2008) allestisce un’oscura scenografia dall’aura apocalittica, composta da alberi spogli, ricoperti da polvere da sparo e illuminati unicamente dalla luce di una luna piena e maestosa.

I vetri di questa sala sono oscurati, in modo tale da creare un rapporto unico tra interno ed esterno: anche il paesaggio veneziano si tinge delle medesime tinte fosche caratterizzanti l’opera del giovane francese. A questo lavoro è possibile associare il romanticismo urbano di Pruitt-Igoe Falls (2009), del coetaneo Cyprien Gaillard, che prende il titolo da un complesso residenziale costruito in stile modernista e fatto implodere nel 1972 dopo aver raggiunto livelli inaccettabili di degrado, associando, in un’installazione video, esempi analoghi di edilizia popolare alle Cascate del Niagara, una meraviglia naturale che è al tempo stesso attrazione turistica adornata di luci colorate, per sottolineare, come suggerisce il titolo della mostra, una riflessione sul mondo e sulla sua presunta appartenenza a una società che si prefigge di amarlo e “adornarlo”, ma che invece lo distrugge. Da qui il ruolo dell’artista che, consapevole anzitempo delle conseguenze di questo corto circuito, vorrebbe manifestare la paura, o almeno esorcizzarla, di una società che a sua volta aspetta di essere distrutta.

Elogio del dubbio, Punta della Dogana e Il mondo vi appartiene, Palazzo Grassi – Venezia, a cura di Caroline Bourgeois, fino al 21 febbraio 2012.

www.palazzograssi.it

Per comprendere totalmente la collezione vincitrice del concorso occorre indagare alcune sfumature riguardanti il percorso della talentuosa Louise, come per esempio il fatto che abbia vissuto la maggior parte della sua vita divisa tra la campagna e la capitale danese, un percorso intrecciato e continuo che ha probabilmente accentuato la sua già naturale attitudine alla bipolarità.

Basti analizzare il nome della collezione: Old New/New Old, qualcosa che ha a che fare con il passato e con il futuro al tempo stesso, e che lei stessa ammette essere stato ispirato dal concetto di New Luxury, affermando: ”La mia collezione è uno scontro tra il New Look di Christian Dior del 1950 e la pazzia dello stile sportivo/grunge degli ‘80”.

Minimalismo che definisce delle regole in abiti moderni con spunti antichi, combinazioni di colori differenti create in maniera precisa ed equilibrata, come le linee gialle fluo che impreziosiscono il completo gonna e blazer donandole vivacità, oppure l’inserto di un verde scuro ed elegante che interrompe geometricamente l’abito longuette ampio indossato con una cintura sottile in vita. Linee che rimandano al movimento Bauhaus del 1920, durante il quale il minimalismo ha definito le sue parole chiave.

L’abito giallo tenue colpisce per la forma bipolare, con strascico sul retro e allacciatura rigida a camicetta, si scopre innovativo sul davanti aprendosi come un lungo soprabito e lasciando spazio a shorts sportivi. Rimandi di eleganza di un altro tempo si scoprono nel vestito color verde oliva lunghissimo e raffinato, semplice, mentre il completo denim scuro sembra lanciare una sfida su ciò che è stato e su ciò che sarà, con cuciture sfilettate per la giacca corta e linee rigide per l’abito.

Louise Sigdvart è una designer giovane e promettente con un obiettivo: creare una moda che sia al tempo stesso innovativa e indossabile, una sfida questa, da non sottovalutare. Per maggiori informazioni e/o curiosità vi consigliamo di dare un’occhiata al suo sito web, perfettamente in linea con la filosofia di Louise www.louisesigvardt.dk.

On the Road Again – Willie Nelson

Pete è tornato a fare ciò che gli riesce meglio (oltre al cacciarsi ripetutamente nei pasticci), ovvero strimpellare la sua chitarra e deliziare il suo pubblico con pezzi ormai diventati memorabili. Alla fine gli si perdona pure il fatto di salire sul palco con un paio d’ore di ritardo rispetto all’appuntamento annunciato, e di farsi aprire da una noiosa Soko, e dalla sua poco gloriosa esibizione. Ed ecco arrivare allora un’ora di spettacolo in cui Pete alterna pezzi nuovi, strimpellate e improvvisazioni a pezzi ormai storici, cantati a squarciagola da tutti i presenti. Don’t Look Back Into the Sun, Albion, When the Lights Go Out, Can’t Stand Me Now e l’immancabile Fuck Forever a chiudere, farciscono ciò che di altrettanto buono e gustoso ha creato da solista, tra cui The Last of the English Roses, Arcady e For Lovers in cui viene accompagnato da uno stordito (è dir poco) Peter Wolfe (co-autore del pezzo).

The Needle & The Damage Done – Neil Young

“Ogni tossico è come un sole che tramonta”, e che torna a risplendere. Per molti era più l’attesa di sapere in che condizioni psicofisiche arrivasse il “grande sopravvissuto”, piuttosto che quella di gustarsi i nuovi pezzi, che finiranno nel nuovo album solista in uscita (forse) a marzo, e di riassaporare quelli ‘gloriosi’ scritti con Libertines e Babyshambles. Fortunatamente, Doherty, oltre ad aver messo su una simpatica pancetta, si è dato una ripulita, più o meno. Certo, ancora barcolla e ha difficoltà a stare in equilibrio, e ogni tanto stropiccia gli occhi quasi non fosse completamente lucido, ma quel che conta è che ricorda ogni parola di ogni sua canzone, è simpatico, scherza e non “sbratta” più sul palco (ndr, “sbrattare”, nel gergo romano significa vomitare). Nell’istante in cui imbraccia la sua chitarra acustica, si capisce come la musica, la stessa che ha spedito in paradiso, o giù agli inferi, la sua amica Amy Winehouse, in un certo senso, lo ha salvato da una fine certa e scontata.

Desolation Row – Bob Dylan

“The circus is in town”. Si, Pete porta in giro una piccola “compagnia”, cercando di rendere il suo concerto un piccolo spettacolo folkloristico. In un palco in cui oltre a due amplificatori è presente una vecchia sedia di legno, in cui si accomoderà per fumarsi una sigaretta, per dissetarsi e per infilarsi una calza dai colori giallorossi lanciatagli da qualcuno del pubblico, salgono a intervalli delle ballerine che improvvisano, come lo stesso Doherty fa con la sua scaletta, balletti, vestite di Union Jack. Questo rende il tutto molto intimo, ma così dannatamente sgraziato, proprio come il “mondo” di Pete.

Reno – Bruce Springsteen

Conoscete questo pezzo del Boss? Tagliando la testa al toro, il testo parla di una prostituta. Ecco, vedere volare sopra la nostra testa reggiseni e mutandine, ci ha fatto arrivare alla conclusione che Pete Doherty sia diventato in un certo senso “the bitch of rock”, ed è un grande peccato, perché il trentaduenne inglese avrebbe tutte le carte in regola per arrivare ad un pubblico più “maturo”, ed invece sembra solo in grado di attrarre a sé giovincelle e giovincelli a cui interessa relativamente poco della bravura del baldo inglese, annichilito dalla solita “prostituzione” intellettuale che mette i numeri davanti a tutto.

Questi che avete appena letto sopra non sono nient’altro che appunti presi durante l’attesa per il viaggio di ritorno, Roma – Chiusi, al freddo della stazione Termini, mentre aspettavamo che il nostro treno comparisse sul tabellone delle partenze. Lasciando una Roma che cominciava a dipingersi di bianco, il gelo rendeva quasi impossibile ogni tentativo di rielaborare le emozioni vissute durante il bel concerto di “Pete il disgraziato”, ed ecco a voi il risultato. Lo abbiamo detto, il “bel” concerto, nonostante Reno, e nonostante le mutandine che volavano.

Foto del live di Claudia Rasmussen

Il carattere vivacissimo e movimentato della collezione si afferma come il punto centrale di una linea di abiti che hanno in sé tutto il fermento di un talento in fase di decollo.

Yeashin Kim è un inarrestabile turbinio di idee e ispirazioni, con uno stile decisamente unico e la ferma idea di voler condividere col mondo la sua concezione di design, unica e particolarissima. Ci si immerge in creazioni che esprimono una gioia di vivere fuori dal comune, riempite di una luce colorata che esprime un sentimento di felicità e piacere.

Proprio questo il pensiero della designer, che crede fermamente nella capacità intrinseca dei suoi capi di comunicare un messaggio di pura allegria, di una filosofia di vita improntata sulla diffusione di positività. Qualche rimando agli anni ’70 e alla loro incontenibile e psichedelica giovialità non manca, così come non manca nemmeno il richiamo a concetti di anti-convenzionalità e ribaltamento delle comuni regole del vestire.

Yeashin dichiara di essersi ispirata al mondo sottomarino, a quel Beyond the Sea fatto di coralli, pesci dai cromatismi incredibili e paesaggi acquatici che si estendono in tonalità vivaci e brillanti oltre misura. Le sue creazioni hanno tratti di uno sperimentalismo ludico che ricorda Agata Ruiz de la Prada accompagnati da altrettanti tocchi di fanciullesca spregiudicatezza che rende i suoi abiti delle simpatiche uniformi per impavide signorine alla ricerca di profondi sorrisi e fresche risate. I colori vanno dal rosa salmone al celeste, dal verde smeraldo al giallo neon, con qua e là qualche tocco di bordeaux e un marrone che ha sfumature da sabbia bagnata.

Sempre il mare, ovunque, dalla palette ai tessuti che scivolano lungo il corpo come gettate di acqua fresca o che si poggiano sulle spalle come inflorescenze coralline. Bluse piene di frange, abiti appesantiti da inserti di stoffe dense di movimento, maxi tute morbidissime e cascanti, questo l’universo delle linee sottomarine di Yeashin Kim per la sua degree collection.

Ma è un mare arricchito da ispirazioni artistiche ben precise quello della designer di origine sud coreana, che racconta come l’arte Rococò francese di inizio ’700, in particolare le opere di Jean Antoine Watteau, abbiano dato un apporto decisivo alla realizzazione della sua prima collezione.

Un ready-to-wear che mira ad essere originale e inimitabile prima di tutto e solo in seconda analisi cerca una vestibilità. Che non sarà mai quella canonica, ma per qualcuno potrebbe diventare una via di fuga dai soliti, monotoni abbinamenti.

Il sito www.yeashinkim.com

Che mondo osservi dietro la tua macchina fotografica?

Un mondo distante, direi più precisamente un magma pensante tarkovskiano, che si collega al mio cervello e cerca di riflettere il mio inconscio.

Dove trovi i tuoi soggetti?

I miei soggetti generalmente provengono da un rapporto/amicizia personale. Sono tutte donne, come avrai notato, molto belle iconograficamente parlando. Scelgo questi soggetti, per il semplice motivo che la fotografia che faccio è generalmente di Moda. La scelta della presenza femminile viene da un amore profondo per la loro natura intrinseca.

Analogico o digitale?

Bella domanda. Qui potrei scrivere per ore. Ma cercherò di contenermi.

Dipende cosa uno cerca. Io uso la digitale, nonostante sia a primo impatto fredda e sterile, ti da maggiore controllo sull’opera che stai creando, puoi articolare un discorso più profondo, per quanto riguarda il proprio immaginario artistico. E poi è un mezzo del nostro tempo, che non è una cosa da poco, se si vuole cogliere lo spirito del presente e del futuro. L’analogico, nonostante sia il mezzo più usato dai fotografi che generalmente amo, lo trovo come una semplice reliquia, bella si, ma che ti impone una semplice e monotematica rievocazione del passato.

Cosa ti ha ispirato per iniziare a fotografare? 

A ispirarmi sono stati i fotografi di moda che amo, che scoprivo mentre sfogliavo miriade di pagine fotografiche, e il cinema che divoro con le sue fotografie animate. E concretamente tutto è iniziato un anno fa quando ho deciso di fondare una rivista tutta mia di fotografia di moda e arte contemporanea, che è visibile da questo indirizzo: www.upandcomingstyle.com, nel compiere questo percorso mi sono voluto mettere in gioco e ho preso in mano la macchina fotografica e vedendo che la cosa mi veniva bene, ho voluto continuare.

Un fotografo che ammiri particolarmente?

Uno? Senza esitazioni, dico Juergen Teller. Uno dei pochi che si può permettere di realizzare come vuole campagne come quelle di Celine, Vivienne Westwood, Moschino, Marc Jacobs, Missoni etc . Lui è un pò come i Beatles, così famoso, ma così artisticamente libero. Questa è forse la chiave per entrare nella storia.

Come realizzi i tuoi set?

I miei set generalmente li realizzo con la mia stylist di fiducia, Maria De Los Angeles Monari, nonché mio braccio destro del progetto di Up-and-Coming Style. Lei è fondamentale, poiché pensa a tutto l’aspetto moda/make-up del servizio e così mi permette di concentrarmi al 100% alle situazioni da ricreare con le modella. Tutta la mia ispirazione nasce nel momento in cui scattiamo e quello che conta per me è la naturalezza e la leggerezza della persona che è davanti al mio obiettivo. Finito il set, c’è la post-produzione, la fase più delicata di tutte, un universo a parte e molto personale.

Stai lavorando a qualcosa in particolare al momento?

Nelle ultime settimane mi sono principalmente occupato a organizzare con il mio staff di Up-and-Coming Style tre eventi legati con Arte Fiera 2012 che si sono conclusi qualche giorno fa. E ho anche scattato molto in queste settimane, ma ora ho bisogno di staccare per un attimo la spina e riprendere a studiare, che vuol dire scoprire nuovi fotografi, artisti, registi etc. per assimilare e continuare a rimettersi in discussione nel futuro.

Altre foto di Andrea sul suo sito personale www.andreaquarantotto.com