Tutto si basa sul poligono triangolare che viene visto come elemento comune sia della forma indossabile che della grafica digitale. Il concetto detto così sembra di difficile comprensione, in realtà è molto semplice.

Questi ragazzi studiano, attraverso l’utilizzo della grafica 2D e 3D, modi alternativi per costruire abiti. Sperimentazione pura, azzardata verrebbe da aggiungere, perchè questo gruppo di misteriosi ragazzi basa i propri studi sugli indumenti più basici che esistano ossia le magliette. “Tutti i nostri prodotti sono realizzati in un nuovo ambiente digitale che ci permette di ricostruire ogni componente di un abito dal nucleo fino ad ogni grado di complessità – spiegano i fondatori del progetto - Con questo nuovo approccio si stabilisce una nuova dimensione in cui si sperimenta e si riconsidera il 2D, 3D e lo spazio in mezzo”.

Difficile da immaginare, ma il risultato è davvero sbalorditivo. Prendiamo ad esempio una piccola serie di t-shirt in jersey chiamata The Digital Portraits composta da tre magliette in 3D personalizzate. A prima vista appaiono come un groviglio confuso di spigoli e triangoli in realtà sono molto di più, sono state create ad hoc non solo sul corpo ma  sulla personalità del committente. Sono uniche. Tre corpi sono stati scannerizzati digitalmente in 3D. Da questo file ne viene creato uno gemello che però viene “manipolato” a seconda del destinatario della t-shirt. La scansione 3D viene successivamente trasformata in un modello 2D utilizzando una funzione impiegata anche nella realizzazione dei cartamodelli. Il tessuto e l’interfaccia interna, che definisce i bordi, sono tagliati con il laser. Utilizzando come tessuto il jersey la complessità percepita del capo è ridotta ad un livello più accessibile.

Le Digital Potrait t-shirt fanno parte della sezione “Non Basic” del brand. Parlando invece dei capi più essenziali interessante è il progetto chiamato 1/10 Edition in cui, partendo dal modello base di una t-shirt vengono generati, attraverso la ricostruzione 3D, una serie di infinita di patterns. Ogni maglietta è diversa dalle altre grazie alle cuciture che corrono libere sull’intera superficie del tessuto. Ogni cucitura – tranne quelle delle spalle e dei lati – può essere modificata senza che il capo perda di vestibilità.

Le immagini parlano da sole. Tre t-shirt, tre sculture. “La nostra missione è quella di superare la barriera tra possibile e impossibile e ridefinire l’estetica di tutte le cose fatte in jersey”. Quando la tecnologia e la moda s’incontrano i risultati sono sempre incredibili.

www.the-t-shirt-issue.com

Altrettanto interessante lo shooting, scattato da Bertrand Le Pluard, per la presentazione della collezione: la location è una fabbrica, un gruppo di modelle-operaie vestite Jacquemus diventano protagoniste alternative di una storia quotidiana e reale.

Per una volta non è l’immagine glamour della moda a saltare all’occhio quanto più un approccio realista e umano,che concilia il “bello” alla normalità.

La collezione estiva 2012, intitolata Le Chenil (il canile .ndr), sarà sempre ispirata al mondo delle donne che lavorano, in questo caso la top Caroline de Maigret impersonerà una padrona di un canile, alquanto solitaria.

Simon, ci racconti qualcosa di te?

Ho 22 anni. vengo dal sud della Francia,la SS 2012 sarà la mia quarta collezione. Amo Marie Laforet, Isabelle Adjani e Valeria Golino…specialmente in “Respiro”.

Come e quando è nato JACQUEMUS?

Jacquemus è nato più di un anno fa, con la mia prima collezione “L’Hiver Froid”. Era arrivato il momento di fare qualcosa di concreto, di smettere di attendere e di realizzare un progetto per conto mio. Sono un designer autodidatta.

Quali sono le tue maggiori ispirazioni nella creazione delle collezioni?

Sicuramente mia madre e il sud della Francia,la Provenza, che sono sempre nella mia mente. Al momento però potrei essere ispirato da qualsiasi cosa, come da un “lavoro”, una donna, o semplicemente da un vecchio video di musica pop francese visto su youtube.

Come descriveresti il tuo stile? Da chi o cosa è influenzato?

Inizio sempre da una storia e mai dai vestiti. Amo moltissimo immaginare una storia e soltanto dopo creare la collezione. Mi piacciono le uniformi, le divise, sono ossessionato da quest’idea e esteticamente penso aggiungano qualcosa di forte. Mi piace l’idea “tutto e niente”, l’idea di poter amare tantissimo una cosa oppure odiarla. Sento di rischiare di più creando una collezione ripetitiva.

Come immagini la donna che veste Jacquemus?

Con un’uniforme spero, una donna semplice. Non amo gli esercizi estetici, quindi la immagino con indosso un vestito “pulito”, senza tempo.

Quali materiali prediligi per realizzare i tuoi capi?

Materiali semplici come la lana, il cotone e il lino. Qualcosa di grezzo.

Quanto dello stile francese c’è nelle tue creazioni?

Non so quanto “stile francese” ci sia effettivamente in Jacquemus…posso soltanto dire che sono innamorato del mio paese e credo sia questo il motivo per cui si sente lo stile francese nelle mie collezioni.

Progetti futuri per te e il tuo brand?

Una nuova collezione,una nuova storia da raccontare, incontrare nuove persone e cercare di fare del mio meglio per JACQUEMUS.

Ci consigli un posto da non perdere a Parigi?

Il mio quartiere, il 18 arrondissement. Oppure il mercato delle pulci “Les puces de St Ouen”, nella zona nord di Parigi. Se dovessi spendere dei soldi per arredare il mio appartamento andrei sicuramente lì a fare spese folli. Si possono trovare cose molto interessanti, vecchie perle, vestiti in stile della nonna. Amo molto l’atmosfera che si respira e il mix di persone che trovi in quel posto.

Un marchio che trae ispirazione da contesti inusuali ma che, soprattutto, prendono in considerazione il mondo delle donne lavoratrici. Una voce fuori dal coro.

Non vai più in garage a provare con la tua cover band? Se però sei a casa di un amico e lui ha una chitarra in salotto, sicuramente la imbraccerai e proverai a fare due accordi, giusto per sentire come suona. C’è un timing per tutto, potete essere giovanili finché volete, ma ogni cosa a tempo e luogo.

Makia nasce per coloro che hanno vissuto le loro passioni fino a consumarle, fino a quando il tempo non ha dato loro più luogo di portarle avanti come agli inizi. Tutto questo senza mai abbandonare la purezza di una sensazione, senza mai sporcare l’attimo di passione che durerà una vita.

Makia nasce in Finlandia, grazie alla visione di Joni Malmi, ex pro snowboarder finlandese di altissimo livello. Joni ha realizzato che gli anni passavano e che, malgrado questo, voleva rappresentare il suo background rimanendo coerente con se stesso e la propria età. Ecco perché Makia ha visto la luce del giorno: per cogliere un’opportunità.

Pezzi che reinventano dei classici casual, tagli ed accostamenti divertenti senza essere stravaganti, funzionali alle esigenze di un pubblico maturo che sa cosa vuole, ma che purtroppo non ha avuto nessuno che glielo proponesse prima. Purtroppo o per fortuna. Per la fortuna di Makia.

Dopo aver creato un buzz rilevante a livello europeo e dopo aver perfezionato staff e produzione, Makia era quindi pronto per il passo successivo. Lanciato verso una scalata al successo che sembra annunciata, infatti, questo brand di abbigliamento e scarpe ha recentemente aperto in California la propria sede statunitense ed ha conseguito il secondo posto dell’award di TransWorld Business “Top Action Sports Stories of 2011″.

Il loro motto “Old but gold”, quindi, pare avere un senso, soprattutto se affiancato a nomi quali quelli di Peter Line, John Cardiel, Chris Dufficy, Marc Morisset, Joni Makinen, Bryce Kanights, Steve Olson, Russell Winfield, Jeff Brushie, Scotty Wittlake, Jim Rippey ed altri ancora.

E voi? Vi sentite pronti per questa corsa all’oro o è ancora presto?!

www.makiaclothing.com

Divisa tra due città molto differenti, come Londra e San Francisco, riesce comunque a gestire il suo brand e a insegnare persino all’Academy of Art’s Fashion BFA & MFA.

Nell’autunno-inverno 2011 la designer decide di sviluppare una collezione differente rispetto a quella del 2008, costituita soltanto da accessori: cappelli chic, da cocktail e sciarpe in seta stampata con motivi che ricordano i preziosi foulard di Emilio Pucci.

Alcuni cappelli come i modelli Windsor Pillbox e Becket Knot sono realizzati in collaborazione esclusiva con la cappellaia inglese Laela Barnard. Bianco, celeste, rosa, verde acqua, grigio e lilla, sono i colori più evidenti, ma è presente anche l’inaspettato nero come nella sciarpa del modello Savoy e nel cappello Zeppelin Disk.

Nonostante i numerosi impegni la nostra designer riesce a sostienere anche un’importante iniziativa: il ricavo di ogni sciarpa venduta viene devoluto in beneficenza al centro di San Francisco, St. Vincent de Paul Society Riley , per donne e figli maltrattati.

Con 50 dollari si copre la spesa delle sessioni di consulenza per 5 donne maltrattate e con 75 dollari si dà la possibilità a una donna abusata di trascorrere una notte nel rifugio. Con oltre 300 volontari, il St. Vincent de Paul Society Riley è il più grande rifugio che ospita e supporta donne che subiscono violenze domestiche nell’area di San Francisco. Ogni anno il centro ospita 1400 donne e bambini (purtroppo il 60%) offrendo diversi servizi come alloggi di transizione e programmi d’istruzione.

Louisa dimostra così di affrontare con serietà, passione e convinzione sia il lavoro di stilista sia l’impegno solidale.

www.louisaparris.com

Giovedì sera a Londra nella Raphael Gallery del prestigioso Victoria & Albert Museum si è tenuto il MA Graduation Show del London College of Fashion e, come spesso accade quando si parla di Inghilterra, l’attenzione è tutta puntata sui creativi. Le aspettative sono alte. Dal graduation show emerge un mood minimale caratterizzato da una forte compenetrazione tra generi. C’è stata grande attenzione sulle stampe, sui materiali e sui ricami che compaiono sia nel menswear che nel womenswear. L’estrosità degli ultimi anni sembra attenuarsi per confluire in un’eleganza e in una ricercatezza davvero intrigante. Molti dei designers hanno preso spunto da diversi elementi stilistici del mondo orientale mentre altri hanno fatto dell’essenzialità e del purismo il loro punto cardine.

Tra tutti alcuni però hanno attirato la nostra attenzione e vale davvero la pena di presentarveli. La prima è Xianfen Gu. Ha aperto lo show con la sua collezione donna che fonde la sartorialità tipica di Savile Row con il misticismo dell’estremo oriente. Completi giacca e pantalone tagliati al laser e caratterizzati da stampe fotografiche rosso sangue. Altri elementi interessanti sono l’asimmetria, che compare nelle chiusure e nella struttura base di molti capi e la grande attenzione per i ricami che decorano i capi finali e l’abito rosso di chiffon plissettato.

Charlotte Simpson trae ispirazione dalla bravura di Phoebe Philo e dal suo famoso minimalismo. La collezione della giovane inglese si basa tutta sulle tonalità del beige, del rosa antico, del marrone e del bianco. Le forme sono cadenti ed allungate, morbide ma estremamente essenziali. Femminilità elegante e seriosa trasuda dalle tute, dai morbidi pantaloni e dai lunghissimi abiti. La collezione è calda, avvolgente e luminosa in alcuni punti grazie soprattutto ai tessuti utilizzati.

Con Emily Seul Ki Uhm arrivano i colori. Anche qui sono presenti giacche lunghe dal taglio maschile che, spesso e volentieri, si trasformano in lunghi abiti dai revers sottili. Le tonalità sono forti, azzurro, fucsia, arancio, verde e bianco. Tutta la collezione è percorsa da decorazioni a righe, pois e griglie in rilievo che movimentano le linee rigorose dei capi. Le trasparenze sono un di più che completano gli abiti allungando il tutto fino ai piedi.

Melanie Anayiotos porta il drappeggio su tessuti grigi, dorati e neri. Si respira più matericità sebbene persista il minimalismo che accomuna molti dei progetti presentati. Arricciature, pences e pantaloni larghi che cadono morbidi sulle caviglie. Capi spalmati con oro o total black. Cappotti oversize con dettagli in tono. Non c’è nulla al di sopra del ginocchio, si copre la maggior parte del corpo utilizzando anche timide trasparenze.

Questi sono solo alcuni dei nomi emersi dalla sfilata del London College of Fashion. Sono stati infatti ventitre i giovani creativi presenti all’evento. Confidiamo in loro per vedere finalmente qualcosa di nuovo nella moda.

Durante i suoi viaggi in Europa, Sang A segue vari workshops dove artigiani francesi e italiani realizzano accessori di lusso. Questo alimenta la sua passione per le pelli di qualità e l’ossessione per l’artigianalità. Sang A trae ispirazione osservando i look eccentrici delle strade di Soho, si fa affascinare dalle icone del cinema italiano come Sophia Loren e dalla danza, suo primo grande amore.

Passione e creatività guidano la designer. I suoi accessori fanno riferimento ad una donna che riconosce il valore della funzionalità e del design e che, contemporaneamente, conserva un senso classico e un animo ribelle.

Le collezioni trasudano lusso, ribellione e innovazione: gli accessori sono infatti tutti lavorati artigianalmente con pregiatissime pelli. I materiali più utilizzati per le borse e pochette sono la pelle di pitone, vitello, coccodrillo, pitone e struzzo. Le pelli vengono tagliate e assemblate a mano grazie all’esperienza dei più bravi artigiani del mondo. Ogni pezzo viene controllato poi uno per uno perché ogni oggetto sia veramente “per la vita”.

La collezione autunno-inverno 2011-12 è ricca di accessori come pochette di struzzo, ipad-cover di pitone bianco e nero, borse porta pc, zaini trasformabili in borse a tracolla e splendide shopping bag. I colori spaziano dal nero al grigio e dal panna al marrone.

Le creazioni di designer corena hanno da subito riscontrato un grande successo, vengono scelte dalle stylists di molte celebrities americane e dalle fashion editors di riviste e web. Le sue collezioni sono disponibili in tutto il mondo: New York, Milano (10 Corso Como), in Europa, Medio Oriente e Asia.

La sua presenza a livello mondiale continua a crescere, attraverso il suo coinvolgimento in diversi enti internazionali: nel giugno del 2010, Sang A è diventata membro del Consiglio di Fashion Designers of America (CFDA). Una carriera in ascesa e un successo meritato.

www.sanga.com

Lo stile è inconfondibile e porta dentro di sè tutta l’esperienza acquisita lavorando fianco a fianco con Alberta Ferretti e i quattro anni in cui Erik è stato head designer presso Viktor&Rolf. Nel 2008 termina il connubio e fonda Avelon, in questo progetto “solista” c’è una buona dose di costruzione, meno haute couture ma sicuramente più portabile, e una percentuale sufficente di rock‘n roll.

Un’apoteosi di colore nero, declinato su grossi panni di lana, pelle e denim. Un tocco di antracite e di tabacco nelle maglie leggere e nei maglioni di lana lavorata a nido d’ape, pesanti e oversize. Asimmetrie nei capi spalla, in pelle e panno, che ricordano le forme tipiche del Rick Owens più famoso, senza però allontanarsi troppo dallo stile tipico di questo designer. Denim aderenti pieni di zip orizzontali. Mix up di materiali. Gonne lunghe e abiti. Verrebbe da dire sofisticato, verrebbe da dire sartoriale.

Una collezione che ha consacrato nel migliore dei modi Avelon nel nostro paese, sebbene sia totalmente lontano dagli stilemi italici. Amatissimo dai giapponesi e dai nordici ha però presto incantato anche noi grazie a quell’allure che lo contraddistingue.

L’estivo contiene una sferzata di vita e di colore, anche se non esagerato. Il nero è una base difficile, quasi impossibile, da cancellare tanto che rimane la tonalità cardine anche quando le temperature salgono e le giornate si fanno più lunghe. Fanno però capolino un blu intenso, un verde prato, bianco, grigio chiaro e il beige.

Le linee rimangono basiche ma anche più morbide. Perdurano alcuni pezzi cardine come il denim skinny, la giacca e il maglione a nido d’ape. Ritorna il gioco tra lucido e opaco. Compaiono ampi pantaloni palazzo, t-shirt, shorts, camicie e trasprarenze. L’estate di Avelon è over nella tuta bianca e nell’abito verde, è soft nel tessuto leggero del completo blu ed è street – ma con stile – nella t-shirt traforata stile basket e nella giacca da baseball.

Non tradisce Avelon, non tradisce Erik. Degno della migliore tradizione artistica olandese. Come si suol dire: one to watch.

www.avelon.me

Classe 1982, una formazione da pittrice. La voglia di vedere realizzate in concreto le sue idee su tela la porta a diventare creatrice di una linea che, per ora, comprende solo due collezioni; un esordio di tutto rispetto, considerando l’attenzione ricevuta da magazines come Vogue o stores globali quali LuisaViaRoma, Corso Como e Frank Et Fils.

Pioniera della gioielleria, autodidatta, di una sensibilità a metà tra il maschile ed il femminile, con una vera e propria ossessione per i colletti da uomo e le nappine da tenda ornamentali, acquistate al vintage store Gadabout. Con il presupposto che lo stile “è fatto dalle persone eccentriche, il cui carattere traspare dal loro modo di abbigliarsi”, si spiega la sua simpatica mania di spiare su Google gli acquirenti, dopo gli ordini ricevuti via mail tramite info@maryamkeyhani.com.

L’ispirazione incessante, durante la fase del disegno, le sopraggiunge dai sogni ad occhi aperti e dai viaggi nei quattro continenti. A Firenze nasce l’amore per l’artigianato ed il lusso, dai mercatini delle pulci di Berlino arrivano le strepitose penne e da Parigi, oltre ad un corso d’illustrazione di moda, il tratto femminile ed elegante. Letteralmente ossessionata dal bozzetto, lo studio di Keyhani a Toronto è quasi sommerso da schizzi che magicamente prendono vita in una collezione A/I 2011-12 composta di ventinove pezzi, alcuni dei quali richiedono anche dodici ore di lavoro ciascuno.

Un prodotto che nasce dalla pura fantasia e passa alla manipolazione, quasi come una scultura, attraverso soluzioni tecniche di portabilità studiate appositamente. E così, partendo da un moodboard etereo, la designer mixa classicismo ed avanguardia in un approccio artigianale ed intimo: la sua sperimentazione, attraverso l’utilizzo di penne, pelle e catene cambia perciò la nozione di arte, originando monili che colpiscono l’occhio con grazia e fare leggiadro ma ognuno con una precisa storia.

Dettagli di pelle arrotolata si combinano a svolazzanti penne nere, cipria e marrone, cinti da catene in oro rosa, in un design ispirato alle dee della mitologia, che si distingue per raffinatezza e ricerca di una bellezza senza tempo, sorpassando i limiti stagionali.

A proposito di stagione, con la primavera alle porte, ci aspetta una nuova collezione tutta influenzata dai ritratti femminili di Ingres: non ci resta che curiosare in anteprima su maryamkeyhani.com.

Berlino, 18 gennaio 2012. Eastpak ha preso alla lettera la suddetta citazione, è evidente. Durante il Bread&Butter ecco presentata per la seconda volta la sfida che il marchio ha lanciato a più di 130 giovani creativi di tutto il mondo e di ogni tipo – dal designer, al grafico, al fotografo – che si sono trovati a reinterpretare il più classico dei prodotti dell’azienda: lo zaino Padded Pack’r.

I risultati sono stati incredibili, ogni opera racconta una storia. Smontato, dipinto, stampato, luminoso, riassemblato, ogni zaino racchiude in sé un pezzo dell’artista che gli ha dato vita. C’è quello cui sono stati installati dei led, c’è quello drappeggiato, quello blindato in una scatola di legno, quello in sospensione, quello che non sembra più lui, insomma, a ognuno il suo.

Da questa iniziativa sono nate oltre 200 opere, che avremo occasione di vedere anche qui in Italia, per il bis che Eastpak ha deciso di concedere (bontà sua, altro che “Paganini non ripete”!). L’appuntamento è per il 2 febbraio alla Galleria XL Combines, già teatro dell’evento New Era di qualche mese fa, dove sarà in mostra una selezione degli zaini più belli.

Niente “discriminazione”, invece, per quelli in vendita: saranno tutti acquistabili online a partire dal 19 marzo, in un’asta a favore dell’associazione Designers Against AIDS (DAA).

Poteva mancare il supporto audio-visivo? Ovviamente no! Lo Studio Fikera ha documentato (quasi) ogni singolo momento di questa iniziativa, incontrando per interessanti tete-à-tete video alcuni degli artisti coinvolti, e cimentandosi adirittura nella customizzazione di uno degli zaini (indovinerete qual è?).

Per vedere in anteprima i Padded Pack’r realizzati, scegliere il vostro e mettere i soldini da parte per un investimento “buono e giusto”, cliccate www.eastpak.com/designstudio; l’acquisto sarà poi possibile sul sito ufficiale www.eastpak.com

Si parla di fotografia. Il nome è quello di Douglas Kirkland, photoreporter americano per Life negli anni Sessanta e famoso per i suoi ritratti di Marilyn Monroe e Coco Chanel, che ha interpretato il capo icona del brand, l’Arctic Parka, attraverso diciotto personaggi provenienti dal mondo dello spettacolo americano.

Si chiama “Douglas Kirkland: 18 Portraits Celebrating 180 years of Woolrich”. Scatti in bianco e nero. Scatti a colori. Il fotografo americano ha dato via a una doppia serie di ritratti diametralmente opposti, una più d’effetto emotivo e una davvero molto pop.

Dopo esser stata presentata al WP Store di Milano lo scorso settembre, la doppia serie fotografica diventa una delle attrazioni di Arte Fiera, la Fiera Internazionale di Arte Contemporanea, iniziata a Bologna ieri 27 gennaio e si chiuderà il 30 gennaio. Gli scatti in bianco e nero, suggestivi e rigorosi verranno esposti al padiglione 16 della Fiera mentre l’altra sarà esposta all’interno del WP Store in città (via Clavature).

I personaggi ritatti dall’obbiettivo di Kirkland interpretano l’Arctic Parka attraverso storie differenti. Sono attori, ballerini, registi, giornalisti sia italiani che americani. Erika Lemanay artista circense, Elle Fanning attrice, Dominik Garcia Lorido, figlia dell’attore Andy Garcia, il regista Edoardo Ponti, l’attore Brendan Fraser, il produttore Lawrence Bender, la ricercatrice Ashley Victoria Greathead, il musicista Max Ludwig con la sua band e Benedict Coulter fondatore dell’agenzia di pubblicità più famosa di Holywood. Questi solo alcuni dei nomi.

Un’occasione interessante per fondere Arte e Moda e raccontare la storia di un marchio importante legato a filo doppio con la città di Bologna.

Questi nuovi simpatizzanti di Enquire ci hanno chiesto di dare uno sguardo alla loro collezione per proporvela e per noi è stato un processo quasi automatico. Francia, terra di libertà, uguaglianza e fraternità, dove il vino è buono e prendere il sussidio di disoccupazione è più facile che da noi. Ecco spiegato l’enorme numero di artisti, musicisti e giovani proveniente da quella terra che erroneamente viene interpretata come snob. Probabilmente la causa è un limite comunicativo che ci porta a pensare che i nostri vicini, siccome hanno una lingua simile alla nostra, debbano essere “un pò come noi”.

Playart è un collettivo di amici che da Nantes parte alla conquista del mondo, attraverso il loro sito web, con delle produzioni artigianali effettuate da loro stessi. T-shirts. Stampe fotografiche con correzioni digitali che vanno dalla scritta che ricontestualizza la foto, agli effetti.

Ma anche le grafiche disegnate ci fanno sorridere e ci trasmettono il messaggio che questi ragazzi vogliono far passare, di divertimento e spontaneità. Si occupano anche di tavole da skate. La migliore, senza dubbio, è quella col buffo gendarme Louis De Funes. Hanno persino un attualissimo cruiser nella loro proposta di tavole. Dimenticate le produzioni di massa, comprare una t-shirt Playart è come acquistare un capo dalle mani di un tuo amico.

In questa epoca in cui il consumo viene indirizzato su produzioni che fanno sempre i conti con il numero dei pezzi prodotti che fa abbassare il costo del singolo articolo, ci è sembrato il momento di puntare i riflettori su questi amici di Nantes, per un motivo banale ma non per questo meno importante: vivono la passione per l’abbigliamento come la viviamo noi. Sorridendo e godendocela, giorno dopo giorno.

Per saperne di più, checkate anche il loro sito, www.play-art.fr

Rifugio è il concetto base, fondamentale sia per i capi tecnici concepiti per lo spazio o per gli sport estremi, sia per il giovane marchio Hee.Lim nato dall’indagine del giovane Hee Lim attorno alle diverse funzionalità dell’outwear. Hee Lim è un designer americano di origine coreana. Nel 2006 si trasferisce a New York per frequentare la Parsons. Alla fine del suo percorso scolastico viene nominato “Designer of the Year” e immediatamente inizia la sua carriera professionale.

Dopo aver lavorato come assistente di Wayne Lee e aver collaborato con alcuni marchi, Hee Lim decide di dedicarsi al suo progetto autonomo. La collezione invernale 2011-12 segna l’inizio concreto dell’avventura di Hee. E’ la prima stagione realizzata e commercializzata ed è altamente rappresentativa del marchio. Lo esprime a pieno anche grazie a quell’atmosfera futuristica, degna di un film.

Volumi oversize, tessuti tecnici, imbottiture, costine in maglia, cinture, zip e tantissime sovrapposizioni. I colori vanno dal verde militare, il kaki, il vinaccia, il grigio, l’azzurro, il blu e il sabbia. Tasche e zaini in tinta. Capi spalla equipaggiati al meglio per affrontare la vita urbana come se fosse un’esplorazione su un pianeta scuonosciuto. Oltre all’outdoor, attraverso il quale Hee Lim esprime tutta la sua creatività, sono presenti pezzi estremamente basici che fanno da sostegno all’intera collezione.

Sono lunghe t-shirt, leggings, spesso trasparenti, pantaloni aderenti e felpe oversize. Il tutto è tono su tono per entrare in opposizione con l’involucro più esterno che dovrà proteggere il corpo. Il contrasto e la larghezza (dei volumi) diventano due elementi necessari della collezione che ricontestualizzano l’outwear più estremo rendendolo affascinante ed azzardato.

Una prima collezione, un’inizio, il principio di un’avventura inziata all’insegna della tecnologia e delle basse temperature. Non ci resta che vedere come Hee Lim interpreterà i tepori estivi.

Per maggiori info: www.heelimnyc.com

G.V.G.V . ne è la prova. Fondato nel 1999 da una giovane giapponese di nome Mug, il brand ha fatto parecchia strada, ed oggi è riconosciuto come uno dei più validi e promettenti marchi nipponici. Mug, dopo aver concluso gli studi alla Kuwasawa Design School ha deciso di mettersi alla prova proponendo una moda semplice ma mai scontata che, se da una parte mutua canoni e dettagli dal passato, è sempre e comunque tesa all’attualità.

La cosa bizzarra è che la designer stessa si discosta dai suoi colleghi connazionali per l’utilizzo di stilemi che non fanno propriamente parte della cultura orientale, nelle sue collezioni non troveremo mai tagli geometrici o figure estremamente concettuali.

Quello che è prominente sono veri e propri revival americani ed europei. Già nella suo A/I 2011 aveva deciso di rappresentare il ritorno a scuola dopo le vacanze estive. Da bravi studenti modello, i ragazzi del college G.V.G.V. ritornano tra i banchi indossando camicie patchwork, il tweed, e i loro montgomery, ma con la voglia di raccontare tutte le peripezie dell’estate trascorsa.

Per la P/I 2012 Mug prevede invece il ritorno, in grande stile, della donna Pin Up, amante però delle stampe floreali e dei colori pastello, con un’attitudine très bon ton. La Miami degli anni Cinquanta riappare: occhiali pronunciati, che allungano ulteriormente gli occhi da gatta delle modelle, cinture che sottolineano il vitino alto e stretto tipico di allora, baveri polsini e colletti perfettamente ripiegati, capelli sempre raccolti nel più sofisticato dei modi.

Accanto a tutto ciò ritroviamo un accessorio che già dall’anno scorso è ritornato prepotentemente in voga, le scarpe modello creepers. Qui le suole sono altissime, e declinate nelle nuances più svariate, dall’oro al tortora, passando per il pesca e l’azzurro cielo.

Senza dubbio una figura di grande talento quella di Mug, che aveva già fatto parlare di sé grazie alla collaborazione, nel 2007, con il la catena di negozi UNIQLO (una sorta di H&M o Zara giapponese), per la quale aveva realizzato una linea di T-Shirt in edizione limitata. Sentiremo senza dubbio parlare ancora di lei.

www.gvgv.jp/en

Solo nel 1994 Ishii inizia a collaborare come stilista per Guy LaRoche, scoprendo così la passione per la moda, e due anni più tardi dà vita al suo brand omonimo. Raffinato e schivo, resta lontano dai clamori delle passerelle e dai riflettori, ma i suoi capi sono indossati da star internazionali (suoi sono alcuni pezzi selezionati per il world tour 2011-12 di Lenny Kravitz, ad esempio).

Con uno stile sintentico, viscerale e grezzo, Yasuyuki Ishii impone all’uomo moderno un guardaroba sontuoso nelle textures e nella lavorazione. I drappeggi di cotone si alternano a pelle borchiata, i tessuti sdruciti si ricompongono con cerniere dorate mentre le cuciture estemporanee definiscono capi vissuti e stropicciati.

La collezione FW 2011/12, presentata alla JFW Gallery, è una sfilata di capispalla, accessori e street-styles completi e complessi. Colli rampicanti e maniche morbide, sovrapposizioni di canvas sfilacciato a taglio vivo e lana, borchie applicate sotto la pelle nera, lavorata e invecchiata tanto da somigliare all’anima vuota di alieni fantascentifici. I toni sono scuri, stone washed e usurati. I pellami, diversi tra loro, vanno dal morbido agnello al ruvido rettile. L’uomo futuristico di Yasuyuki Ishii indossa pantaloni ricchi di tagli e cuciture dall’aria punk, cardigan di jersey trasparente con le maniche drappeggiate e scarpe nere con ampi risvolti e stringhe slacciate. A metà tra l’oscillante futurismo contemporaneo e l’astrattismo, l’artista giapponese conferisce alle sue collezioni di moda una connotazione inquieta e determinata. Yasuyuki Ishii si divide tra Parigi, Milano, Firenze, New York e Tokyo, dove lavora e trasfroma la moda evanescente e sartoriale in un happening d’arte, unico e pregiato.

Sul sito www.yasuyukiishii.jp sono visibili i look-book delle collezioni, e ci si può tenere aggiornati su fiere ed eventi cui lo stilista presenzia.

Quelli disegnati da Mr.Tan sono capi e accessori che evocano immaginari d’arte contemporanea e tentano di restituire una visione emotiva e giocosa del design, dove stampe e fantasie futuristiche si mescolano a tocchi retrò che ricordano le avanguardie delle arti visive occidentali del primo Novecento, intervallati da immagini di un’orientale tecnologia manga.

Con L’Ile Aux Ashby ci si tuffa in un oceano anni ’80 fatto di stampe optical, colori abbaglianti e fantasie da videogames che dominano su tutto, creando look dai fortissimi rimandi a quell’Oriente contemporaneo irradiato da luci al neon e colori flash.Le linee sono essenziali, per dare totale protagonismo alle stampe e a cromatismi invadenti ed esplosivi, vivacissimi e divertenti.

Alla collezione denominata Cosmopolitan Beau, non manca quasi niente. Dalle allegre pochette che racchiudono in sé tutto il concept della collezione, ai gioielli plasticosi e geometrici che sarebbero capaci di ravvivare anche il look più anonimo, dalle panta da cantante pop anni ’80, ai maxi foulard che come bandiere portano alto il nome di un design scoppiettante e dinamico.

Rayson Tan, anche con le sue collezioni precedenti, Ode to the Future Tribe e Khaos, aveva già dato avvertimenti sui suoi intenti stilistici, dotati di forti doti di sperimentazione e audacia creativa.

Un designer e un brand sicuramente da tenere d’occhio, capi e accessori da usare come tocchi di estro per look coraggiosi.

Le collane sono iper luminose e brillanti, grazie ai cristalli incastonati. Preziosissima la collana di brillanti e pelle intrecciati con chiusura in argento che raffigura un enorme fiocco. La palette di tutti i pezzi è costituita da colori accesi come il giallo, blu, viola e arancione. Non mancano i toni classici del bianco e nero. Nella collezione 1111 sono presenti anche i bracciali: molto compatti e costituiti da argento e mini perle nere/silver.

Nectar De Stagni ha dato vita al primo atelier-showroom nel Design District di Miami, il preferito di Louis Vuitton, che funge da vero e proprio palco per eventi e performance di numerosi artisti e designer. Un libero spazio in cui moda e arte si intersecano con naturalezza.

Le collezioni NDS sono state pubblicate su riviste quali Glamour, Elle, Vogue, New York Times, WWD, Nylon, Ocean Drive e Marie Claire. Nektar De ha collaborato con The Standard Hotel, ed è stato premiato come miglior designer di Miami dal New Miami. Nektar ama anche la musica: presenzia infatti in numerosi locali di Stati Uniti ed Europa come Le Baron di Parigi, Poplife di Miami e il Goldbar a NY.

I prodotti NDS sono presenti nei negozi a livello nazionale, così come nel negozio online NDS (www.nektardestagni.com), dove è possibile acquistare on line.

Quando hai deciso di diventare una designer?
Non penso di aver mai scelto consapevolmente di diventare una designer, solamente non ho mai considerato di fare nient’altro. Sono un’osservatrice dall’infanzia e ho sempre avuto una grande sensibilità per i dettagli del cibo, dei colori, dei profumi, dell’ambiente urbano e ovviamente anche degli abiti.

Quando hai deciso di lasciare Savile Row e iniziare il tuo marchio?
Ho studiato Womenswear alla St. Martins ma, allo stesso tempo, stavo cercando un altro tipo d’insegnamento e così ho iniziato un apprendistato presso il Womens Tailoring atelier di Hardy Amies mentre ancora stavo studiando. Da qui ho poi iniziato a lavorare presso Kligour, anch’esso a Savile Row, dove ho imparato come tagliare e costruire gli abiti. Il contrasto tra l’ambiente creativo, tipico della St.Martins, e il mondo così severo e rispettoso delle botteghe sartoriali mi ha fatto bene e ancora adesso mantengo questa impostazione. Ho lavorato per cinque anni come Head Designer presso Kilgour (ho iniziato mentre ancora stavo studiando alla St.Martins) e poi ho sentito che era tempo di iniziare un progetto all’interno del quale mi fosse possibile riversare tutta la mia conoscenza ed esperienza, tornando anche alle mie radici, al Womenswear. L’idea iniziale era di fare una capsule collection sartoriale e unisex. 1205 è iniziato da qui e io continuo ad esplorare le linee tra femminile e maschile giocando con i tessuti, le texture, i tagli e le proporzioni.

Qual’è stato il primo passo fatto una volta iniziata l’esperienza 1205?
La cosa più importante è stata sviluppare la collezione e capire esattamente cosa volevo esprimere. Ho sempre avuto una visione chiara di come volevo fossero gli abiti. Il passo successivo è stato quello di iniziare tagliando e definendo le silhouettes, le forme e le proporzioni in modo che queste onorassero al meglio il mio background sartoriale. Volevo anche che queste linee fossero complementari per i corpi maschili e femminili per dare un maggiore aspetto unisex alla collezione.

Perchè hai scelto il nome 1205?
1205 è semplicemente la mia data di nascita (sono nata il 12 Maggio). Per me questo significa inizio, il principio di qualcosa di nuovo. Volevo un nome che fosse sempre uguale aldilà delle lingue e che, per questo, potesse diventare familiare a tutti con facilità familiare. L’anonimato che comporta l’utilizzo di un nome formato da solo quattro cifre mi piace perchè il marchio non deve parlare di me, deve essere parlare puramente di abbigliamento.

Come hai progettato la collezione?
Come sempre tessuti, tagli e proporzioni giocano un ruolo importante nel mio processo progettuale. Io vedo la collezione nella sua interezza come se vedessi uno spettro. Da un lato ci sono i pezzi più maschili e dall’altro ci sono quelli più femminili, nel mezzo c’è la vera fusione tra i due. Questo processo mi permette di scegliere come giocare con le proporzioni o con le textures, con i dettagli come se mi muovessi costantemente tra l’uno e l’altra. Questo significa che non esistono reali barriere tra menswear, womenswear e la parte unisex della collezione è una cosa che decide l’osservatore.

Che cosa ti ha ispirato?
L’idea per la collezione invernale 2012 è nata pensando alla mia infanzia passata negli Stati Uniti. Vivevamo nel Maryland vicino a delle comunità Amish e, spesso, nei fine settimana pranzavamo nelle case Amish. Il loro modo di vivere mi ha sempre affascinato e la loro estetica così tradizionale e minimale mi ha attratto. La semplicità di quei luoghi e il loro stile di vita ha ispirato la collezione che è stata prodotta con tessuti fatti a mano come l’Harris Tweed e lo Swiss.

Raccontaci qualcosa approposito di questa collezione, è la tua prima collezione con il tuo marchio ed è un inizio importante.
Il capo più rappresentativo della collezione invernale 2011 è lo Shawl Collar Blazer, allo stesso tempo esemplare dell’estetica di 1205. L’attenzione per tessuti tradizionali, ma lavorati con dettagli e tagli puri, rappresenta a pieno il concetto del marchio e proprio per questo può essere indossato sia da uomini che da donne. Il blazer è in Herris Tweed o in tessuti misto di lana, entrambi sfondamentali per la stagione.

La tua esperienza lavorativa si situa nella sartoria, la più tradizionale. Cosa pensi del fenomeno fast fashion e di aziende come Zara e H&M?
Ho sempre lavorato nel frangente più artigianale del settore abbigliamento quindi non ho familiarità con il fast fashion. Il mio modo di progettare è focalizzato su tagli ragionati, qualità dei tessuti, dettagli e costruzione.Penso che Zara e H&M abbiano uno scopo, ma sento che abbiano messo troppa pressione nel timing e nel ricambio dei prodotti. Con stagioni così variegate e con prodotti sub-stagionali (le cosidette collezioni flash n.d.r.) diventa molto difficile per chiunque voglia realizzare capi di abbigliamento di qualità e sviluppare nuove idee. La cultura del fast fashion ha contagiato anche i piani più alti dell’industria. Ho lavorato come consulente per molti marchi e sfortunatamente sembra che la progettazione di un’identità individuale e lo sviluppo di prodotti di qualità venga messa da parte in favore di una più facile e sicura strategia giudata solo dai margini di profitto. Non penso che questo tipo di atteggiamento porti alla realizzazione di prodotti senza tempo né alla concretizzazione di nuovi concetti e idee.

Quali sono gli elementi ispiratori della prossima stagione?
Nella collezione primavera/estate 2012 ho cercato di iniettare un pò di movimento. Ho utilizzato alcuni tessuti classici dello sportswear ma maneggati in modo molto formale. Avremo quindi una gonna formale di polyestere perforato super leggero, o una giacca tuxedo in felpa. Tutta la collezione è incentrata sull’inserimento di texture o dettalgi inaspettati o all’interno di abiti sartoriali classici. La collezione verrà presentata a Parigi nel nostro showroom durante la settimana della moda. Anche l’inverno 2012 verrà presentato a Parigi.

I progetti futuri?
Siamo quasi pronti per presentare la collezione invernale 2012 a Parigi e a sviluppare la prima linea di accessori in pelle. Stiamo anche continuando a lavorare per sviluppare dei workshops a Londra ed è un progetto in corso. Tutti i prodotti 1205 sono fatti a Londra e questo è un elemento importante che fa parte della nostra estetica e che sono ansiosa di sviluppare sempre di più.

www.1205.eu

Dopo più di dieci anni di ricerca personale come jewels designer alla fine del 2007, ha aperto il suo primo negozio a Lima. Il suo lavoro è fortemente influenzato dall’architettura e dal design degli anni ’30 e ’50, così come dal lavoro di grandi architetti e designer quali Mies Van der Rohe, Marc Newson e Zaha Zahid.

La ricerca nei gioielli di Gonzalo si evidenzia nel mixare con equilibrio arte e moda e nell’attenzione particolare alle forme, al contrasto di luci e ombre e ai meteriali. Anelli, orecchini, collane e bracciali tutti rigorosamente ispirati a forme “design” minimali e geometriche, dove l’eccesso non è minimamente contemplato.

Le creazioni del designer sono piccoli modelli di “architettura del gioiello”, resi facilmente portabili da un forte senso dell’estetica e della leggerezza. In Europa è possibile acquistare i gioielli di Gonzalo,a Parigi presso 3B oppure da Une Autre Image.

www.gonzalopalma.com

Se la collezione estiva era progettata per angeli suburbani, in abiti pastello morbidi e scivolati, ora l’ideale femminile proposto è un connubio fra bellezza sottile ricca di nouances ed eleganza impeccabile. Nella collezione A/I 2011-12 compaiono cappotti strutturati, delicate bluse di seta rubati dall’armadio della nonna. Dettagli ricercati e piccole decorazioni rendono unici dei capi che mirano a superare il concetto di stagionalità. Si tratta dunque di una donna sospesa tra le rigide silhouettes del passato e il moderno concetto di austerity, il tutto tradotto in colori che vanno dal bronzo al Terra di Siena, e ricercatè tonalità grigie e verdi.

Si potrebbe parlare di una sorta di ritorno al minimalismo sobrio degli anni Quaranta. Anche ai giorni nostri, come allora, adattare e riadattare sta diventato molto più di una moda. Certo, all’epoca si trattava di un’esigenza imposta dalla grave situazione post bellica ma si potrebbe pensare a quanti, oggigiorno, spendono per capi e accessori vintage. Studio Sober fa propria questa filosofia, predicando un ritorno alla qualità piuttosto che alla quantità.

Il brand olandese nasconde una doppia anima, quella di Robbert Weffers Bettink e Cissy Noordeloos. Per qualsiasi info visitate il sito www.studiosober.nl : non ne rimarrete di certo delusi.

Freschissima di diploma alla Ryerson University, Amanda Lew Kee si getta corpo e anima, nella creazione di collezioni che hanno già una buona dose di maturità stilistica. Tanto per dare un’idea della partenza luminosa del lavoro della designer, il Fashion Design Council canadese ha deciso di appoggiare la sua prima collezione a seguito della laurea e di presentarla alla Settimana della Moda di Toronto. Anche autorevoli magazine come Nylon, Flare Magazine, Teen Vogue e i-D hanno appoggiato il talento di Amanda scegliendo i suoi capi per i loro editorials.

Niente male per una stilista di appena ventitre anni che si appresta a lanciarsi nel difficile mercato degli emergenti. In effetti, il valore del suo lavoro è piuttosto fuori dalla norma. Per la collezione AI 2011/2012, ha messo insieme un immaginario robotico, futuristico, vagamente post-apocalittico, che resta coerente con sé stesso e si presenta sotto le sembianze più varie, ma sempre fedeli alla linea scelta. Neanche a dirlo, di colori quasi non se ne vedono, mentre grigio, petrolio e nero vincono su tutto.

Quelli disegnati da Amanda Lew Kee sembrano abiti di scena di un film di fantascienza, dove l’eroina o antieroina protagonista, cammina severa e sensuale per le strade coperte di macerie di una metropoli del futuro. Un pò alla Pris di “Blade Runner” (1982, Ridley Scott), un pò alla Trinity di “Matrix” (1999, Andy e Larry Wachowski).

I tessuti sono ciò che di più metropolitano e contemporaneo ci possa essere. Sintetici, plastificati, vagamente naturali solo quando virano verso lana e affini. I tagli sono austeri e rigidi, le linee dritte e talvolta monacali. L’unico vezzo arriva con le trasparenze e qualche inaspettato colpo “romantico”, fatto di piccoli sbuffi e decorazioni di tessuto, accompagnati da improvvise accensioni di colori, che però restano nel rango dell’industriale e si slegano con colpi ferrei da tutto ciò che è naturale e vivente. Qualche fiore spunta su abiti con zip, come inflorescenze che rompono il grigio cemento urbano.

Indossare un capo di Amanda Lew Kee è una dichiarazione d’intenti, oltre che stilistica. Si indossa un’idea, un intero immaginario, un gusto, un’inclinazione verso una severità ed integrità che si lascia andare a femminilità ben ponderate e studiate. Dentro a creazioni di questo genere, le uniche a non stonare sarebbero quelle fanciulle toste che sanno essere donne, ma con la forza e la tenacia di intelligenti robot.